cinéfagos - número 15
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Mayo-Junio 2015TRANSCRIPT
No. 15 may.-jun. 2015 Edición Bimestral
Además: La afección de la música - La butaca del cácaro - El regreso de Blur
Edición especial de aniversario-Festival del Nuevo Cine Mexicano de Durango-Homenaje a Luis Buñuel-57 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca-Encuentro Iberoamericano de Escritores CinematográficosReseñas:-Perdidos en Tokio-Boyhood
Eventos: -Cine en los Gurza-Ensayo fílmico de Juan Antonio de la Riva-El salón de la supersticiónEntrevistas:-Ricardo Benet-Luis Martín GerardoEspecial:-El Batman de Nolan
Editorial
DIRECTORIO
Director GeneralAndrei Maldonado
Coordinador EditorialEric Eduarte Villa
ColaboradoresSeth ÁlvarezJuan José AntunaIsmael CamposItzel Maldonado
Fotografía Andrei MaldonadoEric Eduarte Villa
Fotografía externaJorge SandovalFabrizio CadenaIMACICEDCortesía
DiseñoAndrei Maldonado
www.revistacinefagos.blogspot.mx
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Andrei Maldonado
Alimentándonos del séptimo arteCinéfagos ¿hasta cuándo?
En alguna ocasión Arturo Perales,
amigo del Cineclub Korova junto a
Erik Camarillo y el coordinador
editorial de esta revista Eric Villa, me
preguntó al aire en su hoy tristemente
extinto programa de televisión on line:
“¿hasta cuándo Cinéfagos?, ¿hasta
dónde quieren llegar?”. En esa
ocasión he de confesar que la
pregunta me cayó de sorpresa y aún
hoy me sorprende lo que le respondí:
“hasta que alguien haga una mejor
revista, hasta cuando ya no seamos
necesarios”.
Y sí, en efecto, esa es todavía hoy la
perdurabilidad de Cinéfagos. Porque
créanme cuando les digo que no hay
ningún otro objetivo para nosotros
más que compartir el cine que nos
gusta y darle un espacio a todas las
actividades relacionadas con el cine
en nuestra ciudad. Por lo que el día
en que alguien haga eso de mejor
manera que nosotros y los lectores ya
no necesiten de nuestro servicio,
entonces, ese día, con gusto nos
haremos a un lado.
Pero hasta que no llegue ese día esta
revista, contra viento y marea,
seguirá en pie. Seguirá dando lo
mejor de sí con la firme convicción de
contribuir con un granito de arena en
la consolidación de Durango como la
“tierra del cine”. Lo sabemos: no
somos los únicos y mucho menos los
mejores, y lo que hacemos no es
nada del otro mundo. Sin embargo
siempre nos vamos a dormir con la
satisfacción de que, por ese día,
hicimos cuanto estuvo en nuestras
manos.
Porque el cine es, primordialmente,
un arte escrito. Es en la palabra
gráfica el que las ideas que vuelan en
nuestras mentes aterrizan en el suelo
firme del papel en forma de guión y
ahí, solamente ahí, inicia en verdad el
arte de relatar historias por medio de
imágenes en movimiento. Por eso
nos sentimos orgullosos de cumplir
otro año más, vigentes en todos
ustedes ¿mejor, peor que el primer
aniversario? No lo sabemos,
júzguennos.
Por lo pronto no nos queda más que
agradecer a cada uno de los
colaboradores que han hecho posible
estos dos años, quien escribió, quien
nos compartió sus fotografías, los que
nos recomendaron, los que leyeron y
compartieron. Los que nos dedicaron
palabras y a quienes puntualmente
nos hicieron ver nuestros errores. De
verdad no alcanza –irónicamente-
palabras para agradecerles toda la
alegría que nos da sabernos leídos
por sus ojos.
Contenido
Festival
del Nuevo
Cine
Mexicano...
3
ADEMÁS
Homenaje
a Buñuel...10
Cine en Los Gurza... 9El salón de lasuperstición... 15Leviathan... 17Fuerza Mayor...19Güeros...21Iván Delhumeau... 25Luis Martín Gerardo... 29Encuentro de EscritoresCinematográficos... 35Entrevista a Ricardo Benet... 39El Batman de Nolan... 45Perdidos en Tokio... 51Boyhood... 55El regreso de Blur... 57La afección de la música.. 63
3
por ERIC EDUARTE VILLA
FESTIVAL DEL NUEVO CINE
MEXICANO DE DURANGO
Rumbo al
4 4
por ANDREI MALDONADOfotografía CORTESÍA
La fama tiene un precio, siempre lo
ha tenido. Y no, no solo son las
apuestas, el alcohol o las drogas. No
es solo los sacrificios personales o
emocionales. El mayor precio que se
tiene que pagar por la fama es que
esta es efímera, conlleva al olvido y,
para el imaginario colectivo, nada o
poco tiene que ver con el arte.
Una vez más la ciudad de Durango
correrá a 24 cuadros por segundo. La
espera de una año a finalizado para
los miles de cinéfilos de esta ciudad,
quienes se quedaron con un grato
sabor de boca en el Festival de Cine
Mexicano del año pasado. Las
nostalgias empezaron después de la
clausura, prometiéndose estar en
2015 de nuevo admirando,
apreciando, disfrutando y
compartiendo la experiencia del
séptimo arte con compañeros,
amigos y con todos los visitantes de
otros estados; actores, directores,
etc, a esta fiesta del cine que se vive
una vez al año por cuatro largos días.
A muy poco tiempo de iniciar la
séptima edición del Festival del
Nuevo Cine Mexicano, la
efervescencia cinematográfica no se
hizo esperar desde que se
anunciaron las fechas para esta
nueva edición. Desde el lanzamiento
de las primeras convocatorias para el
festival la participación de los jóvenes
se hizo notar inmediatamente. Sus
ganas de formar parte de este
certamen los llevó a producir
cortometrajes para integrarse a la
competencia oficial de “Hecho en
Durango”, otros buscan seguir
preparándose y no tardaron en enviar
sus solicitudes a los diversos talleres
que se convocaron, así como ser
parte del Jurado Joven. Muchos
estudiantes se animaron a participar y
vivir una experiencia única que desde
hace siete años podemos presumir el
tener un festival de cine.
En entrevista para Cinéfagos el
coordinador del festival de cine
mexicano, Christian Sida-Valenzuela,
nos habló de lo que se aproxima a
este festival, que en este año hará un
homenaje al cineasta aragonés
nacionalizado mexicano Luis Buñuel.
¿Qué podemos esperar de esta
nueva edición del FCM?
El festival tiene una estructura que ya
es muy sólida y que no nos hemos
salido de ella, que son primeros y
segundos largometrajes de directores
mexicanos en competencia,
cortometrajes nacionales,
cortometrajes locales, talleres y
charlas. Y es una estructura que ya
maneja el festival, para que ante todo
sea un festival sólido que se
mantenga.
4
5
¿Qué habrá de novedad en este
festival?
El festival este año se dedica al
cineasta aragonés Luis Buñuel, quien
filmó la gran mayoría de su cine aquí
en México, habrá charlas magistrales
sobre la obra de él, funciones de su
cine, se dedicará mucho a la obra del
cineasta hispano-mexicano.
¿Por qué se decidió hacer el
homenaje a Luis Buñuel?
Viene de la idea de que el año
pasado se cumplió un centenario del
natalicio del escritor duranguense y
también guionista José Revueltas. Él
fue co-guionista junto a Buñuel en la
cinta: “La ilusión viaja en tranvía”,
entonces de ahí nació la idea de
presentar esa película como una
función de gala, lo cual vamos hacer.
Y con una relación que yo tengo con
el director de la casa Buñuel de
España hubo el vínculo con él para
que pudiera venir por medio de la
embajada España-México, así que
creamos diferentes aspectos entorno
a Luis Buñuel y a José Revueltas, y
es por eso que lo llevamos a cabo.
6
¿Cómo va la participación de los
jóvenes en este festival?
El festival se ha caracterizado por ser
un festival de muchos jóvenes, hay
un Jurado joven que lo integran 25
estudiantes de la ciudad de Durango,
también hay talleres de formación. La
participación de los jóvenes es muy
importante, el festival está abierto
para toda la audiencia pero lo han
ganado los jóvenes, así que para
nosotros esa interacción que haya
mediante talleres y los diálogos con
los directores es muy importante.
¿Qué películas vienen al festival?
Tenemos siete largometrajes
mexicanos en competencia, el festival
no distingue géneros, es decir
presentamos cine documental y cine
de ficción en la misma sección, son
siete películas distintas. Lo que
tratamos de presentar es que sea un
cine innovador, no muy personal que
sólo sea para un nicho de cinéfilos,
que sea un cine más abierto pero que
sea un cine descubridor, arriesgado,
un cine mexicano contemporáneo
que rompa los clichés de lo que
estamos acostumbrados a ver. Esa
es más o menos la base que tenemos
en la programación, que no siempre
se puede cumplir porque no hay
tantas películas mexicanas que más
que todo reúnan la calidad que
creemos que es necesaria para que
estén en el festival, pero es una
programación pequeña.
Son siete largometrajes en
competencia, tres de ellos
documentales, como “Matria”, que
ganó el Festival de Cine de Morelia a
mejor documental, el documental “La
danza del Hipocampo”, que ha estado
seleccionado en Guadalajara y
Morelia, y el documental “Made in
Bangkok”, que ganó el premio de la
prensa en el Festival de Guadalajara.
En los otros cuatro que respecta a la
ficción viene la película “Me quedo
contigo” y “Los muertos”, ambas
ganaron en el pasado Festival de
Cine de la Rivera Maya, “Filosofía
natural del amor” y la “Asteroide”,
todas son un poco diferentes del cine
mexicano que estamos
acostumbrados a ver.
7
Christian añadió que en esta nueva
edición del FCM la participación de
los cortometrajes inscritos fue mayor
con relación al año pasado tanto en la
categoría de cortometrajes
nacionales así como en la sección
“Hecho en Durango”. Los
cortometrajes nacionales que vienen
a competir son: 400 Maletas, Zimbo,
Tome la pistola y comience a
despachar, Nunca Regreses, La
tierra vacía, Huellas y Trémulo.
Y en la selección “Hecho en Durango”
se incrementó a nuelosve cortos
participantes a diferencia de los seis
del certamen anterior, los que estarán
en competición son: Dur Labour,
S/N° Sin Número, Zänä, El Bunker,
Come and See, Ni aquí ni allá, Eve,
Ceremonia y 1:100. Christian
comentó que la calidad de los
trabajos recibidos es mucho mejor
que la de los proyectados hace un
año, esto nos habla que cada vez los
jóvenes duranguenses buscan
exprimirle lo más que se pueda a la
buena calidad de sus proyectos.
En cuanto a los a las actividades
externas a la exhibición en
competencia se contará con cuatro
talleres de capacitación en la áreas
de crítica cinematográfica, que se
realizará por segundo año
consecutivo y que nuevamente lo
impartirá el crítico y fundador de la
página CineGarage Erik Estrada, el
taller de guión para cine impartido por
Sofía Gómez quien es co-guionista
de la película Somos Mari Pepa, cinta
que ganó el premio del público el
anterior festival de cine mexicano; el
taller de acercamiento a la actuación
cinematográfica que será impartido
por Mónica Del Carmen, actriz
ganadora del Ariel por la cinta Año
Bisiesto; y el taller de ¿Cómo hacer
cine con bajo presupuesto? impartido
por Julio Hernández Cordón, quien
lleva un pequeña pero bastante
premiada filmografía en diversos
festivales y que actualmente da la
cátedra de dirección en el Taller
Cinematográfico de la productora
Mantarraya de México.
Añadiéndose a estas actividades se
ofrecerán las charlas magistrales
entorno a la obra fílmica de Luis
Buñuel, que serán dadas por Javier
Espada, quien es el director de la
Casa Buñuel en España
8
D urangoesconocidacomolatierradelcine,cadavezmasjovenesdelaentidadsedan
alatareadeexperimentaryrealizarsuspropiasproducciones,taleselcasodeItzel
A nahıGonzalezyFabiolaVargas,estudiantesdel6°semestredelaCarreradeciencias
y tecnicas de la comunicacion de la Universidad Autonoma de Durango (UAD);
quienes como parte del programa Cultural las artes en el Palacio de los Gurza
p resentaron en la proyeccion “Cine en breve”, — c oordinada por el tambien
estudiante de comunica cion Joseph Gonzalez—, una serie de cortometrajes de su
c reacion.
C onloscortometrajesSionismo,Ghaffar,Reflejo,Sentıqueloame,quedateenmıyNo
e stoybienyestabien. ItzelyFabiola, y suscompanerosde la carrera,demostraron
q ue existe talento para la produccion cinematografica en los estudiantes locales,
ilustrando historias que iban desde conflicto de palestina, romances terminados en
t ragedia,adaptacionesalaobradeEdgarAllanPoe,suspensopsicologicoytrastornos
e mocionales.Duranteestaactividadlosjovenescreadorescompartieronexperiencias,
difi cultades y el proceso de creacion de sus trabajos fılmicos; recibiendo elogios y
f elicitaciones por parte del numeroso publico presente durante el espacio de
comentariosypreguntas.
CINE EN BREVE EN EL PALACIO DE LOS GURZA
cortesía ICED
10
HOMENAJE A
LUIS BUÑUELpor ANDREI MALDONADO y ERIC EDUARTE VILLA
por ANDREI MALDONADO
11
Charlando en una ocasión con el gran
maestro Juan Antonio de la Riva
comentábamos acerca del aporte de
cineastas extranjeros a la filmografía
nacional. Salieron a relucir
personajes como Arcady Boytler o
Sergei Eisenstein y, obviamente, el
trabajo de Luis Buñuel. Afirmaba
Juan Antonio que fue el español el
que mejor entendió el cine mexicano,
y lejos de querer implementar
forzadamente el surrealismo que
Bretón buscaba con ahínco en la
pintura de Frida Kahlo, Buñuel
consiguió tomar los elementos que
tenía a la mano –actores, recursos,
escenarios- y entregar a México y al
mundo una filmografía llena de
metáforas, pero también de
realidades.
Y, sin temor a errar, puedo asegurar
que es El ángel exterminador (1962)
la obra que mayor resalta este hecho.
En primer lugar porque, a pesar de
evidenciar claramente a una sociedad
burguesa, la historia podría ocurrir
por igual en la Condesa o en la Roma
como en los barrios más acaudalados
de Londres o Nueva York. En
segundo término su desarrollo como
obra coral, donde cada personaje es
tanto incidental como protagónico,
permite llevar un ritmo constante no
lineal del absurdo –más no
incoherente- hecho de no poder
abandonar una mansión por más que
se desee, y sin que nadie pueda
entrar en ella, sin razón aparente.
El ángel exterminador
¿Qué nosretiene?
12
Buñuel plasma con un sentido
narrativo más que crítico los extremos
de una humanidad al borde de la
animalidad, del caos siempre
presente en el orden y de lo
innecesario de las etiquetas que la
sociedad ha implantado cuando se
trata de salvar la vida. No sin cierta
malicia el aragonés brinda un
contexto de un grupo de acaudalados
y pretenciosos burgueses que
quedan atrapados en su propia
trampa, de la cual oportunamente la
clase baja ha escapado y, sobre el
cierre, gira la cabeza hacia otro
sector que ha basado su poderío
también en la explotación de los
marginados: la Iglesia.
El discurso de Buñuel en esta obra
es, en síntesis, la dualidad extrema
entre lo que abruma y lo que se
desconoce ¿qué retiene a los
huéspedes de los Nóbile? ¿Será su
miedo, su humanidad, su fragilidad?
¿O es acaso el paso divino del ángel
de la muerte? El ángel exterminador
es de ese tipo de películas cuya seña
particular es su capacidad de
dejarnos en la inopia intelectual, en la
brusquedad del abandono de las
respuestas, naufragando entre lo
ignoto y lo que leve, pero conciso,
parece ser cine mexicano. Y en
efecto, lo es. Afortunadamente lo es.
13
por ERIC EDUARTE VILLA
Los olvidados
El arte de la agresividad
14
La tragedia y la cruda realidad nunca
supieron tan bien. Una de las
mayores obras cinematográficas de la
historia nos da ese deleite. Ya se
habían hecho dramas trágicos que
enriquecieron la industria nacional,
pero Buñuel vino a dejar un legado no
sólo para disfrutar, sino también para
reflexionar sobre las causas sociales
de nuestro país. Y es la conjunción
de los elementos técnicos y
contextuales de la película que le dan
ese gran mérito que perdurará.
El encanto del Distrito Federal de los
años cuarenta fue modificado y
alterado por la realidad exhibida de
algunos de los barrios más pobres y
denigrantes en la cinta de Buñuel. La
lucha de un pueblo, de unos cuantos
por sobresalir, era lanzado de la
forma más cruel pero verdadera.
Dentro de su estética Luis no deja
fuera ese encanto de la ciudad sólo
por ciertos momentos, luego
regresando a la humildad y miseria,
mostrándonos de esa manera las dos
caras de esa mítica capital mexicana.
Usando matices naturales de su
gente, ni uno de los personajes
denota cierta ficción en su forma de
ser, calles aterradas, una suciedad
nada desconocida le daba el enfoque
natural de donde se vivía en aquellas
lugares y años, y que para nada nos
sigue siendo una situación ajena.
Los olvidados que recordaremos con
una de las historias más denigrantes,
tal vez la obra de Buñuel sea un
diamante negro que resplandece con
otro brillo que sigue gustando y sobre
todo enseñándonos. Todo esto no
sería posible sin el sello en la cámara
de uno de los mejores fotógrafos que
ha dado México, Gabriel Figueroa,
que supo captar la transgresión del
director Aragonés. Puede que lo que
hace tan importante a esta cinta es lo
que nos genera al ver esta indigencia
que se volvió artística. Si habría que
clasificarla en algún género sería
inapropiado etiquetarla como drama,
pues va más allá. Si se creará el
género de la tragedia sería un
término indicado para la película que
forma parte del patrimonio cultural de
la humanidad. Una marginalidad que
es y será por siempre memoria del
mundo.
15
premier de
cortesía IMAC
16
Durango, “La tierra del cine” vuelve
a brillar por su talento
cinematográfico dentro del marco
del Festival de las Artes “Ricardo
Castro”, la noche del miércoles 1 de
abril se presentó al público
duranguense el cortometraje “El
salón de la superstición”.
Este cortometraje, fue realizado por
el licenciado en Ciencias y Técnicas
de la Comunicación Elías Ramos,
es un filme de la casa productora
“Visual Film”, hecho en tierra
duranguense y creado por cineastas
del mismo Estado.
La Cineteca Municipal “Silvestre
Revueltas”, fue el recinto donde se
estrenó esta obra fílmica, en punto
de las 21:00 hrs. Se realizó una
ceremonia, donde el Ing. Miguel
Ángel Orona, expresó la importancia
de apoyar los proyectos locales, así
mismo, los creadores y actores
agradecieron el apoyo del público
presente.
Minutos después, se proyectó este
corto que cautivó a los
espectadores. Éste nos relata la
historia de Tom Scott, uno de los
hombres más buscados en el viejo
oeste, quien vuelve a su antiguo
hogar después de pasar varios
meses en las montañas de
Dutchman buscando oro, pero al
volver encuentra el pueblo
abandonado, salvo la presencia de
una peculiar mujer que lo espera en
la cantina, ella lo hace revivir sus
errores y pasado, a través de un
poder que parece sobrenatural.
“Es una pequeña historia de una
serie de 4 o 5 cortometrajes, por lo
que quisimos empezar por ésta para
dar un poco de pauta a la otra
historia que queremos hacer un
tiempo después” expresó el director
del cortometraje, así mismo,
enfatizó la importancia de realizar
cine hecho en Durango y de que el
público se acerque a ver el trabajo
hecho por artistas locales.
17
Levi
atha
n
Cine que devora y gustapor ERIC EDUARTE VILLA
18
Definitivamente habrá que establecer
el género de la tragedia dentro de la
cinematografía para clasificar
muchas películas, entre ellas el más
reciente film de Andrei Zvyagintsev,
quien ya ha demostrado plasmar
excelentes historias de este nuevo
cine ruso que comienza a
desplazarse a gran ritmo, con sus
anteriores cintas Elena y su ópera
prima El regreso.
Leviathan nos introduce en una
atmósfera oscura dentro de la
política y la Iglesia. Ambientada en
la ciudad costera Pribrezhny, Andrei
muestra una metáfora de libro de
Job y de la criatura mítica Leviathan,
donde ambos elementos se mezclan
entre sí.
El director ha sabido utilizar uno de
los pasajes del libro bíblico y lo
representativo de esta serpiente de
los océanos para crear una de las
cintas de mayor polémica y llena de
una imagen artística enmarcada por
una fotografía grisácea y un azul
melancólico que imprime la esencia
trágica y dramática que viven los
personajes.
De la corrupción dentro de la trama
no es nada nuevo pero resulta
impresionante saber que en todos
los lugares que se pueda pensar
sucede, aunque en el sistema ruso y
de la desparecida unión soviética
existen muchos capítulos
incómodos y llenos de esa
corrupción. “Todos somos culpables
de algo” se dice en la película y es
una verdad que no se puede negar,
dejando a más de un espectador en
reflexión sobre la cinta.
También toma la vertiente de la
forma de la estructura del guión y de
su deleite visual que no hace en
ningún momento cansado a pesar
de su lentitud que viene más a
agradar que a desesperar, eso
habla del excelente trabajo desde la
escritura del mismo guión hasta la
edición, demostrando que el cine
ruso sigue dando frutos, enseñando
y gustando como la ha sido desde
hace tiempo.
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Avalanchas y emociones adversas
Fuerza Mayor
por ERIC EDUARTE VILLA
Las historias sobre algún percance
empiezan a contarse después de la
tragedia, a partir del momento que
hay que empezar a mover escombros
o, en este caso, a quitar la nieve.
20
Fuerza Mayor es la nueva apuesta
del director sueco Ruben Östlund,
quien centra su trama en una familia
que decide vacacionar en los Alpes
Suizos. Desde el comienzo Ruben
nos advierte la forma de la película
con planos de cámara fijos y largos,
usando musicalización clásica y con
la sinfonía de los paisajes blancos de
las montañas frías produce un
ensamble lento pero que no deja de
gustar por la sencillez de sus
acciones y personajes más que
comunes.
Si bien la escena de la avalancha es
impresionante se contó con las
medidas adecuadas de seguridad
para no representar riesgo tanto para
el elenco como para el crew, aunque
en aquellos lugares turísticos de los
Alpes es común ver explosiones
deliberadas para evitar acumulación
de nieve y así no poner en riesgo la
vida tanto de los deportistas como de
visitantes que gustan admirar del
paisaje.
Ya dentro de la película la historia
trasciende a partir de dicha avalancha
donde ese suceso se vuelve una
metáfora para los personajes de la
cinta, donde habrá que salir del
entierro blanco en el que se han
sumergido en las dificultades
familiares e individuales de los
protagonistas (la madre y el padre de
familia) que se han inmerso en
decisiones que en el momento
pueden considerarse erróneas para
quien las toma, pero que se hacen
como parte de una reacción de
supervivencia, en este caso por la
avalancha que aterrorizó a la familia
mientras tomaban el desayuno en
uno de los restaurants del lugar.
Esa desesperación de ambos padres
es acompañada por la fotografía
grisácea y tonos cafés junto con los
juegos de cámara, que aunque
llegarían a resultar cansados no
dejan de ser atractivos en todo el film,
demostrando que para diálogos no
siempre es necesario pasar al plano
de cada actor.
21
22
G
Ü
E
R
O
Sla realidad capitalina
por DANIELA DEL PALACIO
23
La historia lineal de dos hermanos
buscando a un músico que les
recuerda a su padre y la historia, de
alguna forma, perdida en el tiempo de
dos estudiantes que se quedan
estancados, mientras que una larga
huelga estudiantil transcurre. Un
guion demasiado sencillo pero que
encaja muy bien con los personajes,
una cuidada composición, buena
fotografía, actuaciones aceptables —
en especial la de Tomás (Sebastián
Aguirre)- y pequeños detalles que le
dan algo de profundidad a los
personajes —como los ataques de
pánico de Sombra (Tenoch Huerta) o
la discriminación y misoginia de que
es víctima Ana (Ilse Salas), quien no
termina de encajar ni con los
huelguistas ni con los “fresas”. Algo
de eso es Güeros.
24
La película podrá resultarle a muchos
divertida, por ese humor simplón de
los protagonistas que estaban “en
huelga de la huelga” y puede también
resultar interesante, principalmente,
porque aunque con claras referencias
a la huelga del 99 en la Universidad
Nacional Autónoma de México
(UNAM) la trama estudiantil puede
suponerse antigua o presente.
Incluso podría decirse que la primera
parte de la película da la impresión de
desarrollarse en el pasado, hasta que
de pronto los celulares y las
construcciones actuales trasladan la
historia a estos días.
Un momento también muy particular
es cuando se le pregunta a uno de
los personajes qué opina del guión de
la película y éste dice que “es malo,
muy malo”. Ello, sumado con los
comentarios de los personajes que
critican la forma en que los cineastas
mexicanos muestran a México en los
festivales internacionales de cine
genera un tono de humor simplón y
autocritico.
Pese a que técnicamente la película
es bastante aceptable y la historia
tiene detalles sobresalientes, es difícil
recomendar Güeros. El problema es
de contenido. Las declaraciones de
Alonso Ruizpalacios referentes a su
primer largometraje no ayudan a
pasar por alto las deficiencias de
guión, contenido e incluso referentes
al mensaje que envía este filme.
Un ejemplo de las grandes
deficiencias de contenido es el
desnudo innecesario e injustificado
que se ve en los primeros minutos de
la cinta, mismo que resulta algo
burdo, incluso vulgar. Lo anterior no
es porque se haga un juicio moral al
respecto sino porque parece metido a
la fuerza, no encaja, no luce, no
ofrece nada. Pareciera más bien
estar sobre puesto en la historia
como un acto de “rebeldía” que
suelen tener muchos directores
mexicanos que creen que por poner
un desnudo están emancipándose de
todas las ataduras moralinas de su
sociedad conservadora.
Respecto a la postura del director con
la huelga del 99, Ruizpalacios no se
ayudó en nada cuando fue
cuestionado recientemente en el
Festival de Tribeca sobre si su
película era una burla a la huelga al
responder: “Mira: el actor formaba
parte del movimiento de huelguistas.
La primera vez que leyó el guión me
dijo: ‘Esto es una basura. Te estás
burlando de los huelguistas’. Pero
varios días después me llamó y me
preguntó: ‘¿Cuánto pagan?’”.
No se sabe si su postura y su
intención de ridiculizar o no a los
huelguistas tenga que ver con que el
director no pudo estudiar en la UNAM
debido al paro por la huelga, pero de
lo que sí hay certeza es que los
temas relacionados con la lucha
estudiantil por la gratuidad de la
educación pública son temas que
hoy, al igual que en otras épocas,
resultan bastante polémicos.
25
por ANDREI MALDONADO foto CORTESÍA IMAC
Iván Delhumeau
UNA ESCRITURA DE HOMENAJE
Menciona Iván Delhumeau en su
ensayo sobre la obra fílmica del
cineasta duranguense Juan Antonio
de la Riva que las películas de éste
son un claro homenaje a la cultura
duranguense, a su pasado en San
Miguel de Cruces, a su familia y al
cine en general. Si es así la de Iván
es una escritura de homenaje a la
herencia que el maestro de la Riva ha
dejado a la historia de la
cinematografía nacional, pero muy
especialmente a la cinematografía del
estado.
26
Y es que con certeza el autor de “De
lo personal a lo universal” afirma que
lo más importante en los 60 años de
historia cinematográfica industrial en
la entidad son las películas filmadas
en la “tierra del cine” por el cineasta
serrano. Y en efecto, lo son, pues
como dijera el mismísimo Felipe
Cazals en su última visita a Durango
“puede haber cine mexicano filmado
en Durango, pero el cine
duranguense es solo el que hacen los
duranguenses”.
El año pasado, durante el desarrollo
de la sexta edición del Festival de
Cine Mexicano de Durango, tuve la
oportunidad de comer en la misma
mesa junto a Juan Antonio y,
precisamente, charlábamos sobre
filmar lo personal y proyectarlo para
generar impacto en lo universal. De
ahí a que la forma en que Iván titula
su ensayo sea no solo acertada sino
también justa, directa y sintetiza lo
que en realidad significa filmar para
De la Riva.
Cine comercial contra cine de autor,
es una de las premisas manejadas
durante el discurso del ensayo ¿qué
convierte a un cine “cine de autor”? el
público, sin duda. Pero esto siempre
será después de que el director, en
su papel de dios todopoderoso en la
obra, haya logrado plasmar en su
película todo lo que para él
representa el cine. De ahí la atrevida
comparación que hace Iván entre los
objetivos que persiguen Cuarón y De
la Riva, cada uno por su lado.
Partir de lo personal hacia lo
universal. Iván nos acerca por medio
de su digerible manera de escribir a
los motivos familiares que llevaron a
Juan Antonio a decidirse por cada
uno de sus proyectos. Desde Polvo
vencedor del sol hasta El Gavilán de
la Sierra, el cineasta consigue filmar
el terruño, retratar su realidad y la de
los suyos y, al mismo tiempo, generar
un discurso que tenga incluso un
mayor impacto más allá de nuestras
fronteras que en nuestro país.
27
Después de leer el libro de Iván no
nos queda duda de que nos
sobreviven pocos grandes cineastas.
Sin duda alguna debemos valorar y
agradecer el trabajo de cada hombre
que consigue construir de nuevo el
cine tras cada película, pues en el
cine nada es ficción. De la Riva
consigue, como lo hiciera Giuseppe
Tornattore, crear un idilio de romance
con la nostalgia de otras épocas, de
un cine concebido no solo como
medio sino también como espacio.
Y en el caso del autor que hoy nos
concierne, el gran mérito de Iván es
recordarnos que ante todo el cine es
un arte escrito. El cine comienza
como idea que se proyecta sobre el
papel y encuentra su gran
culminación no cuando se ve en
pantalla el último de los créditos, sino
cuando se lee la última línea de una
crítica. Pues de la cotidianidad fílmica
de Juan Antonio pasamos a la
documentación de lo propio de parte
de Iván.
Lejos de un afán proteccionista y
cursi de carácter localista, el autor
busca demostrar, en base al análisis
de expertos en la materia, que es el
cine escrito y dirigido por Juan
Antonio de la Riva lo realmente
valioso de seis décadas de industria
fílmica en Durango, y puedo asegurar
que con éxito lo consigue. El discurso
del cineasta en sus películas es
honesto, sin máscaras, tal y como es
la reflexión y conclusión del escritor
en su ensayo.
Libros como este son los que
deberían ser de cabecera para todos
los jóvenes realizadores del país, en
especial de Durango. No se puede
soñar con ser alguien de
reconocimiento mundial si no se
conoce lo propio y si no se empieza
por saber qué se ha hecho antes de
lo que nosotros podamos hacer. En
otras palabras todo aquel que
pretenda hacer cine debe antes ver
cine, sentir el cine.
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Alimentándonos del séptimo arte
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¿Sabías qué...?
fotografía por ANDREI MALDONADO
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Luis Martín Gerardo
joven cineasta en crecim
iento
El cine de Durango también reside
fuera de la ciudad. El duranguense
Luis Martin Gerardo Gurrola estuvo
de visita en la capital, su ciudad natal,
para grabar un corto-documental
como parte de su formación dentro
del séptimo arte.
por ERIC EDUARTE VILLAfoto FABRIZIO CADENA/// JORGE SANDOVAL
29
LA CASA DEDOLORES DEL RÍO
fotografía por ANDREI MALDONADO
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Estudiante del Centro de
Capacitación Cinematográfica (CCC)
en la ciudad de México, Luis siente
una gran necesidad de filmar en la
ciudad que le vio nacer y crecer para
enriquecer la cinematografía de su
estado, pero más allá de proyectar a
la llamada tierra del cine, es la
búsqueda de darle luz a sus propias
historias como la que es ya su más
reciente producción, una historia muy
allegada a él, ya que retrata y
documenta la vida de sus abuelos.
Historias humildes y personales son
las que terminan tocando el corazón
a más de uno, ya que son parte de
los recuerdos de alguien y que de
alguna manera llegan a relacionarse
con historias de uno mismo.
A pocas horas de haber concluido
grabaciones Luis accedió a una
entrevista para la revista Cinéfagos,
en donde nos compartió su visión del
cine y lo que espera lograr. Al igual
nos habló de este pequeño
documental que espera pronto
compartir con la gente de cinéfila de
Durango.
¿Qué te trae a venir a filmar a
Durango?
Lo que me trae aquí a mi tierra es
este proyecto del curso precisamente
de documental del Centro de
Capacitación Cinematográfica, que es
un curso que hemos tenido
básicamente desde inicios de este
año. Han sido varias clases las que
tuvimos por ahí, muchos ejercicios,
muchos maestros. Sin embargo el
final de este ejercicio es la
culminación de estos conocimientos.
Acá en Durango vine porque se trata
de un proyecto personal, que es
sobre mis abuelos. Porque con ellos
viví toda mi infancia, incluso hoy que
vengo de vacaciones siempre voy a
esa casa a visitarlos, es un lugar al
que siempre regreso. Entonces
cuando se me presentó la
oportunidad de hacer el ejercicio pues
pensé en mis abuelos, pensé en la
relación cotidiana que ellos tienen.
Tengo muchos recuerdos, buenos y
malos. Y es confrontarlos, es una
confrontación a la cotidianidad
conflictiva que tienen ellos, entonces,
¿de qué forma voy a incomodarlos?
Mediante sus recuerdos, y esa es la
forma en que yo como realizador me
incluyo.
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¿Cómo surge la idea de este corto-
documental?
Surgió porque yo tenía un
documental inicial que iba a realizar
en la ciudad de México, sobre una
señora que vive en la central de
abastos del DF. Sin embargo al final
no se pudo hacer ya que esta señora
me canceló. Puesto que yo tenía que
presentar un proyecto documental
para la escuela, en diciembre pasado
que vine a vacacionar aquí a
Durango, básicamente fue para
pasear por el estado para sacar
ideas, al final yo quería contar algo de
mi tierra y como tenía el tiempo
encima tenía que hacer algo personal
para saltarme el paso de la
investigación.
fotografía por ANDREI MALDONADO
32
Y después de 15 años regreso a la
casa de mis abuelos a intervenir de
otra forma, ya con una película. Y es
así como di con este proyecto, y es
algo que siempre he querido contar.
En la escuela en una de las clases un
maestro nos comentó que hay un
ejercicio que se llama ‘La huella del
dolor’, él nos decía, nos
recomendaba que para hacer un
documental escribiéramos sobre una
Huella de Dolor, algo que nos
afectara o que nos afectó en algún
momento de nuestra vida y ese
podría ser un buen momento para
elaborar un documental, y al final
también esto urge como una Huella
de Dolor.
¿Qué es lo más difícil en este tipo
de proyectos?
Lo más difícil es hacer un documental
de personas cercanas a ti. Es difícil
porque en el camino, en el trayecto
de ir preguntando, te das cuenta de
cosas que tú no sabías, porque son
dolorosas para ellos, pero si es
doloroso para tu abuelo, también es
doloroso para ti. Y si vez que tu
abuelo tiene un quiebre, también te
está doliendo como director y te
entran muchas dudas morales. Sabes
que tienes que preguntarles cosas
dolorosas y sabes que se van a
quebrar pero sabes también que es
bueno para la película. Es complejo y
yo tuve muchos momentos de duda, y
a veces yo mismo me decía ¿seguiré
con esto, indagando en los recuerdos
de ellos? es difícil.
¿Cómo reaccionaron tus abuelos
ante un equipo de producción?
Al principio si estaban un poco
cohibidos, porque mi equipo de
producción que éramos básicamente
yo como director, mi sonidista Raúl
Galindo, y mi fotógrafo Fabricio
Cadena, eran personas extrañas a
mis abuelos, e incluso era la primera
vez que ellos dos venían a Durango.
En los primeros días de grabación
surgió mucho material grabado que al
final en la edición no va a quedar,
porque mis abuelos se sentían
incómodos con la cámara, y lo que
tuve que ir haciendo fue una
estrategia para crear una empatía
entre ellos y el crew.
33
Para eso en lo que fuimos entrevistando a mi abuelo y mi abuela, en los tiempos
muertos en que teníamos que comer, en lugar de ir a una tiendita a una fondita a
comer y a platicar lo hecho del día lo que yo hice fue comer con mis abuelos para
que mis compañeros, mi equipo de producción, les contarán también sus vidas y
de esa forma dejarán de ser unos extraños. Y se fue creando un clima donde se
creó empatía y poco a poco mis abuelos iban reaccionando frente a la cámara con
naturalidad, y esa fue la estrategia que se siguió para obtener las imágenes, las
situaciones y los recuerdos que yo quería que se generarán entre ellos.
Alimentándonos del séptimo arte
la butacadel cácaro
consume
35
Con Motivo del 3er Encuentro
Iberoamericano de Escritores
Cinematográficos sostuve una
pequeña charla con Antonella
Samaniego; guionista, directora y
miembro activo de Escritores
Cinematográficos El Garfio A.C.
por SETH ALVAREZ
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¿Cómo llegaste a esto del cine? Pues desde niña siempre me gustó escribir y dibujaba muchos cómics e historietas, así que ya más grande me sentí atraída por esta cuestión de la imagen y la escritura, que quedaban muy bien unidas en el cine. Aunque en realidad me sigo inclinando más hacia la escritura. Estudiaste en el CCC. Sí, en Guión Cinematográfico, de la generación "Aserejés". ¿Y eso? Es que cada generación del CCC tiene un nombre diferente, y bueno, esa era la canción de moda en el 2002, así que fue el nombre que eligieron para nosotros. Entonces, estudié del 2002 al 2004 en guión. Bien ¿Y como pasaste a ser miembro de El Garfio? En el 2006 El Garfio convocó a un concurso de guiones de cortos para un evento llamado "Maratón de guiones", así que mi guión "Corazón robado" quedó como finalista y se realizó una lectura dramatizada en el Maratón de Guiones. De ahí me invitaron a participar en el taller de El Garfio, que en aquel entonces era todos los miércoles y como yo estaba trabajando un guión de largo para mi tesis del CCC, pues me latió la idea, y de ahí me gusto mucho el trabajo del taller, y aquí sigo. Háblame un poco más de El Garfio. El Garfio es una asociación civil que reúne a varios guionistas con la finalidad de mejorar la calidad de las historias de cine. Nos reunimos cada semana para tallererar nuestros guiones, ya sean de largo, corto o serie de TV. Y otro de los objetivos de
El Garfio es el generar espacios de intercambio y encuentro en torno a la escritura de cine, dar difusión, reflexionar y resaltar el trabajo del guionista. Excelente ¿Y como nació la idea de los encuentros iberoamericanos de escritores, que en esta ocasión será el tercero? La idea de un encuentro siempre estuvo presente en El Garfio desde hace ya bastante tiempo, pues había una necesidad de intercambiar reflexiones y experiencias con otros guionistas; estar unidos, pues es el guión el inicio del proceso cinematográfico. Era importante una reunión donde se reflejara la situación actual de cine mexicano e iberoamericano, las diferencias y similitudes que hay. Generar más interés en el guión y la profesionalización del escritor de cine. Más que excelente. En esta ocasión el tema son los géneros cinematográficos Sí, este año decidimos hablar sobre los géneros porque hay muchas polémicas al respecto, que si hay géneros puros, que si ya no existen los géneros, que si ahora se fusionan o se rompen, que si unos venden más que otros, que si no son indispensables, y bueno, todo eso lo vamos a discutir en esta tercera edición.
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¿Quiénes serán los invitados? Estarán con nosotros Alicia Luna y Carlos López de España, Guillermo Arriaga, Jacaranda Correa, Michael Rowe, Víctor Ugalde, Julián Hernández, Guillermo Ríos y Marco Julio Linares de México, Eduardo Sacheri de Argentina. De Cuba viene Xenia Ryvery. Ignacio Agüero de Chile. Este año Ecuador es el país invitado, así que estamos a la espera de que nos confirmen quiénes vendrán y otros tantos que nos irán confirmando a lo largo de estos meses. Existen algunas convocatorias dentro del Encuentro, ¿Cuales son? Tenemos dos concursos de guión. El primero es el Concurso Iberoamericano de GuiónCinematográfico que es sólo para los asistentes al 3er EnIbEsCine, por lo que hay que completar la inscripción para poder participar. El premio consiste en que 8 guiones serán seleccionados para presentarse en un pitching ante productores, además de que habrá un único premio de $30,000.00 para el mejor guión. El segundo concurso es para obtener una beca y poder asistir al Encuentro, y este está abierto para todos los escritores nóveles de Iberoamérica. Se elegirán hasta 8 becarios. La beca consiste en transporte, hospedaje y la inscripción al encuentro.
En los encuentros pasados han participado escritorescinematográficos de la talla del Sr. Leñero, el Sr. Arraiga y la Sra. Novaro por nombrar algunos. ¿Tienes alguna anécdota que compartir? Pues en cuanto a Leñero fue curioso porque ya no le entusiasmaba mucho dar conferencias, ya se sentía cansado, pero cuando le propusimos las actividades en las que iba a participar le gustó mucho la idea. En el caso del primer encuentro, la charla con Arriaga, y en el segundo, disfrutó mucho la actividad "Del guión a la pantalla" donde se habló sobre El Crimen del Padre Amaro. Buenísimas por cierto, con la presencia de Don Carlos Carrera. Por último ¿Dónde se puede obtener más información del Encuentro? La información se puede obtener a través de la páginahttp://enibescine.com, ahí vienen todas las convocatorias y el formulario de registro para inscribirse al encuentro. La sede, el programa de actividades. Los invitados que se irán actualizado conforme vayan confirmando. También a través de nuestras redes sociales escritores El Garfio AC y en twitter @elgarfioac
cinéfagos+RADIO
TODOS LOS JUEVES A PARTIR DE LAS 2:40PM EN
con ANDREI MALDONADO
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Conociendo a
RICARDO BENETpor SETH ALVAREZ
Conocí al director Ricardo Benet en el Festival Colima de Cine 2014, cuando presentaba su segundo Largometraje Nómadas. Hace poco, me puse en contacto con él para charlar un poco sobre sus inicios, su trabajo y sus futuros proyectos.
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Mi estimado Benet, platícame un poquito cómo llegaste al cine. Pues por contagio. Mi padre, ingeniero civil, se iba de avanzada con su maquinaria adonde había chamba. Para mi madre era más promisorio quedarnos con los abuelos en mi natal Cardel, Veracruz, y ya una vez establecido, lo alcanzáramos. A ella le encantaba el cine. Desde niña se escapaba a la carpa de los húngaros que llevaban unos inverosímiles programas dobles a los pueblos. Por ejemplo, una ranchera se complementaba con otra de Bergman. Mi madre y yo, desde que tenía los 3 años, esperábamos a mi padre en el Distrito Federal. Entonces, ahí, cargaba conmigo al cine París o al Paseo a ver películas europeas. Yo desde luego me dormía a los 10 minutos, pero aquellas primeras imágenes me contaminaron. El daño estaba hecho. ¿Y cómo fue que decidiste estudiar cine? Pues fui un estudiante de cine tardío. Salí joven de prepa. A los diecisiete. Como la carrera de cine implicaba tiempo completo y yo tenía que trabajar, me decidí por el plan B: Arquitectura. Esta carrera las estudié en la UNAM. La ejercí bastante tiempo y cuando tenía ya veintiocho recuperé el viejo sueño del cine. Tras una temporada en Europa, regresé, hice el examen en el CCC y me quedé.
Aparte del CCC ¿estudiaste en otras escuelas? Pues antes yo había comenzado como muchos cineastas, con la fotografía fija. En París había tomado algún curso. Desde niño era un gran cinéfilo y lector de todo asunto cinematográfico. Pero formalmente hasta la carrera en el CCC. Donde por cierto comencé como cinefotógrafo y luego me decidí por la dirección. Tu opera prima, “Noticias Lejanas”, ganó muchísimospremios a nivel internacional. Platícame un poco de ese proyecto. Pues estaba en una etapa muy frágil en mi vida. La carrera de cine se había alargado por razones presupuestales. Agrégale la construcción del nuevo Centro de las Artes y otras cosas. Entonces un día fui a ver un par de malas películas mexicanas. Entre la indignación y la ansiedad veo la nueva convocatoria -2003- para el proyecto Ópera Prima. Esta es una convocatoria para egresados del CCC que aspiran por un largometraje. Me senté y apuré -de entre muchos apuntes y correcciones que ya tenía- a escribir sin parar por tres semanas un guión que resultó en Noticias Lejanas.
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Tras casi un año agotador de decisiones y de entre más o menos diecinueve proyectos, finalmente fue el ganador. Ya estábamos en octubre y se nos pedía, por cosas presupuestales, tener listo todo el rodaje antes de fin de año. Entonces nos apuramos. Filmamos tres semanas de noviembre en las altas llanuras de Puebla-Veracruz y una semana de diciembre en el Distrito Federal. Después, a esperar el 2004 para los dineros de post-producción. La película estuvo lista para estrenarse en marzo del 2005, en el Festival de Guadalajara. Vaya que le fue muy bien, ya que recibió muchos premios, entre ellos 3 Arieles. Sí. En Guadalajara comenzamos con 3 premios e invitaciones a una decena de festivales. Finalmente se fue a más de sesenta. Se vio y ganó más premios en el extranjero que acá. Fantástico. Ahora, ¿Cómo es tu proceso para escribir una película? Usualmente la imaginación y las ganas de filmar se me destapan con la literatura. Un buen libro me emociona y entro en un periodo de ansiedad creativa. Entonces recuerdo lugares, recorro paisajes y ciudades. Luego me viene una preocupación de vida: el desplazamiento, el encierro, la fragilidad del individuo. Entonces trato de armar una historia lo más aterrizada y lo más simple posible en anécdota. Pero sin soltar la preocupación filosófica. Un crítico apuntaba, a propósito de Noticias Lejanas, que "era una película potencialmente plagada de lugares comunes, que sin embargoinauguraba otra mirada".
¿Guión o dirección? Ambos. Me gusta mucho la posibilidad de transformar mis preocupaciones éticas y filosóficas en historias e imágenes. Claro, si hay un texto o historia que coincida con mis obsesiones, también. Como en el caso de mi próximo guión y película -la tercera- que estará basada en un hecho real de los años ochenta. Por otro lado, la dirección me da la oportunidad de decirlo de la manera gráfica y estética que yo deseé. Me gusta ver la pantalla como un lienzo donde se puede explorar más allá de la anécdota; con paisajes, rostros, texturas, movimientos de cámara. Bien. Háblame de Nómadas, tu segundo largometraje. Fíjate que todo fue armándose de manera extraña. La historia surgió en 2005 cuando, invitado con Noticias Lejanas a Tribeca, vagaba en una tarde de domingo por una parte solitaria y abandonada de Nueva York. De pronto vi a un par de obvios inmigrantes ilegales. Deambulaban en su día libre en una ciudad que no era la suya, tratando de ser invisibles. Esa idea destapó la historia. Interesante. Y ¿Cómo fue trabajar con Tenoch Huerta y Lucy Lui? Inicialmente pensé en la relación de un treintañero con una mujer madura que evitara un encuentro convencional. Siempre quise a Susan Sarandon -de hecho el personaje conservó el nombre de Susan- pero fue imposible contactarla; llegar a ella. Con los dineros ya conseguidos y el tiempo encima, nuestros co-productores en California, que se encargaban de casting gringo, le pasaron el guión a Lucy Liu y la atrapó.
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A la mañana siguiente pidió un encuentro y a los dos días estaba yo en Beverli Hills almorzando con ella. Claro, había que variar algunos mecanismos en el guión, ya que era mucho más joven que lo que el personaje suponía. Mientras, en D.F., seguía en la búsqueda del actor de treinta años. No tenía a nadie en mente. Mi idea era alguien con carácter; muy mexicano, de clase media, con personalidad. Una especie de Salvador Sánchez o Gómez Cruz a los treinta. Vi algunos de los actores más solicitados y alguien me habló de Tenoch, vi Sin Nombre y llegó al casting. Atrapaba la cámara, tenía esa intuición y carisma necesarios para el personaje. Y se quedó. ¿Cómo fue rodar en el extranjero? Más arduo de lo que nos dicen o uno supone. A pesar de sus calcomanía de "I Love Filming in NY" al final todo te cuesta. Tienes que pedir permisos para todo. Ir al Actor's guild porque tu película, aunque sea barata y underground, tiene una estrella de Hollywood. Así que nos "robamos" muchas tomas. No teníamos recursos para cerrar la 5th Avenue (Risas), pero fue una experiencia maravillosa para todo el crew -todos mexicanos en los puestos principales-. En esos momentos había la huelga de guionistas en EU y nosotros, muy desfachatados, estábamos filmando por allá. Que fantástica experiencia. ¿Y cómo le ha ido a la peli? Bien. Se vendió a Cinépolis, que en 2013 le dio su circuito de arte. Se presentó en más o menos quince ciudades del país. Dos semanas al menos, en cada plaza y siete
semanas en Cineteca Nacional. No es un blockbuster, vamos, pero ha encontrado su nicho. Le falta aún más promoción y venta internacional; luego la TV, donde en los canales adecuados capta muy buen público. Muy bien. Hay que ver cine mexicano. ¿Y qué hacesactualmente? Primordialmente, estoy en la tarea de encontrar recursos para "Buscando a Rita" que será la nueva película que te comentaba. Es sobre una tarahumara que, en los años ochenta, anda en busca de su hijo. La mujer camina desde las Barrancas del Cobre hasta la frontera. No se sabe por meses de ella. De pronto aparece en Kansas City hurgando en la basura y al no entenderla -solo habla rarámuri- la dictaminan loca. La encierran en un psiquiátrico por trece años. Cuando un cambio de custodios trae a alguien cuyo abuelo era tarahumara, logra comunicarse con ella y convence a las autoridades que la mujer no está loca, sino pérdida. Bueno, también ando en mi chamba cotidiana al frente del Departamento de Cine de la Universidad Veracruzana. Y por supuesto, en mi entrañable actividad que llevo algún tiempo desarrollando: llevar los talleres de cortometraje a el Totonacapan -al norte del estado- de donde han resultado ya veintiún cortos, algunos en lengua totonaca, con buenos resultados y varios premios.
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y la casi perfecta trilogía de Nolan
BATMAN
Después de que el director Tim Burton entregara dos magníficas y oscuras películas del hombre murciélago, “Batman” (1989) y “Batman Regresa” (1992), este le pasó la estafeta a Joel Schumacher para que continuara dirigiendo una franquicia que destruyó totalmente con dos filmes demasiado caricaturizados e infantiles del icónico héroe de Cuidad Gótica, “Batman Eternamente” (1995) y “Batman y Robin” (1997), esta considerada una de las peores producciones de la historia.
por ISMAEL CAMPOS ADAME
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Tuvieron que pasar muchos años
para que se reiniciara la franquicia
con una nueva trilogía que por fin le
hiciera justicia a uno de los héroes
predilectos del mundo de las
historietas y para esta tarea se tomó
en cuenta al ahora consagrado
director británico Christopher Nolan,
quien en ese entonces contaba
solamente con dos largometrajes, la
obra maestra “Memento” (2000) y la
regular “Insomnia” (2002).
A continuación un breve análisis
crítico de las tres entregas de esta
peculiar y original trilogía del
caballero oscuro, producto del gran
ingenio de uno de los mejores
cineastas de la actualidad.
Batman Inicia (2005)
En este filme se cuenta de una
forma realmente magistral el por
qué Bruce Wayne, personificado
increíblemente por Christian Bale,
toma la decisión de transformarse
en esa pesadilla de cualquier
criminal de Ciudad Gótica.
Fascinado Christopher Nolan por la
psicología de Bruce Wayne, el
hombre detrás de esa máscara
negra que intimida a todo criminal,
convenció a los ejecutivos de la
Warner Brothers para narrar, con la
ayuda del guionista David S. Goyer,
una historia realista de los orígenes
de Batman, el enmascarado
justiciero atormentado por la muerte
de sus padres y némesis de los
delincuentes que hacen de las
suyas en una ciudad ficticia hundida
en la corrupción.
Esta joya, que se convirtió en una
importante influencia para todos
aquellos filmes que pretendían
reinventar superhéroes de
historietas en los siguientes años,
se basa en el cómic de culto de
Frank Miller “Batman Año Uno” y es
hasta ahora la mejor película que
cuenta los orígenes de un héroe de
las viñetas, por contar con un guión
muy directo y nada complejo que
nos presenta una historia
excelentemente construida, con
personajes cuyas motivaciones
están muy bien planteadas y
aspectos justificados que no dejan
dudas ni al más exigente
espectador, fórmula única de Nolan.
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El director, respetando la esencia de
los personajes del cómic, los
reconstruye a su manera,
volviéndolos más creíbles y
desenvolviéndolos en una historia
llena de realismo, emoción y
situaciones inesperadas que hacen
de esta gran película un verdadero
festín que instantáneamente se
convirtió en una obra maestra
dentro del cine de superhéroes.
El Caballero de la Noche (2008)
Para esta película, Christopher
Nolan escribió junto con su hermano
Jonathan Nolan un guión más
maduro y complejo en el que
optaron por incluir al villano número
uno de Batman, El Guasón,
espléndidamente interpretado por
Heath Ledger, quien falleció
posteriormente y recibió un Oscar
póstumo por esta antológica
actuación en una cinta en la que el
resto del reparto da también lo
mejor de sí.
Los Nolan dotaron al guión de un
ritmo visceral lleno de suspenso y
que logra mantener tenso al público
durante más de dos horas que se
pasan rápidamente y que
encuentran su clímax en un final
muy emotivo e inolvidable.
Christopher Nolan repite la misma
fórmula que aplicó en la primera
entrega, y la diferencia radica en
que en esta secuela nos presenta
escenas cargadas de tensión, las
cuales no hubieran sido las mismas
sin esa genial música compuesta
por Hans Zimmer, quien después de
hacer un buen trabajo con la banda
sonora de “Batman Inicia”, inyecta a
esta segunda parte de
composiciones cargadas con dosis
melancólicas y pizcas de terror
psicológico.
Tomando la esencia de El Guasón
de las páginas de cómics clásicos,
los Nolan lo reconstruyen para
adaptarlo al cine de la manera más
realista posible, dotándolo de una
filosofía que lo hace un interesante
personaje dentro de la galería de los
mejores villanos de la historia del
séptimo arte, aquellos que después
de ser apreciados haciendo
maldades en la pantalla grande, se
quedan para siempre en nuestra
mente.
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El Caballero de la Noche
Asciende (2012)
Ansiosos estaban los seguidores de
la franquicia por ver la última
entrega que supuestamente cerraría
con broche de oro esta trilogía, y el
resultado fue un poco
decepcionante por ser un
largometraje que hasta la mitad es
de aplaudir, y de ahí en adelante
cae de manera desconsiderada por
no seguir esa metodología que
Nolan había aplicado en las dos
entregas anteriores, que es la
justificación de pequeños detalles
que traen dudas y afectan la
coherencia de la historia.
Se puede decir que el argumento en
general de esta tercera parte es
mejor que el de las primeras dos
entregas, pero lo explicado en el
párrafo anterior fue lo que afectó
mucho a la cinta que cuenta con la
participación del brillante actor Tom
Hardy, quien interpretó al villano
Bane, famoso y temible personaje
del universo de Batman que ya
había sido tratado injustamente en
la odiada “Batman y Robin”, y que
en esta ocasión sí se respetó su
psicología pero no esa monstruosa
apariencia física que refleja en los
cómics, teniendo además en la
trama un desarrollo que concluye
ridículamente.
49
Un verdadero y apreciable acierto de esta última entrega es la madurez técnica
de Nolan, es decir, los movimientos de cámara en las secuencias de acción,
espectacularmente fenomenales, y qué decir de la fotografía a cargo del
brutalmente talentoso Wally Pfister, simplemente asombrosa.
En la cinta, escrita nuevamente por Christopher Nolan y su hermano Jonathan,
se cuenta además con la presencia de otros nuevos personajes que logran
aportar sentido a la trilogía, pero que no tienen un atractivo desarrollo y
desenlace dentro de la trama, lo que se convierte en una de las debilidades
principales del cierre de esta saga cinematográfica casi perfecta.
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Perdidos en Tokio
El arte de perderse y encontrarse
por JUAN JOSÉ ANTUNA
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52
"¿En realidad es necesario viajar
hasta el otro lado del mundo, donde
no se habla nuestro idioma y donde
no entendemos nada, para
encontrarnos con nosotros mismos
y sentirnos realmente conectados
con alguien más?" Esta es sólo una
de las miles de interrogantes que
abordarán tu cabeza después de
mirar esta maravillosa película.
Lost in Traslation (o Perdidos en
Tokio como fue llamada en américa
latina) lleva como trama la vida de
un par de estadounidenses,
Charlotte y Bob. La primera
(interpretada por una jovencísima y
encantadora Scarlett Johansson)
una joven veinteañera que
acompaña a su esposo fotógrafo y
que suele pasar la mayor parte de
su tiempo a solas recorriendo todo
Tokio tratando de encontrar algo
con qué conectarse, encontrar qué
será de su vida y el significado de
esta. Y Bob, un actor de cuarenta
años con una carrera en descenso
que llega a Tokio para promocionar
un whisky japonés ("Tenga un
momento Santory" es una de las
grandes frases y escenas de la
película).
Entonces una noche en el bar del
hotel, ambos siendo victimas de un
terrible insomnio, se conocen y
empiezan una relación de amistad
con fecha de caducidad (algo muy
similar a lo que pasa con
Speechless). Es entonces que con
la ausencia de su esposo Charlotte
empieza a salir con Bob que sufre
una crisis en la relación con su
esposa a la cual no le puede decir
lo que él quisiera. Entre carreras,
pláticas y desvelos compartidos la
relación entre los dos se va
haciendo muy dependiente y a la
vez no, pues necesitan la compañía
del otro para ser quien en verdad
son y no lo que involucra la
reclusión casi involuntaria del ser al
estar en un entorno que sabes y
reconoces como no tuyo.
Y es que si la película algo nos
muestra es esa reclusión y
aislamiento al que todos en su
determinado momento nos
sometemos, que es más evidente
ahora que en aquellos años, o quizá
sea igual, al final de cuentas uno
siempre busca la soledad como
busca la compañía ("nos gusta el
frío, pero nos abrigamos en el
calor").
53
Pero, ¿qué pasa cuando ese
aislamiento no lo controlamos?
¿Qué tal si la barrera va más allá de
lo cultural o lo verbal? Y es que
siempre hay formas de
comunicación cuando lo que se
quiere decir en verdad es
importante y valioso, pero cuando
no nos podemos comunicar con
alguien más, y de repente llega
alguien y nos saca de ese canal de
incomunicación y entre más sea el
contacto, más podemos creer que
es algo más especial de lo que
quizá en este caso era.
La película trata y narra muy bien
este suceso y este evento cuando
Charlotte va entre las maquinas de
juegos, y al mismo momento que ve
a los jugadores tan absorbidos en
un mundo de mentira y fantasía ella
se siente igual al no poder
comunicarse con nadie. Pero
cuando conoce a Bob en vez de
llenar el vacío de su transición con
sexo o sólo una aventura más como
cualquiera, en verdad se conectan,
y crean un lazo indestructible, ese
lazo que todos deberíamos de crear
con nosotros mismos antes de
querer estar con alguien en verdad.
Esta es una de esas tantas
películas que hay, que si bien no
puedes considerar dentro de tu lista
de películas favoritas definitiva de
todos los tiempos, si se puede llegar
a sentir por ella un gran amor (algo
así como lo que te puede llegar a
pasar por Eterno Resplandor de una
Mente Sin Recuerdos de Michel
Gondry). Además cabe señalar que
esta película consagra y hace entrar
a las grandes ligas como directora a
Sofia Coppola, quien escribe el
guión de esta cinta basándose en
un amorío que tuvo con el aquel
entonces también muy joven
cineasta Spike Jonze, historia que
le valió su primer y único Oscar
hasta el momento.
Sofia es hija del gran director
Francis Ford Coppola, quien la hace
debutar a muy temprana edad -
cuando aún era una bebé- en El
Padrino Parte I, y años más tarde
aparece en El Padrino Parte III,
pero ahora como hija de Michael
Corleone y nos regala una de esas
escenas en la cinematografía difícil
de olvidar junto con Al Pacino
cuando le dan el balazo en frente de
él casi al final de la película.
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55
Cine Recomienda
por JUAN JOSÉ ANTUNA
"Si amas las largas caminatas, y las
charlas sin sentido tratando de
descubrir el significado de la vida;
amarás las películas de Richard
Linklater."
Si nos hubiéramos preguntado qué
director podría imaginar, escribir e
idear una película que nos narrara la
vida de un niño que creía que las
avispas venían de aventar agua al
cielo hasta convertirse en un joven
universitario antisocial que busca algo
más que atención y saber qué sentido
tiene la vida, sin duda alguna todos
habríamos pensado en Richard
Linklater.
El director del "tiempo real" como a
mí me gusta llamarlo, y creador de la
trilogía “Before”, nos regaló una de
las películas más maravillosas y
emotivas del año pasado;
multiganadora en varias entregas de
premios y una labor titánica del
director para filmar durante doce años
para entregarnos esta historia. La
película narra la vida y los cambios
de Mason, un pequeño niño que vive
con su madre soltera y su hermana
mientras su padre no está por
completo en su vida.
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Y es que desde el inicio es imposible
no engancharte con la película, la
banda sonora prácticamente es la
música con la que todo chico de esa
generación creció y vivió su juventud.
Coldplay, Blink 182, Kings of Lion,
Foo Fighters, Arcade Fire, The
Beatles, son sólo algunas bandas que
podemos escuchar. Pero sin duda
con lo que más se identifica uno en
esta película que es una clase de
documental ficticio, es que es una
película prácticamente real, no hay
ninguna sorpresa y en momentos te
puedes llegar a fastidiar que no pase
nada extraordinario, pero es la vida
misma.
Una madre que lucha todos los días
por pagar las cuentas cuando
después de pasar por malos
matrimonios y varias mudanzas
decide criar a sus hijos sola. Esas
pláticas con tu padre al que casi no
ves sobre sexo, chicas o tú futuro.
Incluso si nunca las tuviste te puedes
sentir cobijado por esta película al
sentir que esas son las pláticas que
te hubiera gustado tener con tu
padre. La vida tiene varios cambios,
varias etapas y "cada momento nos
vive", por muy diferente que se viva y
se sienta. La película termina como
nos tiene acostumbrados este
director, como terminan todas las
películas de Linklater, cuando
empieza la verdadera historia.
Con unas maravillosas y reales
actuaciones, Boyhood o Momentos
de una vida es una película que no te
puedes perder por el simple hecho de
que Linklater nos hace participes de
una película única. Quizá recuerdes
algo que olvidaste de tu infancia
como a muchos ya nos ha pasado: un
paseo en bicicleta con tu mejor amigo
de la infancia, la colección de rocas
que tenías y presumías a tus primos,
aquella noche especial en la que ya
eras grande, o cuando eras niño y
creías que las avispas venían de
aventar agua al cielo.
Blur y el látigo mágico
LA ESPERA TERMINA AHORA
por ITZEL MALDONADOThe Magic Whip, es el octavo álbum
de estudio de la banda británica Blur,
liderada por el vocalista Damon
Albarn. Después de 12 años de
espera, los fanáticos de Blur abren
nuevamente sus corazones y están
listos para recibir con los brazos
abiertos a este cuarteto que nos trae
buenas nuevas este 2015.
Desde Think Tank (séptimo álbum de
la banda) no se había hecho ningún
nuevo material, tan solo se había
contado con algunos conciertos
(como el de Hyde Park en 2010,
Quilmes Rock en el 2013 y
Glastonbury en 2009). Think Tank
estuvo conformado solamente por el
ya mencionado líder de la banda,
Damon, el bajista Alex James y el
baterista Dave Rowntree, dando por
sentado así la salida del guitarrista
Graham Coxon.
Muchos fans estuvieron en
descontento de que el amado
guitarrista de la banda se fuera, pero
por problemas como su alcoholismo
hicieron que los demás integrantes
decidieran expulsarlo de Blur. Esto
provocó la ira de Graham, el cual se
desquitó burlándose, insultando y
degradando a sus ex compañeros de
banda. Con Think Tank terminado, y
con el sabor de boca amargo, los tres
últimos integrantes decidieron hacer
sus propios proyectos. Un nuevo
comienzo para cada uno de ellos. Un
descanso permanente… hasta ahora.
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Damon Albarn es reconocido por ser
un hombre de mundo, una persona
con proyectos que rebasan los límites
de la imaginación. Él fue el primero
en sacar a flote su creatividad y nos
trajo la más famosa banda virtual que
existe y obtuvo existo al instante:
Gorillaz. Con Jamie Hewlett como
colaborador (creador del comic Tank
Girl) Después surge The Good, The
Bad And The Queen (colaborando
con Paul Simonon de The Clash,
Tony Alen de African Express y
Simon Tong de The Verve) a
mediados de 2007. Y no olvidemos
su reciente álbum solista ‘’Everyday
Robots’’ sacado el 25 de Abril de
2014. Sin duda él es el más influyente
de la banda (por algo es el líder)
Luego están Dave y Alex, los cuales
no tuvieron proyectos musicales ni
álbumes solistas. Hicieron algo más
adecuado a sus gustos. Rowntree
encontró amor en la política y se hizo
un importante abogado en Inglaterra.
Por otra parte James sacó a flote su
amor desde joven: los quesos. Estuvo
involucrado en una marca de lácteos
ingleses que harían a este hombre
aún más rico. Ambos se dedicaron a
cuidar a sus familias.
Del lado del amargado ex guitarrista
él hizo varios álbumes solistas y
también se dedicó a su amor desde
que era un adolescente: la pintura
(igualmente cuidando de su hija y
esposa). Sin importar cuánto fuese el
coraje de este hombre, su
remordimiento fue más fuerte.
Decidió ponerle fin a su actitud
inmadura e ir con su mejor amigo
desde los trece años (Damon) y
pedirle sinceras disculpas.
Hecho esto se presentaron en
diferentes lugares (como se
mencionó al principio) y uno de esos
fue Hong Kong. Ahí tuvieron 5 días
para empezar a realizar The Magic
Whip (sin que los fans ni sus propias
familias supieran nada). Este álbum
contó con la producción de Stephen
Street (quien en los ochenta trabajó
con The Smiths y The Cranberries).
En este álbum se nota un fuerte sello
musical en Damon, dando a
demostrar que cada proyecto suyo lo
ha llevado a tener más sabiduría en
cada una de sus canciones.
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Cuando escuchas por primera vez
The Magic Whip, te das cuenta que
no suena al tipo Blur de los 90’s, tiene
un toque más moderno, pero sin dejar
de lado la forma anterior de sus
discos. La banda nos trae de entrada
‘’Lonesome Street’’ un track en donde
se escucha de inmediato la guitarra
de Graham, luego de algunos
canticos de Damon escuchamos a
Coxon cantar. Este tema es de
alguna manera algo cercano al
anterior Blur. Después pasamos a
‘’New Word Towers’’, un track en que
se nota la tranquilidad del lugar en
donde fue grabado, y dando una vista
del nuevo, mejorado y maduro Blur.
Como siguiente tenemos ‘’Go Out’’, el
primer track que se dio a conocer. Sin
duda esta es la canción más
pegajosa y alegre del álbum la cual
no dejamos de escuchar. Podríamos
repetirla una y otra vez ¡y no nos
cansaremos de ella! Entrando con
una línea de bajo, muy característica
de Alex James, luego, la voz alegre
de Albarn, la forma de tocar la
guitarra de Graham y grandes ritmos
en la batería del señor Rowntree
hacen que esta sea la favorita de
muchos.
El siguiente en la lista es ‘’Ice Cream
Man’’, que siguiendo con la típica
‘’tradición’’ de la banda, que hace
referencia a personajes, pero en esta
melodía es algo más acústico y
tranquilo sin los coros que se
encuentran en canciones como
‘’Charmless Man’’ y ‘’Top Man’’. En
‘’Thought I Was A Spaceman’’
encontramos muchos cambios de
ritmo. Por ejemplo, esta pieza
comienza muy tranquila y algo
relajante, después, Dave hace su
aparición con su batería, para luego
el señor Coxon hacer una entrada
con su guitarra. Este es el track de
más larga duración comparada con
otras canciones del disco.
‘’I Broadcast’’, con una duración de
2:51, demuestra ser una canción con
mucha energía, además de que es
bastante pegajosa. Y claro, lo que la
hace más atractiva es esa gran forma
de tocar la guitarra por parte de
Graham Coxon, nombrado uno de los
mejores guitarristas de su
generación.
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Después tenemos ‘’My Terracota
Heart’’, una melodía algo
melancólica, que demuestra esos
tiempos de un Damon serio,
melancólico y algo introspectivo,
como en Everyday Robots (su trabajo
en solitario). Además de eso está
canción habla sobre aquella amistad
entre Damon y Graham, una amistad
tan fuerte, casi como una hermandad.
Esta canción es realmente muy bella.
Una de las favoritas de los fans que
gustan de este tipo de canciones.
Como siguiente tenemos ‘’There Are
Too Many Of Us’’, esta canción
demuestra tanto trabajo y esfuerzo,
jamás nos imaginamos que Blur
pudiera traer algo de esta magnitud.
Esta, personalmente, la recomiendo
mucho, sin duda, otra de las favoritas
de los fans. Además de que fue el
segundo track en darse a conocer.
Con un vídeo sencillo, muy a la Blur,
con esa forma tan bella y original del
señor Albarn para cantar, esta es, la
mejor de todas.
‘’Ghost Ship’’ la hemos escuchado
varias veces en vivo, y a la mayoría
del público le ha parecido fantástica.
Es una melodía bastante relajante, se
puede imaginar tantos lugares bellos,
vale la pena escucharla. Luego,
tenemos ‘’Pyongyang’’, un track muy
a los últimos estilos de 13 (sexto
álbum antes de Think Tank). La
favorita de Dave.
‘’Ong Ong’’ es algo muy cercano a
Blur, más bien la más parecida al
viejo y genial Blur de los 90’s. Este
track es parecido a Modern Life Is
Rubish (otro álbum de la banda, muy
bueno y jamás olvidado). Es divertida
y algo sencilla, pero muy buena. Y
por último ‘’Mirrorball’’, el track que
finaliza este álbum. Esta canción es
parecida al trabajo solista de Graham,
como la mayor parte del disco suena
más a Coxon, pero eso no lo hace
menos bueno que otros álbumes.
The Magic Whip, como octavo álbum,
ha tenido un reconocimiento musical
enorme. A pesar de que lleva poco
tiempo de ser lanzado, la banda ha
dejado claro que se han vuelto más
maduros en su forma de hacer
música. Aquellos tiempos en los que
un Blur despreocupado podía lograr
muchas cosas verdaderamente
buenas, pero el de ahora suena tan
diferente, aunque eso no lo hace
menos bueno. The Magic Whip es un
álbum que hay que escuchar una y
otra y otra vez para darse cuenta de
los sentimientos de cada melodía,
disfrutar al máximo cada sonido, cada
forma de hacerse, es, única.
Los invito a que lo escuchen y se den
cuenta del cambio drástico que han
hecho estos músicos a lo largo de su
carrera musical. Gracias al querido e
ingenioso Damon, al divertido y
controversial Alex, el serio y maduro
Dave y el profundo y sentimentalista
Graham. Esperamos mucho trabajo
para el futuro.
61
No todo es cine
Es un suceso que al escuchar música
nos agrade la sensación que provoca
en nosotros por alguna cosa en
particular, sea el ritmo, la letra, la
armonía, etc. Puede inclusive
llevarnos a algún recuerdo en la
memoria, despertar algún sentimiento
o propiciarnos algún estado mental.
La música tiene la cualidad de activar
la vida mental así como también la de
comunicar emociones más profunda y
eficazmente.
En efecto, se puede discutir acerca
de una relación directa con la
actividad psicológica de una persona
porque estimula la memoria, afecta
la imaginación y, en el más amplio
sentido, nos evoca pensamientos.
En la Grecia Antigua el estudio de la
música alentó dos mil años de
exploración en su relación con las
matemáticas y también con la
astronomía, como lo dice Diógenes
Laercio al narrar sobre Pitágoras. En
Platón, por ejemplo, se puede
apreciar que en La República le
dedica un espacio considerable a la
influencia de la música sobre la
formación del carácter de los
ciudadanos y la armonía de la Polis.
La afección de la músicapor ILSE AGUILAR
La música nos llama de una manera
tan arrebatadora porque ella misma
es y revela nuestra propia
naturaleza, ella misma es nosotros
ya que no hay un medio alterno o
representativo más que uno mismo
cuando escuchamos una pieza.
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Para Platón y los presocráticos era
de gran importancia tener la música
presente en cuestiones de
enseñanza y educación en el
conocimiento metafísico y el
epistemológico por sus
características positivas, entre ellas,
la de moderar el temperamento. La
música junto con las demás artes es
indispensable para generar hombres
libres, ciudadanos de la polis
ateniense; el cuidado del alma, la
mesura y la armonía que debe de
haber en el carácter para ser un
hombre virtuoso está a cargo, en
buena parte, de las bellas artes.
Sin embargo hay que remarcar que
no toda la música es aceptable para
la educación del ateniense: Platón
prohíbe aquella música que
despierta un exceso de emoción en
la audiencia ya que demasiada
excitación desata en los mesurados
atenienses lo más íntimo y horroroso
de su propia naturaleza.
La música en Platón y en general en
toda Grecia, podemos decir, ocupa
una posición importante en el
forjamiento del carácter de los
helenos, ella, por sus nexos a la
psicología y por lo tanto a la política y
moral a su vez, en cuestiones
básicas. Figura como una excelente
herramienta para propósitos de
educación, como lo era la
transmisión de los cantos homéricos
de generación en generación sobre
los dioses del Olimpo y el terrible
destino del que eran víctimas. La
filosofía de la música, cabe
mencionar, era una importante
preocupación para la mayoría de los
grandes filósofos de la época
"moderna" que se extiende desde la
revolución científica hasta principios
del siglo XX. No es exagerado decir
que la música fue tema central en los
debates estéticos en el siglo XIX.
¿Cómo es posible que algo tan
intangible como invisible nos afecte
de tan profunda e inmediatamente?
¿Qué relación hay entre la música y
nuestra subjetividad para poder
entenderla como tal? ¿Por qué ésta
comunica mejor que el lenguaje? En
la obra de Friedrich Nietzsche, El
origen de la tragedia, se trata
precisamente el tema del fenómeno
musical.
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Como es bien sabido el término
“dionisiaco” es introducido por
Nietzsche en la obra mencionada,
para desarrollar una teoría estética
desde la que interpreta las
particularidades de la tragedia ática y
que se sostiene en base a la relación
entre dos principios o “instintos”: lo
apolíneo y lo dionisiaco. Estas
potencias son antagónicas,
representantes cada una de un
aspecto estético opuesto al otro pero
que al mismo tiempo se
complementan, y al converger en lo
que sería una obra de arte, dan a luz
a la tragedia ática.
El instinto o principio apolíneo es el
arte escultor y por otro lado, el
instinto dionisiaco es el arte no
representativo: la música. El dios
Apolo es el dios de todas las fuerzas
figurativas, es el representante de la
apariencia bella, de la luz, de todo lo
que tiene límite. Dionisio, por otro
lado, es el dios representante de la
desmesura, del éxtasis y del
descontrol, del ímpetu subyacente en
todas las cosas vivientes. En el
mundo helénico Apolo protegía a los
griegos de los instintos dionisiacos
atroces que sólo los despreciables
bárbaros celebraban, pero desde lo
más profundo de lo helénico
comenzaron a sentirse esos instintos
y ese fue -escribe Nietzsche- “el
momento más importante del culto
griego”: la reconciliación de Apolo y
Dionisio, o bien, el nacimiento de la
tragedia.
La música tiene su manifiesto
principal en la excitación y el olvido
de sí en las fiestas dionisiacas,
recordando que en el instinto griego
existen dos figuras estéticas,
también cada una tiene su música: la
música apolínea y la música
dionisiaca, respectivamente. La
música dionisiaca como dice
Nietzsche: “la música como tal”, es la
intensificadora máxima de todas las
capacidades simbólicas del humano,
en donde tiene lugar la aniquilación
del velo de Maya y la unificación con
la naturaleza por medio del olvido.
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Esa música es la vida, es decir, la
máxima representación de la vida
misma. Aquí es donde se ve la
influencia de Schopenhauer, quien
consideraba la música como la
expresión de la voluntad misma y no
algo que la representase, como
ocurre con otras artes. De hecho
Schopenhauer jerarquizó las bellas
artes de acuerdo al grado de
manifestación de la voluntad, siendo
la música la más suprema.
En una carta dirigida a Wagner
Baudelaire confiesa ser un gran
admirador de su música, y cuenta
que en su país, Francia, no le habían
hecho mucha justicia las críticas y
artículos que escribieron sobre él y
en consecuencia querría distinguirse
“de todos esos imbéciles”. Lo que
enseguida escribe es una
descripción detallada de la
experiencia a la que conduce la
música wagneriana. Reflexionando
sobre la fastuosidad de las piezas
musicales en las cuales la expresión
de la solemnidad de las pasiones del
hombre y los aspectos grandiosos de
la naturaleza conllevan a la
sensación de la subyugación del
ánimo y arrebato que envuelve la
experiencia de su música. Baudelaire
concluye la carta dirigiendo unas
palabras de agradecimiento profundo
a Wagner, primero por el acto de leer
su carta y también por sus
creaciones musicales: “Usted me ha
restituido a mí mismo y a la grandeza
y, además, en momentos bajos".
La manera en que Baudelaire
describe el carácter majestuoso y
arrebatador de la música
wagneriana, sensaciones que le
llevan a percibir “una vida más
amplia que la nuestra”, el modo en
que ésta música respira tanto ímpetu
y orgullo por la vida, la pasión y
exceso del espíritu, bien puede
recordarnos a lo que Nietzsche
expresa con la noción de música
dionisiaca, pues ambas
concepciones hacen de la música la
expresión por antonomasia de la
vida, que lleva al arrebato de las
emociones y colman el espíritu de
una voluptuosidad realmente intensa. 66
