HISTOIRE DES ARTS. NIVEAU 5 EME ARTS , RUPTURES ET CONTINUITES .

De la création d’un décor à la représentation de l’espace en peinture.  

 

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HISTOIRE DES ARTS. NIVEAU 5 EME ARTS , RUPTURES ET CONTINUITES .

De la création d’un décor à la représentation de l’espace en peinture

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De la création d’un décor à la représentation de l’espace en peinture

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HISTOIRE DES ARTS. NIVEAU 5 EME ARTS, RUPTURES ET CONTINUITES.

De la création d’un décor à la représentation de l’espace en peinture. La Perspective et les nouvelles représentations de l’espace.   I. Qu’est-ce que la perspective ?  La perspective est un système de représentation de l’espace à trois dimensions sur un                           plan. Elle a de nombreux points communs avec la façon dont nous-mêmes percevons                         l’espace et les objets qui s’y trouvent. Toutefois, comme la perspective est basée                         mathématiquement sur un point de vue unique et fixe, elle ne peut être qu’une                           approximation de la complexité du fonctionnement de notre œil.  

A quoi sert la perspective ? La perspective sert à donner l'illusion de la profondeur (la 3ème dimension),                       dans une œuvre "plate" (dessin, estampe, tableau) en 2 dimensions. Elle peut                       aussi avoir une fonction symbolique. La perspective sert alors à mettre en                       évidence un élément de la composition.  Il existe différentes techniques pour représenter une perspective en dessin :   1- La perspective axonométrique:  C'est une projection orthogonale sur un plan, elle n'utilise pas de point de fuite, et les                               rapports de grandeur sont conservés selon les directions.   2 types :  

 

   

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De la création d’un décor à la représentation de l’espace en peinture. La Perspective et les nouvelles représentations de l’espace.  2- La perspective conique dite aussi « mono focale » La perspective conique a été inventée par Filippo Brunelleschi en 1415 à devant le                           baptistère de Florence. Cette invention a ouvert la voie à la Renaissance artistique. Il                           s'agit une projection selon un faisceau de droites passant par un même point. On                           distinguera plusieurs cas : si le tableau est un plan, on obtiendra :

  

 

3. Perspective "atmosphérique", appelée aussi "sfumato"  Cette perspective se base sur un contraste de couleur entre les objets du                         premier plan, c'est-à-dire les plus proches de l'observateur, et ceux de l'arrière                       plan (les plus éloignés). Il s'agit soit d'un contraste de valeur -opposition de                         couleurs claires et foncées- soit d'un contraste d'intensité -opposition de                   couleurs vives et pâles. Cette forme de perspective est ancienne -on en trouve                         des exemples dans l'Antiquité romaine-, elle reste cependant utilisée à l'époque                     moderne, souvent combinée à d'autres types de perspectives 

 

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De la création d’un décor à la représentation de l’espace en peinture. La Perspective et les nouvelles représentations de l’espace.  

4. Superpositions 

Les objets les plus proches de l'observateur -au premier plan- semblent plus                       grands que les objets les plus éloignés -à l'arrière plan. Cet effet est accentué                           par l'épaisseur des contours accentuée sur les éléments du premier plan. Le fait                         de cacher une partie des objets les plus éloignés derrière ceux du premier plan -                             de les faire passer derrière - renforce l'effet de profondeur. De plus, les objets                         les plus éloignés semblent "monter" dans la feuille alors que ceux qui sont                         proches de nous sont situés en bas de l'image. Ce procédé est un des plus simples                               et les plus anciens des dispositifs perspectifs. Il est visible notamment dans                       l'Art médiéval. 

II. L’invention de la perspective.  

     Le principe de la perspective se développe au début du XVe siècle, dans le milieu                             intellectuel et artistique de Florence. Cette invention peut être attribuée aux florentins                       Leon Battista Alberti, architecte, artiste, amateur d’art antique et homme de lettres,                       et Filippo Brunelleschi, architecte et sculpteur. 

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De la création d’un décor à la représentation de l’espace en peinture. La Perspective et les nouvelles représentations de l’espace.  

Le terme « perspective » dérive du latin « perspicere » : voir clairement.                 Cette forme de perspective est caractéristique de l'Art de la Renaissance                     italienne (au 15ème siècle), elle fut expérimentée pour la première fois par                       Brunelleschi en 1416 à Florence, puis elle apparut pour la première fois dans une                           peinture dans la fresque réalisée par MASACCIO à Florence, en 1425 dans la                         chapelle Brancacci, située dans l'église Santa Maria del Carmine. 

 

 

Vocabulaire. Fuyantes. Lignes de fuites. Lignes à partir desquelles s’élaborent les 

perspectives.

Point de fuite.  C’est un point situé à l’infini et vers lequel convergent les lignes                       de fuites ou lignes fuyantes. Dans la réalité, les deux bords                     parallèles d’une route droite ne se rejoignent jamais. Pourtant,                 notre perception nous donne l’impression qu’ils se rejoignent en                 un point, le point de fuite. C’est un phénomène optique. Une                     composition réalisée avec un point de fuite permet de                 respecter les proportions des différents objets ou             personnages, malgré les différences de plans.

La ligne d'horizon. 

 (LH) correspond à la hauteur des yeux de l'observateur.

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HISTOIRE DES ARTS. NIVEAU 5 EME ARTS, créations et cultures.

Titre de l'œuvre Mona Lisa ou la Joconde

Date de réalisation Vers 155

Dimensions 77 cm x 53 cm

Technique utilisée Huile sur bois

Lieu d'exposition. Exposé au Musée du Louvre .Paris

Circonstances dans lesquelles l’œuvre a été créée ?

La Renaissance : Vaste mouvement artistique qui commence au                 XV° siècle en Italie et s’étend dans toute l’Europe, jusqu’aux                   Pays-Bas à la fin du XVI° siècle. Avec un intérêt retrouvé pour les                         formes artistiques de l’Antiquité grecque et romaine, les artistes                 placent l’homme au centre de leurs préoccupations. L’époque               correspond à la recherche d’un idéal fondé sur le culte du beau. La                         découverte de la perspective, l’étude de l’anatomie, la               représentation du nu, la naissance du portrait, la représentation                 des matières, des effets de lumière et de couleurs, la rencontre                     de l’art et de la science sont les caractéristiques essentielles de la                       Renaissance. Les artistes qui incarnent cette période sont Léonard                 de Vinci, Raphaël, Piero Della Francesca, Donatello, Michel-Ange…  

Le portrait : Cette femme, qui vivait en Italie il y a 500 ans, se                             prénommait Lisa mais on l’appelait Mona Lisa, c’est-à-dire «                 Madame Lisa ». En France, on l’appelle « La Joconde » car son nom                           de famille, en italien, était « Del Giocondo ». Ce tableau fut                       commandé par le mari de Mona Lisa, probablement fier de sa                     

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beauté au point de payer l’un des peintres les plus célèbres                     d’Italie. 

Biographie de l’artiste Le peintre : Né à Florence, Léonard de Vinci (1452-1519)                   est probablement le peintre le plus célèbre de l’histoire,                 grâce à ce tableau. Mais la peinture n’était qu’une activité                   parmi d’autres pour lui. On ne connaît pas plus d’une douzaine                     de ses œuvres. Il a laissé beaucoup de dessins, de notes sur                       tous les autres domaines qui l’intéressaient : l’étude du corps                   humain (anatomie), de la terre (géologie), des plantes               (botanique), des astres (astronomie), l’optique, le           mouvement… Il était aussi sculpteur, architecte, inventeur             de machines volantes, de machines de guerre… Déjà très                 célèbre de son vivant, son talent fut convoité par tous les                     princes et les mécènes, il termina sa vie en France, au                     service du roi François 1er.

Description de l'œuvre Mona Lisa est assise dans une loggia, une sorte de balcon.                     Derrière elle, on voit le paysage qu’elle regarde d’habitude :                   des vallées, un fleuve avec un pont, des chemins qui                   serpentent et guident le regard jusqu’au fond de l’image. Le                   paysage paraît flou, Léonard de Vinci traduit la réalité                 observée avec honnêteté, on ne voit pas tout parfaitement,                 notre œil fonctionne comme un appareil photo qui fait une                   mise au point sur certains éléments et laisse les autres                   flous. C’est le cas du paysage ici, puisque le portrait est net                       et détaillé. Le peintre à mis au point une technique appelée                     sfumato (dégradé en italien) qui permet de passer d’un plan                   à l’autre de l’image de manière douce, sans limites nettes ou                     contours aux lignes dures. Plus on s’éloigne, plus le paysage                   se fond dans une sorte de brume, jusqu’aux montagnes qui se                     confondent avec le ciel. 

 

Le personnage est représenté au premier plan, légèrement               de ¾, le bras accoudé sur un fauteuil, dans une loggia.                     Derrière apparaît un paysage à dominante minéral, semblant               irréel, présenté en surplomb, c'est-à-dire vu du dessus. La                 peau et les mains ressortent dans un contraste clair obscur                   très prononcé, le tout semblant baigner dans une brume                 d'or. C’est la première fois qu’un portrait donnait à ce point                   

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l’illusion de la vie : au lieu de la peindre avec des traits                         figés, comme c’était l’habitude, Léonard de Vinci lui a donné                   une expression fugace, une sorte de demi-sourire             mystérieux et un regard doux dont on dit qu’il suit les                     spectateurs… Vinci considérait ce tableau comme une étape               si importante de son travail et de ses recherches qu’il ne l’a                       jamais donné à son acheteur ! Il l’a gardé jusqu‘à sa mort en                         France et c’est comme cela qu’il est rentré dans les                   collections du Louvre.

Analyse du tableau

 Les couleurs et la lumière : Léonard de Vinci n’utilisait pas                     beaucoup de couleurs différentes, surtout pas de couleurs               fortes. Il préférait les images douces pour les yeux. Sur sa                     peinture, le regard peut glisser d’un nuance à l’autre, comme                   sur du velours. Le tableau que l’on connaît aujourd’hui ne                   ressemble pas à celui qui fut peint il y a 500 ans. Les                         couleurs sont devenues plus foncées à cause de la lumière et                     de la peinture qui s’est oxydée à l’air. La surface s’est                     craquelée, le vernis a bruni. Mona Lisa avait sans doute le                     teint plus clair, le ciel devait être plus bleu. Le tableau                     semble plus sombre que d’autres œuvres de la même époque                   car Vinci a révolutionné le rôle de l’éclairage. Les ombres et                     la lumière étaient surtout considérées comme des symboles               du mal et du bien, on peignait donc le moins d’ombre possible                       et surtout, cela n’avait aucun rapport avec la réalité                 physique et scientifique de l’observation de la lumière.               Léonard de Vinci a procédé d’une vision scientifique en                 donnant une égale importance à l’ombre et la lumière dans ce                     tableau, et non plus d’une vision religieuse. Les mains,                 notamment, sont très bien éclairées, pour souligner le               caractère paisible et calme du modèle. Les autres parties                 éclairées du tableau sont le visage et la gorge, qui sont aussi                       le centre de la composition. 

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Les techniques utilisées et le rendu : La Joconde est une représentation réaliste de cette               femme, Lisa del Giocondo, nommée aussi Mona Lisa, dans sa                   loggia au dessus d'un paysage imaginaire, peint d'une               manière illusionniste. Le trompe l'œil est obtenu grâce à                 l'invention de la perspective, au moment de la Renaissance                 (ligne d'horizon, point de fuite, fuyantes, rapetissement des               formes vers le point de fuite,) perspective aérienne,               (bleuissement/ atténuation des tons avec l'éloignement).           L'illusionnisme est également rendu grâce à la lumière               traduite avec le clair obscur, qui permet de modeler la                   forme d'une façon très progressive et nuancée. Il n'y a plus                     aucune trace de pinceau, mais une matière picturale               poudrée, estompée, comme une brume, une fumée, d'où               le nom de Sfumato donné à cette manière de peindre, un                     peu voilée, propre à Léonard. La peinture diluée et passée                   en de nombreuses couches transparentes, très fines, est appelée glacis. Ces glacis permettent le rendu de la texture                   de la peau. Le sourire épanoui, mythique, de cette femme                   exprime à la fois la quiétude, le bonheur et la force. Une                       expression cependant un peu espiègle ou ironique interpelle               le spectateur. La mode de l'époque voulait que les sourcils                   soient épilés, ce qui grandit le front et appuie le regard.                     Sobre et posée, elle est vêtue de noir ce qui était une                       coutume de l'époque, non un signe de deuil. Pour seuls                   accessoires, elle porte un voile sur ses cheveux, et une                   écharpe sur son épaule. Ses bras reposant sur un accoudoir                   de fauteuil, ses mains expriment grâce et sérénité. Assise                 dans une loggia, entre intérieur et extérieur, une lumière                 chaude (ocre), venue de l'intérieur, contraste avec la               lumière froide (bleu/vert), du lointain paysage, un peu               étrange et atemporel. En effet, il n'y a aucun signe de vie, à                         part ce pont sur la droite. Essentiellement minéral, composé                 de rochers, quelques étendues d'eau, s'étendent de part et                 d'autre. Mais une incohérence dans cette toile de fond crée                   un mystère: les deux côtés du paysage ne correspondent                 

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pas, présentant une ligne d'horizon différente.           Curieusement, c'est le sourire en coin de La Joconde qui                   crée le lien entre les deux cotés impossibles du paysage                   chaotique, et le sourire, qui symbolise la magie de l'instant,                   tient cohérent ce tableau. C'est donc une jeune femme épanouie et heureuse que voici et le sfumato procurant une                   expression de grande douceur à l'œuvre, magnifie encore               l'image de cette femme, lui donnant son caractère               envoutant, magnétique. 

Vocabulaire Perspective "atmosphérique", appelée aussi "sfumato"  Cette perspective se base sur un contraste de couleur entre                   les objets du premier plan, c'est-à-dire les plus proches de                   l'observateur, et ceux de l'arrière plan (les plus éloignés). Il                   s'agit soit d'un contraste de valeur -opposition de couleurs                 claires et foncées- soit d'un contraste d'intensité             -opposition de couleurs vives et pâles. Cette forme de                 perspective est ancienne -on en trouve des exemples dans                 l'Antiquité romaine-, elle reste cependant utilisée à l'époque               moderne, souvent combinée à d'autres types de             perspectives Sfumato :sorte de glacis vaporeux inventé par Léonard de               Vinci qui atténue le contour des formes. Les pigments sont                   très dilués et donnent un effet de transparence qui permet                   de voir ce qui est en dessous. 

A propos du tableau . Le succès de la Joconde tient avant tout au talent du                     peintre, c’est la première fois que l’on voyait un portrait                   aussi vivant, une lumière aussi naturelle et beaucoup de                 peintres ont cherché à reproduire la technique de Vinci :                   le sfumato, le rôle des ombres et le clair-obscur, la                   composition en triangle, comme une pyramide (ce schéma               de composition était auparavant réservé aux sujets             religieux, Vinci change les règles en l’utilisant pour un                 portrait), l’idée de montrer le modèle dans un décor réel,                   

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la sensation d’un instant éphémère rendu par l’expression               du modèle. Ces innovations étaient techniques mais             traduisaient aussi une conception philosophique nouvelle           du monde, avec l’humanité (symbolisée par cette femme               ordinaire) au centre des préoccupations. L’histoire s’est             ensuite chargée d’ajouter à la légende du tableau en lui                   faisant vivre quelques aventures : elle fut l’objet pendant                 longtemps d’une polémique entre la France et l’Italie qui se                   disputaient sa propriété. Jusqu’au début du XX° siècle, La               Joconde était célèbre mais pas encore le plus célèbre des                   tableaux. Il fut volé par un italien et disparu pendant                   plusieurs années avant d’être retrouvé et rendu à la France,                   cette aventure relatée dans la presse contribuant à la                 notoriété de l’œuvre et ravivant l’intérêt du public, qui se                   rend maintenant en masse pour l’admirer de loin derrière une                   vitre blindée. En tant qu’icône de l’art, cette œuvre fut                   copiée, parodiée, détournée, moquée par de nombreux             artistes, cette reconnaissance renforce son statut de             référence absolue dans l’histoire de l’art et de               l’humanité. 

        

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