SOMMAIRE

1. TECHNIQUES VOCALES ET PÉDAGOGIE DE LA VOIX - Sarah SANDERS

2. PÉGAGOGIE DE LA VOIX ET APPROCHE MUSICALE - Claudia PHILLIPS

3. TECHNIQUES VOCALES APPLIQUÉES À LA POLYPHONIE - Laurent MERCOU

4. VOIX SATURÉES ET TECHNIQUES VOCALES APPLIQUÉES - David FÉRON

5. MUSIQUE, HARMONIE, RYTHMES : Langage musical et outils pédagogiques pour le professeur de chant - Pierre-Michel SIVADIER

6. TRAVAIL CORPOREL : Le corps au service de la pédagogie du chant (Méthode Feldenkrais©) - Ghislaine LENOIR

7. TRAVAIL CORPOREL : Le corps au service de la pédagogie du chant (Méthode Alexander – Yoga et analyse du mouvement) - Monique DE SAINT GHISLAIN

8. PSYCHOPÉDAGOGIE - Florence CABRET

9. PHYSIOLOGIE DE LA VOIX - Gérard CHEVAILLIER

10. HISTOIRE DES MUSIQUES ACTUELLES AMPLIFIÉES – Bastien CANTILLON et Fabrice HUBERT

11. LES TECHNIQUES DU SON - Damien SILVERT

12. THÉORIE ET OUTILS CONCERNANT LE TRAVAIL DE L’INTERPRÈTE EN

SCÈNE - Murielle MAGELLAN

13. MÉTHODOLOGIE - Sylvain PERET

14. L’ENVIRONNEMENT SOCIO-PROFESSIONNEL DE L’ENSEIGNEMENT DU CHANT MUSIQUES ACTUELLES - Arnaud VERNET

15. ENVIRONNEMENT MÉTIER - Philippe ALBARET

1 - TECHNIQUES VOCALES ET PÉDAGOGIE DE LA VOIX - Sarah SANDERS

OBJECTIFS

Atteindre le moment où le jeune professeur aura compris que le contenu technique de son cours est d’une importance prépondérante et qu’il saura faire agir ses compétences pédagogiques avec ses compétences techniques.

CONTENU

1ère partie :

a. Comprendre l’appareil vocal – acquisition de notions physiologiques sur tous les éléments psychologiques et physiques qui entrent en jeu dans l’acte de produire sa voix (acoustique, intention, souffle, ligaments, cartilages, muscles, etc.). Apprendre à connaître (reconnaître) sa voix. Être dans son identité vocale.

b. La voix comme instrument de musique et d’expression Maitrise de l’appareil vocal – conduite du son, conduite du souffle Les données instinctives – les outils acquis Acquisition ou révision de toutes les données qui permettent de maîtriser sa voix – diction chantée (voyelles, consonnes, etc.) Finalisation de cette étape par un examen de chant

2ème partie :

! La voix des autres (autre catégorie, autre sexe, voix enfantines, la mue) Travail sur les différentes « tessitures » - comment les déterminer Apprendre à écouter des voix différentes de la sienne Regarder travailler des voix différentes Respecter les différents types de voix (Dans cette partie du travail, il y aura beaucoup d’artistes extérieurs à la formation qui accepteront de prendre des cours avec l’intervenante)

! Comprendre l’importance de l’amplification du son Comprendre l’adaptation de la voix aux différents styles de musique (rap, reggae, pop-rock, chanson, comédie musicale, etc.) Finalisation de cette période par les stagiaires se faisant travailler les uns les autres.

3ème partie :

Pédagogie du chant dans les musiques amplifiées Différence avec la musique acoustique (non amplifiée) Apprendre à construire un cours

Travail de la voix Exécution d’un morceau Respecter si possible l’ordre des choses Les différentes approches et l’adaptation aux circonstances (long terme, court terme) Établir une voix – puis chanter un morceau Chaque stagiaire se verra confier un ou une artiste durant 10h de cours Supervision d’un cours

ÉVALUATION

À la fin de la première partie (la formation sera repartie en 3 séquences selon le calendrier déterminé en début d’année), il y aura une interrogation orale de chaque candidat sur leur parcours d’acquisition technique correspondant à la description du contenu de la formation.

Cette notation est divisée en deux : 1 – Acquisition des données techniques 2 – Capacité à expliquer clairement À la fin de la première partie : Une mise en situation à chanter 2 titres dont un imposé et un libre (au moins un titre en français). À la fin de la deuxième partie : Interrogation orale sur les différentes tessitures et comment les déterminer. 1 – Acquisition des données techniques 2 – Capacité à expliquer clairement À la fin de la troisième partie : Évaluation du cours supervisé Présentation et rapport à l’élève Contenu technique du cours Commentaire du cours par le candidat

2 - PÉGAGOGIE DE LA VOIX ET APPROCHE MUSICALE - Claudia PHILLIPS

OBJECTIFS

Acquérir les bases de la pédagogie vocale dans les musiques actuelles amplifiées :

• Connaître les styles et leurs spécificités vocales et musicales • Apprendre à établir un diagnostic • L’approche humaine • La construction d’un cours individuel ou collectif • L’appropriation du répertoire • L’intégration du professeur de chant dans les structures

d’enseignement artistique publics ou associatives, notamment en ce qui concerne l’évaluation des élèves

CONTENUS

• Travail sur l’improvisation • Technique vocale appliquée • Analyse musicale • Mise en situation artistique • Mise en situation pédagogique

ÉVALUATION

Période 1

Mises en situation :

• Trouver l’ambitus de sa propre voix : un état des lieux. Trouver les notes dans sa voix qui sont utilisables et non utilisables dans un contexte de chant dans les musiques actuelles amplifiées ;

• Mener un échauffement vocal collectif par le biais de l’improvisation ; • Inventer deux vocalises : une au piano et une sans piano

Écrit :

• Questionnaire (auto-évaluation)

Période 2

Mises en situation :

• Conduire un échauffement pour différents types de voix ;

• Avoir acquis et pouvoir utiliser au moins trois outils qui passent par des portes d’entrée différentes pour une problématique donnée ;

• Relever rapidement l’ambitus d’une mélodie chantée et en tirer des conclusions quant à la voix du chanteur

Écrit :

• Faire le diagnostic d’un élève (soit l’élève/cobaye de la formation, soit un autre) en remplissant une grille. Thématiques : vocale, musicale, corporelle, psychologique (sensitif, cérébral, etc)

3 - TECHNIQUES VOCALES APPLIQUÉES À LA POLYPHONIE - Laurent MERCOU

OBJECTIFS

• Consolidation des acquis de la technique vocale • Approfondissement et développement de la technique vocale en lien

avec la polyphonie • Mise en place d’un vocabulaire précis à l’enseignement de la

technique vocale • Ecoute et Appréhension de la polyphonie • Gestion d’un groupe de chanteurs (pédagogie et direction vocale) • Direction d’un petit groupe en polyphonie

CONTENUS

• Vocalises appropriées au niveau des stagiaires • Apprentissage et/ou mise à niveau des éléments harmoniques de la

voix • Mise en place harmonique de polyphonique de la voix par le biais

d’exercices spécifiques • Exécutions d’œuvres polyphoniques par les stagiaires • Observation et critique d’une direction polyphonique (avec débriefing) • Mise en place d’une œuvre polyphonique avec un groupe extérieur

ÉVALUATION

Cours n°8 : Choisir entre quatre titres polyphoniques imposés et l’apprendre à un groupe de chanteurs/euses. En respectant : Échauffement – Répétition – Direction. Critères :

• Connaissances techniques disponibles pour le groupe d’élèves. • Pédagogie développée en face du groupe d’élèves.

Cours n°9 : Répétition : Seul(e) avec un petit groupe de chanteurs/euses dans une salle pendant 15 min. Apprentissage d’un morceau simple au choix du stagiaire (apprentissage oral ou avec partition). Direction : Devant la classe et le pédagogue, direction de ce chœur pendant 10 mn. Analyse : Temps d’échange afin d’analyser cet exercice, d’exprimer les ressentis du stagiaire, et permettre au pédagogue de donner son retour.

Critères :

• Connaissances techniques disponibles pour le groupe d’élèves. • Pédagogie développée en face du groupe d’élèves. • Capacités d’analyse de la séance.

ACQUISITION FIN DE PARCOURS

Conduire un groupe en polyphonie vocale Savoir faire un échauffement / répéter / diriger

4 - VOIX SATURÉES ET TECHNIQUES VOCALES APPLIQUÉES - David FÉRON

OBJECTIFS

• Comprendre les différents contextes culturels et musicaux d’utilisation de ces voix, et pouvoir identifier toutes les esthétiques de sons saturés

• Comprendre les tenants et aboutissants physiques des voix extrêmes • Chanter une voix saturée • Pouvoir expliquer la voix saturée • Coacher sans appréhension un élève utilisant ce genre de voix

CONTENUS

• Lors d’écoutes et observations, découvrir ce que sont les voix saturées, tant du point de vue esthétique que du point de vue physiologique

• Quelles sont les conditions requises pour obtenir ce genre de son ? Est-ce sans danger ?

• Détecter et ressentir les mécanismes des voix fortes lors de jeux d’interprétation amenant à une saturation naturelle du son

• Écrire et composer sur une musique « métal », seul ou en groupe afin de comprendre les phénomènes vocaux liés à l’énergie sonore et l’esthétique musicale

• Identifier et défaire les tensions inutiles, les schémas restrictifs qui entravent le fonctionnement optimal de la voix saturée ou non

• Détecter les différences de mécanismes physiques entre un son clair et un son saturé pour optimiser l’approche de ce dernier et pouvoir aborder les deux sans difficulté

• Comment développer la qualité, la puissance du geste vocal en affinant la conscience du souffle et du corps dans sa globalité.

• Explorer les attitudes, les mouvements corporels et respiratoires mis en jeu, afin d’ouvrir de nouveaux chemins pour trouver souplesse, aisance, stabilité dans l’émission vocale au service de l’identité artistique.

• Dans le cadre d’un cours de chant, comment aborder l’utilisation des voix extrêmes. Quelles sont les principales demandes des chanteurs dans ce cadre ? Comment y répondre ?

ÉVALUATION

Pendant les 3 derniers cours : - Mise en situation de 3 artistes dans leurs environnements musicaux et vocaux. - Coaching et technique vocale en groupe et en individuel. Contenu : Dans un cours interactif, les élèves devront mener tour à tour le cours.

- Les échauffements corporels et vocaux liés aux voix extrêmes. - La mise en place d'un exercice de technique vocale visant à améliorer la technique, le son ou la musicalité de l'artiste. - Le coaching sur une chanson de l'artiste. Les critères d'évaluations : Pour 25% de la note : - Implication et force de proposition. - Présence et participation. Pour 40% de la note : - Connaissances et compréhensions techniques - Les points fondamentaux pour réussir un son saturé et l'enseigner. Pour 35% de la note : - Pédagogie - Accueillir l'artiste. - Suivi du cours. - Vocabulaire. - Exercices adaptés. - Inventivité adaptée.

5 – MUSIQUE, HARMONIE, RYTHMES : Langage musical et outils pédagogiques pour le professeur de chant - Pierre-Michel SIVADIER

OBJECTIFS Dans ce cours, nous travaillons sur le langage musical, la maîtrise de cellules rythmiques courantes tant dans la lecture que l’exécution, les intervalles, le chiffrage et la reconnaissance d’accords. Et cela dans le contexte des musiques «actuelles» au sens le plus large possible. Le développement de l’oreille tient ici une place importante. La relation chanteur-instrumentiste est également abordée. La pédagogie et la pratique collective sont au centre de ce cours. Nous tenterons de trouver des définitions concises et précises de termes ou concepts musicaux. Nous tisserons un lien entre la connaissance et la transmission d'un savoir et ce, dans une ambiance conviviale. Important ! Nous rappelons qu'un professeur de chant doit être en capacité de jouer les 12 accords majeurs et mineurs au piano afin d'accompagner les vocalises de ses élèves. Nous attirons l'attention des stagiaires sur le point suivant: la formation ne comprend pas de cours de piano. Il appartient donc à chacun de vérifier qu'il a les capacités pianistiques requises et, le cas échéant, de faire le nécessaire pour les acquérir. Un stagiaire qui, lors du jury final de la formation, se montrerait hésitant pour jouer ces 12 accords majeurs ou mineurs au piano lors de son cours, ne saurait recueillir une appréciation satisfaisante. CONTENUS Ce module représente dans la formation un volume moyen de 9 heures par mois. Chaque séance de 3 heures commence par un travail vocal collectif d'environ une heure, accompagné au piano. Il s'agit de maîtriser les intervalles de la gamme majeure, de reconnaître des accords à trois ou quatre sons et de pouvoir identifier une basse ou une note sonnante parmi un ensemble de 8 ou 10 sons. Nous déchiffrons ensuite une pièce polyphonique composée par le formateur. Le travail de déchiffrage s’effectue en profitant des savoirs de chacun et en connectant la lecture à l’expérience musicale des participants. Les pièces polyphoniques peuvent donner lieu à des plages d’improvisation. Les stagiaires auront également l’occasion de prendre la place de chef de chœur en dirigeant leurs collègues.

Au cours de la formation, sera progressivement intégré un travail de « vocalises de professeur de chant » durant lequel chaque stagiaire sera amené à faire faire une vocalise au groupe. Cette séquence pédagogique sera ensuite analysée avec tous. Puis, nous abordons une partie théorique et plus écrite sur :

• La tonalité : définition, armure, notes polaires, tensions, résolutions, degrés, cadences.

• Le système d'accords : construction, lecture de grille, harmonisation, enrichissements, substitutions, équivalences, arrangements, improvisation, modes, notes communes, voicing, inner voice, connexions entre le chiffrage "classique" et le chiffrage "jazz".

• Le rythme : mise en place de cellules binaires, ternaires, décomposition, exercices d'indépendance, pédagogie, transmission du rythme.

• Le langage musical et la pédagogie : définitions, terminologie, rapport entre un son et un mot, explications à un élève, exercices d'application, communication chanteur– instrumentiste, transformation d'une intention artistique en termes musicaux.

Enfin, nous terminons chaque séance par l'écoute d'un morceau issu de la musique du XXè siècle, toutes esthétiques confondues. À l'issue de cette écoute, chacun doit donner des informations pertinentes en employant un langage précis notamment sur la structure, l'harmonie, le rythme, la mélodie et les timbres. Volume horaire du cours : Le cours a lieu tout au long de la formation à un rythme moyen de 9 heures par mois dispensées en 3 séances de 3 heures. ÉVALUATION

1. Un test d'évaluation écrit a lieu au cours de l'audition d'entrée de la formation. Il comprend une vingtaine de questions d’écoute, d’harmonie et de théorie musicale. Ce test, non noté, est corrigé et analysé collectivement lors du premier cours. Il a pour fonction de renseigner le stagiaire sur son niveau de formation musicale.

2. Un test écrit est envoyé par courriel à chaque stagiaire en fin de

période 1. Il est à rendre 25 jours après. Ce test non noté qui comporte une vingtaine de question est longuement corrigé et annoté. Une appréciation est communiquée au stagiaire sur l’évolution de son niveau en formation musicale.

Le test comporte des questions de culture musicale qui incite le stagiaire à faire ses propres recherches. Le test comprend aussi des questions de ce type : Isn’t she lovely Stevie Wonder. Dans cette

version : http://www.youtube.com/watch?v=b2WzocbSd2w&feature=related • Quelle est la mesure ? (12 / 8) • Est-elle ternaire ou binaire ? (Ternaire) • Quels sont les deux premiers accords à partir du moment où le

chant entre ? (Dbm7 Gb9)

3. Une note sur 20 est communiquée en fin de période Cette note comporte 5 critères, chacun noté sur 4 : • Acquisitions et connaissances • Présence et ponctualité • Souplesse adaptabilité • Pédagogie • Test écrit cité précédemment

(Notations ou grilles d’acquisition de connaissances : à préciser)

4. Une note sur 20 est communiquée en fin de période 2. Cette note comporte les 5 critères précités, chacun noté sur 4. (Notations ou grilles d’acquisition de connaissances : à préciser)

5. Un document est distribué et analysé en milieu de période 1 intitulé

Ce que vous devez savoir et pouvoir expliquer. Ce document décrit précisément ce qui est attendu en termes de capacité et de niveau pour un professeur de chant. Notamment : identifier la tonalité, accompagner les vocalises au piano, expliquer la formation des accords, identifier un intervalle, lire une cellule rythmique, faire un commentaire d’écoute, utiliser un langage musical approprié. La fonction de ce document est qu’à aucun moment, le stagiaire ne peut ignorer ce qui est attendu de lui en termes de capacité et de niveau.

6. Une mise en situation d’une durée d’environ 10 minutes a lieu lors

de chaque cours et ce, dès le deuxième cours. Durant cette étape, un stagiaire est amené à faire travailler les autres : une vocalise ou l’apprentissage d’un fragment, avec ou sans partition. Cette mise en situation a pour but de créer des réflexes pédagogiques, elle permet aussi de souder le groupe et de développer la capacité à travailler collectivement.

7. Un concert ou moment de musique est donné par les stagiaires. Il est

préparé par Claudia Phillips et Pierre-Michel Sivadier. Cette étape a pour but de relier l’enseignement à la pratique et au plaisir de la musique, de développer l’autonomie des stagiaires et d’encourager le travail collectif. Des objectifs pédagogiques sont communiqués en amont : chaque stagiaire doit prendre en charge l’interprétation d’une chanson, en écrire l’arrangement ou la grille, expliciter ses intentions artistiques et diriger ses collègues en tant que musiciens ou choristes.

La chanson est issue du répertoire des musiques actuelles. Nous avons ici un objectif d’élargissement des capacités de l’interprète et de son répertoire. Deux pièces polyphoniques arrangées par Pierre-Michel Sivadier sont interprétées par l’ensemble du groupe. En 2014, il s’agissait de Champagne de Jacques Higelin et de Vénus de Gérard Manset.

6 - TRAVAIL CORPOREL : Le corps au service de la pédagogie du chant (Méthode Feldenkrais©) - Ghislaine LENOIR    

Il s’agira lors de ces 9 séances de 3 heures de sensibiliser les élèves formateurs à observer l’ensemble du corps dans l’enseignement du chant et repérer les blocages qui gênent l’expression vocale et les comportements dus à l’apprentissage et aux émotions. Il y aura deux formes d’évaluation : une sur l’ensemble des 9 cours qui portera sur l’observation, l’écoute et la concentration et une autre qui se fera à la fin de chaque cours.

Chaque cours commencera par des mouvements d’une des parties étudiées pour observer ce qui a été intégré.

Déroulement pour la session

Cours 1 : la respiration

Objectif

Observer comment l’émotion dérange la respiration Pouvoir repérer les apnées et les saccades Comprendre le mécanisme de la respiration Différencier respiration haute et respiration basse, Sentir le mouvement et les attaches du diaphragme,

Evaluation Sera considéré acquis tous mouvements de respiration fluide et conscients

Cours 2 : le bassin

Objectif

Visualiser le bassin en imagination et en réel grâce au squelette Le faire fonctionner dans ses trois axes Faire le lien avec la tête, les yeux et les pieds

Evaluation Sera considéré comme acquis l’énumération des 3 axes et ses relations par une illustration physique personnelle.

Cours 3 : la ceinture scapulaire 1 position couchée

Objectif

Comprendre l’organisation du haut du corps, visualisation sur squelette Expérimenter le mouvement des omoplates et ses quatre directions

Faire le lien avec la cage, puis lier avec l’ouverture du sternum

Evaluation Sera considéré comme acquis les quatre directions des omoplates par une illustration physique personnelle

Cours 4 : ceinture scapulaire 2 position assise

Objectif

Aborder cette région dans une posture plus adaptée à un cours de chant Sentir les relations avec le bassin

Evaluation Sera considéré comme acquis l’importance des épaules dans l’ouverture et leur liaison avec le bassin par une illustration physique personnelle

Cours 5 : hanches et épaules

Objectif

Commencer à prendre conscience de la profondeur du corps Aborder la position debout et la marche

Evaluation Sera considéré comme acquis le mécanisme de la marche par une illustration physique personnelle.

Cours 6 : les pieds

Objectif

Prendre conscience de la relation pieds-bassin puis pieds-bassin- épaules Appliquer position debout et dans la marche

Evaluation Sera considéré comme acquis les différentes marches par une illustration physique personnelle

Cours 7 : rotation de la colonne

Objectif

Prendre conscience de la profondeur de notre corps et son fonctionnement en rotation harmonique et désharmonisée

Evaluation Sera considéré comme acquis la description de la rotation en commençant par des régions différentes du corps avec une illustration physique personnelle

Cours 8 : le port de la tête et l’ouverture de la bouche

Objectif

Retrouver les trois axes de la tête Ouvrir les résonnances

Evaluation Sera considéré comme acquis les 3 axes de la tête par une illustration physique personnelle

Cours 9 : révision des cours précédents

Objectif

Maitriser les acquis Apprendre à être concentré sur soi et sur l’environnement en même temps

Evaluation Sera considéré comme acquis la possibilité d’être à tout moment dans la conscience physique par un jeu proposé, donc capacité de concentration, d’écoute et d’observation

Bien sur, en fonction du niveau du groupe, les cours pourront évoluer différemment.

 

Corps au service du vocal

Avant formation Après formation

Les différentes respirations

Les axes du bassin

Mouvement des omoplates

Ouverture sternum

La marche

Les résonnances des pieds

La rotation

La tête et ses résonnances

Observation

Concentration

Ecoute

Insuffisant Bien Très bien

Insuffisant Bien Très bien

 

 

7 - TRAVAIL CORPOREL : Le corps au service de la pédagogie du chant (Méthode Alexander – Yoga et analyse du mouvement) - Monique DE SAINT GHISLAIN

 

OBJECTIFS

• Expérimenter - comprendre comment le geste vocal et respiratoire s’inscrivent et dépendent de l’organisation globale du corps.

• Percevoir - identifier les différentes dynamiques corporelles mises en jeux favorisant ou interférant la qualité et l’aisance de l’expression vocale.

• Affiner - élargir le champ perceptif pour accéder à une meilleure conscience du corps, de soi même et pour permettre au geste de s’accorder au plus près de l’intention artistique.

• Transmettre des outils et ouvrir des chemins d’exploration pour que la mobilité corporelle puisse tendre vers les lois de l’équilibre, de l’économie, du confort contribuant ainsi à la prévention et à l’expertise du geste vocal.

• Déployer la souplesse et la force du corps sonore en optimisant la stabilité et le potentiel de mouvement.

CONTENUS

• Equilibre dynamique du corps dans sa globalité en lien à la gravité, à l’espace.

• Aplomb & Verticalité. • Relation au poids. • Qualité et clarté des appuis. • Stabilité et souplesse de la colonne vertébrale. • Volumes du corps : « un espace 3 D. » • Affinement des perceptions pour affiner la mobilité et les ajustements

corporels. • Lien entre les diaphragmes. • Mobilité et fluidité du souffle. • Regard et ouverture spatiale. • Adaptation entre qualité de détente et tonus corporel adéquat. • Reconnaissance et transformation des schémas limitatifs, des efforts

inutiles pour plus de choix et de liberté. • Attention à la qualité des moyens mis en œuvre en vu d’un objectif

donné.

• Présence au corps pour une présence à soi.

APPLICATIONS :

• Mise en situation vocale avec et sans micro. • Mise en situation pédagogique : développer l’empathie kinesthésique,

la qualité d’écoute et d’observation (globale & précise). Comprendre comment accompagner l’élève dans un processus pédagogique cohérent pour relier le corps " la voix.

ÉVALUATION :

Le contrôle continu sera basé sur :

• La qualité d’attention, d’écoute, de présence et d’engagement pendant les cours.

• Les mises en situation corporelle, vocale et pédagogique en lien avec les axes de travail.

L’évaluation des acquis sera basée sur :

• L’intégration et l’appropriation des contenus proposés. • La rédaction d’un compte-rendu

 

 

 

8 – PSYCHOPÉDAGOGIE - Florence CABRET

ou " Comment apprendre à apprendre ? " Utilisation de concepts et théories empruntés à la psychologie clinique, à la psychologie du développement et à la psychopédagogie concernant la médiation de l’apprentissage.

PROGRAMME : Thèmes, Théories & Concepts Chaque année et en fonction des problématiques du groupe concernant la médiation pédagogique qu’est l’enseignement du chant, des thématiques différentes pourront être abordées. Pourquoi faire référence à des concepts empruntés à : -­‐ la psychologie clinique ? -­‐ la psychologie du développement ? -­‐ la psychopédagogie ?

• Proxémie et communication • La psychopédagogie face à la question de l’apprentissage • Pédagogie et psychopédagogie : cognitif et conatif • Structure ternaire de relation en psychopédagogie • Cadre et règles de fonctionnement • Mise en situation : écoute de CD / commentaire / formulation • La vraie question posée par l’évaluation : l’objectivité • Théorie et concept en référence à l’entretien dit «clinique» • La Neutralité Bienveillante : théorie et concept en référence à la

psychologie clinique • L‘Exercice de l’Empathie • Notions statut / rôle / fonction / compétence • La pédagogie différenciée • La communication non violente • Les 12 critères de médiation de R.FEUERSTEIN • Concept de médiation en pédagogie : étayage / guidage • Théoriciens en psychologie du développement • Le triangle dramatique ou triangle de Karpman

Cette liste n’est ni définitive, ni exhaustive

ÉVALUATION :

• 1er contrôle continu : Questionnaire écrit • 2nd contrôle en psychopédagogie :

Mise en situation : présentation orale de 15 min

9 - PHYSIOLOGIE DE LA VOIX - Gérard CHEVAILLIER Anatomie de l'appareil phonatoire et Physiologie de la voix. À partir de schémas simples je propose de construire comme un puzzle les différents éléments constituant l'appareil phonatoire et de pratiquer ensuite un repérage corporel par les stagiaires eux mêmes sur leur corps. Ensuite est abordée la question du souffle phonatoire et des différentes questions autour du "bon" souffle, du comment "faire" le souffle ; des relations entre le souffle "technique" et l'expression musicale d'un interprète. Autres thématiques : la question des registres de la voix humaine ainsi que les différentes terminologies utilisées par les différents acteurs de la voix chantée : chanteur, professeur de chants, phoniatre, orthophonistes, acousticiens etc... Le but étant de pouvoir répertorier les différents types d'émission vocale selon les mécanismes vibratoires utilisés et le degré de contraction du vibrateur laryngé. De la fatigue vocale à la pathologie vocale en passant par le surmenage de la voix chantée Le mécanisme du forçage vocal. Notion d’accord pneumophonique : équilibre entre les forces de souffle, de contre pression supra-glottique et des forces glottiques et supraglottiques - La résonance. Le surmenage et le malmenage vocal, les différentes lésions des cordes vocales en rapport avec le forçage vocal. Application à la voix chantée : notion de voix pathologique ou de parti pris esthétique (écoutes d’exemples). Qu’est ce qu’une bonne technique vocale ? L'hygiène de la voix, les traitements de la voix : bienfaits et méfaits. Le suivi phoniatrique du chanteur, les rôles respectifs des professeurs de chant, phoniatre, orthophoniste ÉVALUATION Questionnaire écrit / terminologie suite à la seconde ou troisième séance

10 - HISTOIRE DES MUSIQUES ACTUELLES AMPLIFIÉES – Bastien CANTILLON et Fabrice HUBERT "Depuis ses débuts dans les années 40 à nos jours, la grande famille des genres musicaux populaires amplifiés - hard-rock, pop, rock steady, RNB, techno, rhythm’n’blues, ska, soul, house, rap, punk, reggae, drum'n'bass, funk, rock'n'roll, dancehall, trap music, etc. - n'a cessé de s'agrandir avec l'évolution des instruments et de la production artistique, mais aussi du marketing, des modes et du contexte social. Retour sur l'histoire des grands courants musicaux avec de la documentation, de nombreux extraits sonores et vidéos, des jeux interactifs, des focus, des démonstrations techniques, des ateliers techniques... afin de découvrir cette longue épopée musicale en perpétuelle mutation." OBJECTIFS

• Appréhender le propos artistique de chaque style • Etre capable de différencier et reconnaître de nombreuses esthétiques

issues des musiques actuelles amplifiées • Les restituer dans un contexte social, politique, économique ou

technologique. • Etablir à partir d’une même esthétique des liens et passerelles entre la

version d’origine et son évolution actuelle (notamment pour répondre aux demandes du public actuel)

• Réinvestir cette somme de connaissances dans un projet professionnel (enseignement, formation, histoire des arts, projet mené avec une scène « musiques actuelles", etc.)

• Accroître sa culture générale... MÉTHODE PÉDAGOGIQUE Ce stage est conçu comme un aller-retour permanent entre les stagiaires et les intervenants. L'histoire de ces esthétiques est systématiquement mise en parallèle avec le contexte de l'époque et les évolutions technologiques proposées aux musiciens (instruments, production, etc.). Cette formation est basée sur une écoute active de la musique ponctuée de nombreuses vidéos et de démonstrations techniques. ÉVALUATION Des "blind test" et études de titres sont proposés aux stagiaires au début, au milieu et à la fin du stage afin de vérifier leur niveau de compétences en début de stage et leurs acquis à l'issue du stage. Des petits repères techniques basés sur le son, le rythme, les arrangements... sont proposés aux stagiaires afin de mieux appréhender le propos artistique de chaque style et d'être capables de reconnaître un style lambda le plus rapidement possible.

BIBLIOGRAPHIE / DOCUMENTATION PEDAGOGIQUE : Enfin, une frise historique de l'ensemble des courants musicaux appartenant aux musiques actuelles amplifiées (format A2), une discographie sélective et une bibliographie sont fournies aux stagiaires en fin de stage.

11 - LES TECHNIQUES DU SON - Damien SILVERT 3 modules de 3H :

1) La première séance s’articule autour de l’amplification du chanteur: essai de différents micros, systèmes de retour dans différents contextes des musiques amplifiées. Posture et placements du micro et ses différentes caractéristiques. Explications sur l’impact direct sur le chant et les sensations du chanteur. Comment familiariser un chanteur avec l’usage du micro en situation de concert, de spectacle musical, en studio. Enfin, chacun des stagiaire pourra tester sur sa propre voix différents types de micros afin d’en analyser les spécificités sur ses propres sensations.

2) La seconde séance est axée sur les liens entre la chaine du son, les différentes techniques matérielles pour améliorer le confort et l’écoute du chanteur, et les techniques vocales enseignées par le professeur. Utilisation en cours d’un système amplifié pour intégrer l’amplification à l’éducation d’un chanteur de musiques actuelles. Les stagiaires passeront chacun leur tour en tant qu’élève, puis en tant que professeur pour mettre en pratique les méthodes pédagogiques lors de l’utilisation de l’amplification.

3) Cette séance sera principalement basée sur la pratique avec mises en situations dans divers contextes professionnels du métier (cours de chant, coaching en séance de travail, coaching en studio, préparations d’albums, de concerts, les éléments à prendre en compte pour guider un artiste au niveau de la gestion vocale, lié directement à l’amplification).

12 - THÉORIE ET OUTILS CONCERNANT LE TRAVAIL DE L’INTERPRÈTE EN SCÈNE - Murielle MAGELLAN Accompagner un artiste au travail de la scène, voilà des années que je le faisais, (Agnès Bihl, Oshen, Cap au Nord, Emma Daumas, Romain Didier, Julia Sarr etc etc) et que j’accumulais les observations, les cas, les remarques sur les spécificités de ce travail. Mais quand il a fallu, sous l’impulsion du Studio des Variétés, réfléchir à comment transmettre cette étrange discipline, j’ai eu un moment de perplexité… En effet, ce « métier » nouveau emprunte à de nombreuses disciplines (la formation théâtrale, la psychologie, le développement personnel, le langage du corps etc…) mais n’a pas de « théories » bien établies. Chacun peut le pratiquer à sa manière, et en avoir une approche très particulière. Pourtant, il m’est apparu qu’il y avait des piliers à cette activité, et que ces piliers étaient essentiels. En s’appuyant sur eux, un « coach » pourrait, me semblait-il, aborder de très nombreux artistes, d’univers différents, sans crainte. Je me suis dit que former des formateurs au travail de la scène, c’était pour moi leur permettre d’identifier ces piliers et de leur transmettre des outils (jeux etc.) pour aider l’artiste, en s’appuyer solidement dessus. Voici les grands axes que je développe donc avec les formateurs : 1) Tout d’abord, à propos d’eux, les formateurs : a. Je les sensibilise à développer une certaine culture. Culture musicale d’une part (« plus j’ai de références, plus je peux comprendre les codes de l’artiste que j’accompagne »), culture de l’approche scénique d’autre part (le monde du théâtre nous a transmis des outils que nous pouvons transposer parfois : la distanciation, l’incarnation, la composition etc… avec des théoriciens comme Stanislavski, Brecht, ou Grotovski). b. Il s’agit également de leur rappeler la spécificité de l’artiste-chanteur. Contrairement à l’acteur, ou au danseur, il ne participe pas à un projet, il est le projet. C’est son nom qui est à l’affiche, c’est lui qui s’expose au public. Il s’agit donc pour le coach d’être au service de l’artiste en valorisant le mieux possible son univers artistique à lui (et non le nôtre). Pour ne pas faire de « projection », je les encourage donc, par des jeux, à être à l’écoute factuellement de l’artiste. Quelle est sa demande exacte, son contexte (auteur compositeur ? Chanteur de bal ? De cabaret ? choriste ? musicien de studio etc…), son objectif. Nous devons être capable de le formuler presque mot pour mot comme l’artiste nous l’a formulé. Cette demande factuelle servira de référence au coach et au chanteur. c. Enfin, je les renvoie à la notion de « Sens » d’être en scène. A la question du pourquoi? Cette question vaste et essentielle, c’est, selon moi,

celle qu’ils devront renvoyer régulièrement en miroir à l’artiste. Car parfois les artistes oublient le « vrai moteur » qui les amène à monter chanter sur scène, ils oublient qu’ils ne sont pas sur scène pour eux mais pour nous, public ! Le coach va ainsi pouvoir aider l’artiste à formuler sa raison profonde : émouvoir, divertir, engager à la révolte, apaiser etc, distraire, toutes les raisons sont nobles dès lors qu’elles sont assumées ! Cette « raison profonde » servira de « point de mire » au travail scénique. Le plus souvent, le coach aura face à lui un artiste (bien sûr) et une œuvre… 2) L’artiste : a. L’artiste c’est tout d’abord un « persona » (terme emprunté au théâtre grec, puis à Jung)… c'est-à-dire, un univers qu’il dégage, parfois malgré lui, et qui crée sa « personne poétique »… (ex : le « persona » de Gainsbourg, est différent de sa personne, et n’est pourtant pas un « personnage » qui demande une composition…) Le coach va devoir aider l’artiste à prendre en compte son « persona ». Je transmets pour cela des exercices à faire pratiquer à l’artiste afin de l’aider à identifier, à nommer le mieux possible, l’univers qu’il trimballe avec lui. b. Le corps est aussi, bien sûr, un axe de travail. Je rappelle au coach qu’il doit donner le plus de moyens possibles à son artiste de connaître son corps, afin de s’en servir pour transmettre le mieux possible ce qu’il désire transmettre. Là encore, il y a toute une gamme d’exercices. c. Les émotions. Outil majeur de l’interprétation. Savoir aider l’artiste à mobiliser ses émotions, sans être débordé, de façon ludique et sans frein afin de pouvoir varier les couleurs de son interprétation et s’amuser à conduire le public dans un voyage « intérieur… ». Faire des ruptures, aller profondément dans une émotion, savoir la nommer etc… d. L’imaginaire : Aider l’artiste à reprendre contact avec son imagination. La scène est un espace où l’imaginaire peut s’exprimer. La « lourdeur » des codes de la chanson fait parfois que l’artiste met son imagination en veilleuse, avec de nombreux a priori (ex : « prendre le micro à la main, ça fait variété… ») qui sont en réalité des façons d’entraver sa création. Travailler l’imaginaire, c’est travailler la liberté. 3) L’œuvre : (en Général, une chanson !) a. Le texte : Il me semble essentiel qu’un coach scène sache « lire un texte ». Il doit pouvoir comprendre le sens précis du texte chanté, quel que soit sa qualité, et pouvoir aider l’artiste à identifier la sa spécificité. En effet, il y a souvent dans le texte de l’œuvre, de grandes directions données pour son interprétation. D’autant plus qu’on aura travaillé avant sur le « persona » de l’artiste, et que c’est cette confrontation entre l’artiste et l’œuvre qui nous intéressera.

b. La musique : Parfois l’artiste, même musicien, n’est plus connecté à sa musique, à l’émotion qu’elle véhicule, aux images qu’elle évoque. A base d’exercices, il faut l’aider à s’appuyer sur la musicalité de l’œuvre pour préciser son interprétation. (Ex : La chanson Marcia Baila des Rita Mitsouko est une chanson sur une femme morte du cancer, pourtant, la musique incite à danser… Aider l’artiste à pointer cette antinomie pour pouvoir ensuite faire le choix d’interprétation qui lui convient) c. L’arrangement : Un arrangement peut changer complètement la couleur d’un morceau. Le coach doit être attentif à cette donnée car une direction d’interprétation peut impliquer un changement d’arrangement… 4) Une possibilité de méthode : (NB : Il n’y a pas de marche à suivre idéale, mais celle-ci peut permettre, les fois où l’on est démunis devant un artiste, d’avancer en tout état de cause) a. Faire du « vrac » : Faire du « vrac », c’est explorer. On fait des jeux sur le « persona » de l’artiste, sur le corps, les émotions… Puis on fait des jeux sur l’œuvre… le texte, la musique. Ce que l’œuvre dit vraiment, comment on peut la parodier, la détourner, etc… Bref, on s’amuse, on mâche et remâche le « matériel » qu’on a sans pour autant prendre de directions… b. Faire des choix : Puis, en fonction de ce qu’on s’est dit que le « sens » que veut donner cet artiste là à sa présence en scène, mais aussi bien sûr en fonction de ses aptitudes, de ses goûts, de ce qu’on a vu, on précise la direction qui convient… Cette direction n’est pas la bible ! On peut la modifier, la repréciser sans cesse, nous sommes dans de l’art vivant ! c. La répétition : Enfin, il s’agira de répéter ! Maître mot de nos disciplines. Il faut donc aider l’artiste à répéter, renouveler l’émotion en lui, le plaisir, refaire le parcours etc. pour gagner en liberté et pouvoir préparer le terrain… à l’inattendu ! Voici donc aujourd’hui mon approche de la formation de « coach scène ». Dans le cadre d’un module de professeur de chants, je n’ai pas suffisamment de temps pour approfondir chacun de ces points. Néanmoins, je tente de faire un « éveil », d’allumer des petites lumières qui peuvent éclairer un peu la route des futurs formateurs…

13 - MÉTHODOLOGIE : JOURNAL DE BORD - Sylvain PERRET Voici donc les préconisations concernant la rédaction de votre journal de bord. Celles-ci seront transmises aux membres du jury. A la lecture de votre déroulé de 9h de cours individuel avec votre artiste, il nous faudra comprendre et pouvoir évaluer les éléments suivants. 1) L’organisation et la mise en évidence de la chronologie des cours Cours 1 à cours 9 : Construction : écoute # proposition # accompagnement : compréhension d’un moment T de la rencontre avec l’artiste Evaluation : diagnostic # définir les objectifs à atteindre Importance de la conscience, du choix, de l’argumentation, étayage Hiérarchiser les thèmes abordés Construction d’un cycle de cours sur cette base 2) Au fur et à mesure de vos séances Evaluation intermédiaire # modification du contenu ou de la direction Affiner les critères d’évaluation de l’artiste Comprendre un processus, des choix, des orientations de travail via un/des Objectif(s) à atteindre avec ou sans projet artistique personnel préalable… Préciser sa méthodologie Bilan de fin : acquisitions, en cours, à acquérir, quel parcours ? Autant vis à vis du formateur (enseignant) que de l’artiste (l’apprenant) Propositions de thématiques : voix – musique – corps – psychopédagogie

• Choix et précision du vocabulaire : élocution, verbalisation, formulation, reformulation, intonation, place du corps, échange, consignes…

• Outils, activités, variétés des exercices et mises en situation, expérimentation

• Construction de la séquence, rythme de cours, objectifs, organisation, dynamique, énergie, plan de cours, réactivité, gestion du temps, hiérarchisation, priorités de travail ….

• Musique, oreille, expression, culture musicale, contexte, jeu, écoute, justesse

• Expérimentation, variation, imaginaire, improvisation, jeu, invention, ornementation, composition

• Autonomie, méthode, autoévaluation, motivation

• Corps, espace, positionnement, mouvement, physiologie, expression, posture, respiration, geste, technique, etc.

14 - L’ENVIRONNEMENT SOCIO-PROFESSIONNEL DE L’ENSEIGNEMENT DU CHANT MUSIQUES ACTUELLES - Arnaud VERNET Cette intervention permet de faire un tour d’horizon du terrain. En envisageant la compétence « voix dans les musiques actuelles » au sens large, on peut cibler plusieurs types d’institutions, écoles associatives, salles de diffusion et d’accompagnement… qui sont des partenaires naturels de l’intervenant « voix » sur un territoire. Description de différents statuts d’emploi, du formateur occasionnel au professeur de conservatoire. Nous aborderons aussi les diplômes concernés par cette pratique (DEM, DE/CA, DNSPM, MIMA, etc.).

15 - ENVIRONNEMENT MÉTIER - Philippe ALBARET

OBJECTIFS

Préciser les spécificités Musiques Actuelles de l’enseignement du chant :

• Prendre en compte le Projet de l’artiste • Connaître les principaux métiers de la musique • Assimiler les nouvelles procédures de développement professionnel

d’un artiste, nées de la mutation économique du secteur • Approcher la notion d’interprétation chez un auteur, compositeur,

interprète • Assimiler l’histoire de la vie des Musiques Actuelles en France

CONTENUS

• La notion de projet, qui définit l’intitulé Musiques Actuelles dans la pédagogie

• Définition des métiers de la musique : édition, production de spectacle, production d’enregistrement

• L’interprétation : traduction émotionnelle, 3 questions pour déterminer l’axe interprétatif

• Approche des sujets déterminants de la réussite d’un spectacle • Présentation du déroulé de la vie des Musiques Actuelles en France

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