Histoire des arts

1-Présenter l’œuvre

Marilyn Monroe

1967

Auteur : Andy Warhol 1928-1987

Américain de Pennsylvanie

2-Domaine de l’art du visuel

Thématique : Arts, Etat et Pouvoir XX-XXI

3-Description générale de l’œuvre

Tableau : acrylique/sérigraphie/toile

Dimensions : 91.5x91.5 cm (carré)

Présente une répétition de 9 portraits identiques, de Marilyn Monroe peints dans différentes couleurs vives.

4-Analyser l’œuvre (intentions de l’artiste, contexte historique, artistique)

Warhol part d’une photographie noir et blanc de Marilyn Monroe (pour la promotion du film Niagara, 1953) qu’il recadre pour

travailler ses séries de sérigraphies.

Les couleurs sont saturées, criardes, contrastées, et suppriment les détails. Les couleurs sont irréalistes et décalées de la réalité.

La sérigraphie est la technique d’impression qui permet de reproduire en plusieurs exemplaires des affiches ou des images sur

de nombreux supports. Technique à l’identique du pochoir, un écran de soie, perméable à l’encre, est tendu sur un cadre en

bois.

L’œuvre fait partie du mouvement du Pop’art* qui apparait dans les années 1950 en Grande-Bretagne et aux Etats-Unis. Les

principaux acteurs sont Andy Warhol, Roy Lichtenstein : Whaam! 1963 acrylique et huile sur toile

, et Richard Hamilton : « Just what is it that makes today's homes so different, so appealing ? », 1956. « Qu'est-ce-

qui rend nos foyers d'aujourd'hui si différents, si attrayants ? » est une œuvre de Richard Hamilton, un collage

considéré comme l'une des premières œuvres du Pop Art. Dans cette œuvre, on retrouve des thèmes qui sont les fondements

du Pop Art. On peut y voir des clichés de la culture populaire, industrielle, de la civilisation, de la ville, de la technologie et des

références directes à la société de consommation.

Autre artiste issu du Pop’art : Caddie est une sculpture de Duane Hanson qui fait partie du courant hyperréaliste*. Elle fut

créée dans les années 1970 (durant les Trente Glorieuse), à la naissance de la société de consommation.

Tom Wesselman : il a commencé à faire de petits collages de papier déchiré et a trouvé des documents, comme dans la petite Great

American Nudes de 1961-2. Ceux-ci ont abouti à de grandes compositions, agressives tels que Great American Nude n ° 3 (1961; Washington,

DC, Hirshhorn). Ces géants et natures mortes composées d'objets ménagers courants et collage d’ éléments puisés dans les images

publicitaires populaires, tels que Still Life # 20 (1962; Buffalo, NY, Albright-Knox AG), lui apporta la célébrité et la notoriété dans le paysage du

Pop Art . « Still life N°30, 1963 »

Le Pop’art* conteste les œuvres traditionnelles et utilise les images populaires issues de la publicité et des bandes dessinées.

L’objet de consommation devient le sujet des œuvres : Le Pop’art permet de mettre en évidence l’évolution de la société, de

plus en plus tournée vers la consommation et l’argent, contexte historique des années 60.

CONTEXTE – LE POP ART Le Pop art marque dès la fin des années 50 une réaction à l’expressionnisme abstrait* qui domine l’art

américain. Ce courant(Pop art) porte un regard nouveau sur un secteur de la production négligé jusqu’ici par les avant-gardes :

la BD, la pub, les journaux, le cinéma, les produits industriels de masse et leurs procédés de reproduction seront les objets

privilégiés de leur investigation.

5-Pourquoi les répétitions dans les images d’Andy Warhol ?

MOT-CLÉ – LA SÉRIGRAPHIE

Andy Warhol utilisait le procédé de la sérigraphie pour ces œuvres. Que ce soit chez Warhol, Lichtenstein ou Wesselmann, ce qui compte – tout autant que le contenu – c’est le procédé de reproduction, le medium. Le réel, selon eux, n’existerait pas en soi et n’aurait d’existence que par son image. La sérigraphie est une technique d’imprimerie surtout utilisée dans le domaine des industries graphiques comme la signalétique (panneaux routiers, autocollants), le textile, l’électronique (circuit imprimé) et la publicité. En effet, la sérigraphie utilise des écrans de soie interposés entre l’encre et le support et permet ainsi d’imprimer indéfiniment le sujet sans déformation, et sur de nombreuses matières pas nécessairement plates. Les photos sont en noir et blanc, l’artiste colore le fond de la toile, puis imprime le sujet dénué de tout détail superflu pour le rendre plus neutre. Ici, le portrait de Marilyn Monroe est simplifié au maximum afin de ne garder que l’essentiel. Andy Warhol voulait la reproduire immédiatement en grande quantité, comme dans une chaîne industrielle pour la grande distribution. Quant aux couleurs utilisées, elles sont vives jusqu’à saturation pour certains des portraits. De toute évidence, les couleurs sont utilisées pour attirer – voire choquer – l’œil.

Dans ses séries de portraits de Marilyn Monroe, Andy Warhol a voulu prouver que l’on pouvait faire de l’art un produit de

consommation courant et jetable. Alors qu’un portrait est destiné à être une pièce unique captant les traits précis d’un visage, le

caractère, la profondeur du regard, la Marilyn Monroe de Warhol devient un produit sans détail, une forme vide, reproduite

indéfiniment. Avec le travail sur la couleur, le visage paraît voilé, effacé. Par l’assemblage de ces portraits, tour à tour hauts en

couleurs, sombres ou saturés, allant jusqu’à faire disparaître en partie les traits du visage, l’artiste révèle la mort de l’image en

parallèle à la mort de la célébrité. En représentant des visages de Marilyn Monroe en série, alignés comme des bouteilles de

coca-cola dans un hypermarché, « Warhol indique que son visage n’est que la réfraction* du désir anonyme d’une multitude ».

(que peut signifier cette citation ?)Cette thématique de la dépersonnalisation des sociétés de masse contemporaines est très

présente dans son œuvre.

Green Coca-Cola Bottles , 209,55 x 144,78 cm, peinture à l'huile, 1962.

Avant Warhol, d’autres artistes ont employé la méthode des séries dans leurs œuvres :

Comme Claude Monet avec les séries des cathédrales (1892-94), les meules de foins (1890), qui ont été créées dans le but

d’étudier la lumière à différentes heures de la journée…

6- Continuité du mouvement Pop art avec certains artistes contemporains

POSTÉRITÉ – ART AS BUSINESS

Ils s’appellent Jeff Koons (1955)

La sculpture « Baloon Monkey (Orange) » de Jeff Koons exposée à New York avant une vente chez Christie’s le 11 novembre 2014 (RICHARD B. LEVINE/NEWSCOM/SIPA)

, Damien Hirst (1965)crématorium1996

, Takashi Murakami(1962),Carpet au chateau de versailles

et l’on dit d’eux que ce sont les héritiers d’Andy Warhol. On les appelle volontiers « artistes néo-pop » : ils ont en commun de partager avec Warhol ce goût de la célébrité et du business. « Gagner de l’argent est un art, travailler est un art, affirmait Warhol, et faire de bonnes affaires est du grand art ». En développant des stratégies médiatiques autour de leur propre personne, ces artistes sont devenus les principaux acteurs de l’art contemporain (exposition à la Tate Modern de Londres, » Pop Life, Art in a material world »). Leurs œuvres nous parlent des médias, de l’argent, de la notoriété.

Takashi Murakami fonde à la fin des années 80, avec d’autres artistes nippons, l’entreprise Hiropon Factory, rebaptisée plus tard Kaikai Kiki Corporation. Kaikai Kiki Corporation réalise et commercialise de nombreux produits dérivés des oeuvres de Takashi Murakami : un Monopoly, des peluches, des cartes postales, des badges, des tapis de souris, des chocolats… Derrière

l’oeuvre de Murakami se cache une vision critique de la société japonaise. L’artiste appelle cela le Superflat, ou théorie du Super-Plat, mettant sur le même plan culture populaire et culture d’élite.

Damien Hirst partage également cette « pensée » d’Andy Warhol, qui aimait répéter que « Good business is the best art ». Le père du pop art avait la Factory*. Hirst, lui, a fondé Science*, une véritable holding.

À noter que dans ses dernières années de vie, Andy Warhol va imposer d’autres artistes comme Keith Haring (1958-1990)

Silkscreen, 117x208 cm 117.00 x 208.00 cm

ou encore le très célèbre Jean-Michel Basquiat (1960-1988). Sans titre 1982

Il ira même jusqu’à peindre des œuvres en collaboration avec ce grand taggeur new-yorkais, preuve irréfutable de son côté altruiste…

7-Citations d’œuvres de Warhol dans d’autres domaines artistiques ou commerciaux ?

Document vidéo vu en classe : une image du clip Superbe clip produit par L’Ogre pour le goupe franco-americain Hold Your Horses 2011. Clip de 70 Million, chanson du groupe franco-americain Hold Your Horses ! Produit par L’Ogre, mettant en scène les membres du groupe dans un voyage à travers l’histoire de l’art. Les artistes de ce clip réutilisent le tableau de Marilyn de 1967 ; De façon humoristique ils se mettent en scène à la place des portraits, chaque individu du groupe maquillé se présente dans la même posture que Marilyn ici représentée dans le tableau de 1967.

En conclusion : Je vous ai proposé un point de vue globale du Mouvement Pop art, de sa création jusqu’aux

contemporains du XXIè siècle. Cette étude n’est pas exhaustive mais qu’un résumé sur le Pop’art et la Marilyn de

1967. Les élèves devront l’élargir dans leur démarche par des recherches personnelles. (conclusion personnelle à

travailler)

Vous pouvez donner votre point de vue personnel sur La Marilyn de 1967 (peut-être en confrontant une autre

œuvre du Pop art ou autre courant artistique que vous choisirez ?).

Question de l’œuvre qui relève du domaine de l’artistique ou pas ? (l’œuvre unique et l’œuvre reproduite

mécaniquement...Le fait que les œuvres d’Andy Warhol soient reproduites de façon mécanique, éloigne peut être

le savoir faire, la facture propre à l’artiste ?)

Le rôle de l’artiste dans notre société…

Pop’art* : Au début des années 60 les œuvres du Pop Art reflètent avec une certaine froideur d’exécution la société de consommation.

Hyperréaliste* : les artistes cherchent à reproduire la réalité dans le moindre détail L’expressionnisme abstrait* : Ces artistes traduisent leurs sentiments et impressions, suivant des techniques gestuelles diverses, qui

forment une peinture sans représentation du réel (notre entourage).

Factory* : était un atelier d'artiste célèbre situé à New York, ouvert par Andy Warhol le 28 janvier 1964. Le groupe The Velvet Underground s'y

produisit souvent. Le lieu servait à la production des œuvres pop art de Warhol. Science* : studio et galerie personnelle de Damien Hirst à Stroud, Angleterre

Avant-gardes : Le terme avant-garde désigne, depuis le XIXe siècle, des personnes qui entreprennent des actions nouvelles ou expérimentales,

en particulier dans les arts et la culture.

Facture* : manière, technique qui reflète le style de l’artiste.