17 ème Festival “Musiques-en-Vercors“

08 au 23 Août 2013 “La force du destin“

Dossier de Presse

Contact  :  Association  “Musiques-‐en-‐Vercors”  Mme  Nathalie  Meyer,  Présidente  

M.  Franck  Masquelier,  Directeur  artistique  Port  :  06.70.29.52.93  

E-‐mail  :  franck.masquelier@cegetel.net  Web  :  www.musiques-‐en-‐vercors.fr  

17ème Festival “Musiques-en-Vercors” La musique sur un plateau

Programmation

Pour la dix-septième année, les communes du plateau accueillent le Festival “Musiques-en-Vercors“. Depuis sa création, ce festival joue résolument la carte de l’éclectisme et de l’ouverture. Les lieux de concert deviennent le temps d’une soirée, un écrin pour la musique.

Cette édition “la force du destin“ proposera un kaléïdoscope musical, avec, la musique russe (les 11 et 12), la musique hispanisante des guitaristes (le 11), le jazz manouche (le 14), les compositeurs Verdi et Wagner (le 15) - dont nous fêtons le 200ème anniversaire de la naissance, et, la musique baroque (le 16). Deux concerts seront également consacrés aux musiques de films (les 10 et 17). La musique improvisée et les stagiaires de la 23ème Académie Musicale d’été de Villard-de-Lans seront comme chaque année en fil rouge du Festival.

De grands moments d’émotion en perspective.

Le fest ival “Musiques-en-Vercors“, vous pouvez y aller les yeux fermés, mais les oreilles grandes ouvertes.

Jeudi 08 Août 2013, Villard-de-Lans, maison du patrimoine, 18h30 Inauguration du Festival Trio Furioso Thierry Boiteux, Franck Masquelier, flûtes Adrien Maza, guitare

Le   trio   Furioso,   né   en   2009   de   la   rencontre   de   trois  artistes,  passionnés  de  musique  de   chambre  et  d’échanges  artistiques,  propose  une  invitation  à  un  voyage  musical  et  à  la  virtuosité  instrumentale.  

Ce   programme,   concocté   spécialement   pour  l’inauguration  du  Festival,   offrira  au  public  un  programme  aux  multiples  facettes  :    

Une   partie   baroque   et   classique   dans   laquelle   la  guitare   prend,   à   merveille,  par   l’imitation   de   ses  attaques  et  de  son  timbre,   le  rôle   concertant   et  

harmonisant  du  clavecin.  Les   flûtes,   quant   à   elles   seront   tour   à   tour   virtuoses,   légères,  

mélancoliques  ou  lyriques.  Une  autre  partie,  où  la  guitare  reprendra  ses  couleurs  espagnoles,  sera  

consacré  à  une  musique  davantage  rythmée,  et  dansante,  allant  de  mélodies  traditionnelles   espagnoles   au   tango   argentin,   en   passant   par   le   choro   et   la  bossa-nova  brésilienne.  

Le  tout  dans  des  arrangements  colorés  du  trio.  

- Georg-Friedrich Haendel (1685 - 1759) : Concerto grosso Op.6 n°12  - Wolfgang-Amadeus Mozart (1756 - 1791) : Andante en Fa Majeur KV616 - Giacchino Rossini (1792 - 1868) : Airs extraits de La Gazza Ladra et de Tancrède - Joaquin Turina (1882 - 1949) : 5 Danses bohémiennes op.55 - Astor Piazzolla (1921 - 1992) : Libertango - Celso Machado (né en 1953) : Pacoça (choro) et Sambossa (bossa nova)  - Franck Masquelier (né en 1965) : Festiv’ tango

Vendredi 09 Août 2013, Eglise de Corrençon-en-Vercors, 18h30 Bagatelles Ensemble “Musiques-en-Vercors” Franck Masquelier, flûte   Bernard Quilot, hautbois Eric Belleudy, clarinette Joël Jody, cor Serge Fustin, basson

Bien   qu’il   y   ait   eu   ne   nombreuses   exceptions   à  travers   l’histoire   de   la   musique,   l’effectif   habituel   du  quintette   .à   vent,   depuis   environ   1800,   est   :   flûte,  hautbois,  clarinette,  basson  et  cor.  

Rosetti   et   Cambini   furent   parmi   les   premiers   à  composer   pour   cette   formation,   mais   le   quintette   à  vent   ne   devint   un   genre   établi   qu’à   partir   des   24  quintettes   d’Antoine   Reicha   et   des   9   quintettes   de  Franz  Danzi  (composés  entre  1820  et  1824).  

L’intérêt  pour  le  quintette  à  vent  s’affaiblit  ensuite  durant   le  XIXème  siècle.  Le  genre  connut  ensuite  un  vif  regain  d’intérêt  au  début  du  XXème  avec  entre  autres,  la  Kleine  Kammermusik  de  Paul  Hindemith  en  (1922),  le  Quintette  de  Carl  Nielsen  (1922)  et  le  Quintette  d’Arnold  Schoenberg  (1923-‐24).  Cet  engouement  ne  s’est  plus  démenti  par  la  suite  et  les  plus  grands  compositeurs  du  XXème  siècle  ont  ensuite  abordé  le  genre.  

Le   Quintette   à   vent   de   l’ensemble   “Musiques-‐en-‐Vercors“,  ensemble   de   haute   volée,   proposera   au   public   du   Festival   un  programme  à  la  fois  brillant  et  original.  

Parmi   les   curiosités,   une  œuvre   de   Guido   Briccialdi,   flûtiste  virtuose   italien   du   XIXème   siècle   ayant   écrit   un   quintette   aux  accents  très  “verdiens  “.  

Même   si   les   danses   hongroises   de   Ferenc   Farkas   figurent  désormais  dans   les  grands  classiques  de  cette   formation,  elles  en  restent   néanmoins   tour   à   tour   chatoyantes,   virtuoses   ou  mélancoliques  et  lyriques.  

Les  trois  Shanties  de  Sir  Malcolm  Arnold,  écrites  en  1943,  offrent  un  divertissement  aussi  bien  pour  l’auditeur  que  pour  le  lecteur    

Le   marin   ivre   dans   le   premier   mouvement   est   brillamment  dépeint   dans   les   différentes   étapes   de   l'intoxication.   Il   poursuit   ses  tresses  dans  un  canon  à  la  tierce  mineure,  développe  des  hoquets,  se  trouve  dans  un  état  de  remords,  sur   les  rives  de   l'Amérique  du  Sud,  danser  le  tango  à  une  tonalité  mineure,  mais  finalement,  il  se  ressaisit  et  se  présente  au  travail,  presto  ben  marcato.  

L'écriture  de  ces  instruments  est  de  couleur  vive  tout  au  long  de  la  pièce.  Dans  ce  type  de  travail  Arnold  est  à  son  meilleur.  

Les  six  bagatelles  de  Ligeti  ont  été  achevées  alors  que  le  compositeur  était  encore  en  Hongrie,  l’un  des  pays   de   l’Est     dont   le   régime   demandait   aux  musiciens   une  musique   convenue   de   chant   choral   au   style  populaire.   Ligeti   ne   s’y   est   cependant   pas   restreint  :   cette   œuvre   condamnées   par   les   autorités   comme  musique   dégénérée   témoigne   de   ses   recherches   en  matière   de   composition,  même   si   elles   apparaissent  modestes  en  comparaison  à  ce  qui  se  faisait  en  Occident.  

Ainsi,  bien  que  son  répertoire  soit  moins  vaste  et  moins  connu  que  celui  du  quatuor  à  cordes,  le  quintette  à  vent  est  un  genre  très  riche  qui  réserve  au  curieux  de  nombreuses  surprises…  

- Guido Briccialdi (1818 - 1881) : Quintette à vent n°1 en Ré Majeur (10’) - Ferenc Farkas (1905 - 2000) : Cinq Danses hongroises (11’) - Malcolm Arnold (1921 - 2006) : Three Shanties (9’) - Anatol Konstandinovitch Liadov (1855 - 1914) : Huits Chants Russes (13’) - György Ligeti (1923 - 2006) : Six Bagatelles (13’)

Samedi 10 Août 2013, Eglise de St-Julien-en-Vercors, 21h00 Impromptu Dorothée Cornec, harpe

Si   les   premières   représentations   de   harpes   connues  datent  de  la  civilisation  sumérienne,  l’instrument  devrait  en  rester   à   ses   balbutiements   jusqu’à   la   fin   du   XVII°   siècle,  alors   que   des   facteurs   tyroliens   revoient   en   partie   son  accord   et   que   les   pédales   permettent   d’effectuer   des  modulations.   Le   succès   est   presque   immédiat,   surtout   en  France,  grâce  aux  perfectionnements  d’Erard.  

Si   les   harpistes  s’approvisionnent   d’abord   dans   le  répertoire   de   luth   et   de   clavecin,   la  littérature   conçue   spécialement  pour  cet   instrument   deviendra   bientôt  florissante   (notamment   grâce   à   Elias  Parish-‐Alvars   (1808   -‐   1849)   en  Angleterre   et   François-‐Joseph   Nadermann   (1773   -‐   1835)   en   France   et  atteindra   des   sommets   au   XX°   siècle.   La   harpe   est   donc   un   instrument  magique  et  féerique.  

Ce   récital   souhaite   tracer  un  portrait   des  possibilités   de   l’instrument,   tant   au  niveau  de   la  résonance,  du  volume  sonore,  des  contrastes  que  des  effets  particuliers.  Afin  que  la  magie    de  cet  instrument  arrive  à  tous  publics,  Dorothée  Cornec  a  donc  choisi,  un  programme  original  et  varié  allant   de   la   musique   baroque   (Scarlatti,   Rameau)   à   Debussy,   afin   de   faire   connaître   la   harpe  différemment.....  

Dorothée Cornec (harpe) : Après avoir débuté la harpe au Conservatoire Municipal d’Obernai

(67), dans la classe de Marion Navarro, Dorothée Cornec rentre au Conservatoire National de Région de Dijon(21), dans la classe de Françoise Lucotte, où elle obtiendra le Diplôme d’Etudes Musicales, avec deux premiers prix de harpe et musique de chambre. Elle se perfectionne alors au Conservatoire National de Troyes (10) avec Béatrice Guillermin, où elle sera récompensée par un Diplôme de Perfectionnement. Elle entre alors dans la classe de Fabrice Pierre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon. Elle y sera récompensée en 2008, par un Premier Prix, de harpe, mention très bien.

Elle commence alors une brillante carrière de musicienne d’orchestre avec l’Orchestre Symphonique de l’Aube, dirigé par Gilles Milllière, la Camerata de Bourgogne, dirigé par Thierry Caens, l’Orchestre de la Garde Républicaine, l’Ensemble Orchestral de Beaune, l’Orchestre Duo-Dijon. Parallèlement, elle se produit en récital solo, et en duo avec flûte en France.

Passionnée par l’enseignement et titulaire du Diplôme d’Etat de harpe, Dorothée Cornec est professeur de harpe au Conservatoire à Rayonnement Intercommunal de Beaune (21), et a également enseigné au Conservatoire à Rayonnement Régional de Dijon (21) et au Conservatoire à Rayonnement Communal de Pontarlier (25).

Au programme : - Domenico Scarlatti (1685 - 1757) : Sonates pour harpe K 208 et K 113 - Jean-Philippe Rameau (1683 - 1764) : Egyptienne, extrait du Troisième Livre pour clavecin - Ludwig Spohr (1784 - 1859) : Fantaisie en do m Op. 35, pour harpe - Félix Godefroid (1818 - 1887) : Danse des sylphes, caprice de concert Op. 86 - Gabriel Fauré (1845 - 1924) : Impromptu en Ré b Majeur Op.86, pour harpe - Nicolas Bochsa (1789 - 1856) : Etude de concert n°10 - Claude Debussy (1862 - 1918): Clair de lune, pour harpe

Dimanche 11 Août 2013, Maison du Patrimoine - Villard-de-Lans, 11h00 Fandango

Adrien Maza, guitare Pascal Pacaly, guitare Benjamin Thiériot, guitare

Les   guitaristes   concertistes   Adrien   Maza,   Benjamin  Thiériot  et  Pascal  Pacaly,  habitués  du  Festival  “Musiques-‐en-‐Vercors“,   nous   proposeront   un   concert   de   grande   facture  dans  un  programme  qui  rendra  particulièrement  hommage  à  la  musique  espagnole,  pays  de  la  guitare  s’il  en  est,  ainsi  que  plusieurs  morceaux  de  musique  sud-‐américaine,  en  miroir.  

Les  premières  traces  connues  d’instruments  similaires  à  la  guitare  remontent  à  3000  av.  J.-‐C.  environ  en  Perse.  Étymologiquement,   le   mot   “guitare“   est   une   combinaison   de   deux   mots  :   Guit   qui   provient   du   sanskrit   Sangîta  [réf.  nécessaire]   signifiant   “musique“,   et   la   seconde   partie   târ,   purement   persan   et   qui   signifie   “corde  “.   Le   sanskrit  était   initialement   une   langue   des   Aryens,   habitants   de   l’Iran   et   du  Nord-‐Ouest   de   l’Inde.   le  mot   “guitare“   n’est   pas  dérivé  du  mot  sitar,  qui  désigne  un  instrument  à  cordes,  mais  est  peut-‐être  passé  par  le  mot  grec  kithara  κιθάρα,  et  de  façon  presque  certaine  par  l’arabe  qîtâra,  puis  l’espagnol  guitarra.  

Ce   sont   les   Maures   qui   apportèrent   les   premières   guitares   en   Europe,   en   Espagne   au   xe  siècle.   La   forme  moderne   est   apparue   dans   ce   pays,   après   différentes   évolutions   des   guitares   latines   et  mauresques,   sans   doute   en  passant  par  la  vihuela.  Bien  que  voisine  du  luth,  elle  constitue  une  famille  différente  et  leurs  évolutions  sont  distinctes.  

La  guitare  connut  une  vogue  extraordinaire  en  Europe  du  Nord  pendant   le  premier  tiers  du  xixe  siècle,  qui   fit  parler  de  guitaromanie,  avant  d'être  éclipsée,  comme  instrument  domestique  et  de  salon,  par  le  piano,  tandis  que  son  faible  volume  sonore  lui  interdisait,  en  pratique,  le  concert.  

C’est   le   luthier  espagnol  Antonio  de  Torres,   en  1874,  qui  donna  à   la  guitare   la   forme  et   les  dimensions  de   la  guitare  classique  actuelle.  De  nombreuses  déclinaisons  ont  été  créées  au  xxe  siècle  à  partir  de  cette  guitare  Torres.  

Christian   Frederick   Martin,  un  luthier  allemand  émigré  en  1833  aux   États-‐Unis,   créa   une   ligne  d'instruments   qui,   après   la  conversion   aux   cordes   métalliques  au  début  du  xxe  siècle,  est  à  l'origine  des   guitares   folk.   Dans   le   même  pays,   la   firme   fondée   par   le   luthier  Orville  Gibson  adapta  à   la  guitare   la  forme   convexe   du   violon,   avec   un  cordier   séparé   du   chevalet.  L'invention   de   la   guitare   électrique,  vers   1930,   donna   un   nouveau  développement   à   l'usage   de  l'instrument.  

Au programme : - Isaac Albeniz : Cordoba - Luigi Boccerini : Fandango (extrait du Quintette) - Jorge Cardoso : Milonga - Enrique Granados : Intermezzo et Zarabanda - Ernesto Nazareth : Bamboino - Maximo Diego Pujol : Café para dos …

Dimanche 11 Août 2013, Eglise de St-Martin-en-Vercors, 18h30 Ode à la Russie (les tableaux d’une exposition) Lundi 12 Août 2013, Eglise de Villard-de-Lans, 21h00 Ensemble “Musiques-en-Vercors” Thierry Boiteux, flûte Cédric Imbert, flûte et piccolo   Bernard Quilot, hautbois Eric Belleudy, clarinette Serge Fustin, basson Joël Jody, cor Marie-Christine Belleudy, violon Anoulay Valentin, violon Andréa Garnier, violon Véronique Desloges, alto Romain Hugon, violoncelle Isabelle Vuarnesson, violoncelle Sylvain Courteix, contrebasse Philippe Cornus, percussions Franck Masquelier, flûte et direction

L’ensemble   éponyme   du   Festival   “Musiques-‐en-‐Vercors“  proposera  un  programme  hommage  à  la  musique  russe,  avec  une  œuvre   phare   du   répertoire   “Les   tableaux   d’une   exposition“   de  Moussorgski,   dans   une   version   orchestrée   spécifiquement   pour  l’ensemble  et  le  Festival  par  Jacques  Desloges.  

Les  Tableaux  d'une  exposition,  est  une  “série  de  dix  pièces  pour  piano“  composée  par  Modeste  Moussorgski  1874.  L'œuvre  est  dédiée  à  Wladimir   Stassoff.   Instrumentée   et   transcrite   de   multiple   façons,   la  version  pour  orchestre  symphonique  la  plus  jouée  et  la  plus  enregistrée  est   l'orchestration   faite   par   Maurice   Ravel   et   interprétée   pour   la  première  fois  à  Paris,  en  1922.  

Inspirées   par   une   exposition   du   peintre   Victor   Hartmann,   un   ami   du   compositeur   décédé   un   an  auparavant,   seuls   six   tableaux   présenté   dans   l'œuvre   subsistent   de   nos   jours  :   un   dessin   de   costume  d'oisillon   (Ballet   des   poussins),   deux   portraits   de   juifs   (Goldenberg   et   Schmuyle),   une   aquarelle   des  catacombes  de  Paris  (Catacombes),  une  représentation  de  la  maison  de  Baba  Yaga  (La  cabane  sur  des  pattes  de   poule),   le   plan   d'une   porte   monumentale   (Porte   de   Kiev).   Les   différentes   pièces   sont   précédées   d'un  prélude  et  entrecoupées  de  promenades  symbolisant  la  déambulation  du  visiteur  entre  chaque  tableau.  

En  première  partie  sera  joué  le  Quatuor  à  cordes  nº  2  en  ré  majeur  d’Alexandre  Borodine.  C’est   le  plus  connu  des  deux  quatuors  à  cordes  composés  par  Borodine   grâce   au   troisième  mouvement   lent   “notturno“  qui  assura  sa  renommée.   Il  est  créé   le  9  mars  1882  à  Saint-‐Pétersbourg  par  le  quatuor-‐résident  de  la  société  russe  de  musique  avec  le  violoniste  Nicolas  Galkine.  

Anatoly  Liadov    est  souvent  désigné  comme  le  maître  russe  de  la  miniature  musicale   à   cause   de   sa   prédilection   pour   le   format   bref.   Ses  Huit   chansons   populaires   russes   de   1906   n’échappent   pas   à   la   règle.  Transpositions   raffinées   de   chants   folkloriques,   elles   portent   dans   leur  écriture   orchestrale   la   marque   laissée   quelque   trente   ans   plus   tôt   par  Rimski-‐Korsakov  sur  Liadov,  alors  son  élève  au  Conservatoire  de    Saint-‐Pétersbourg.   Liadov     exploite   cette   fois   le   modalisme   et   les   tournures  mélodiques  si  particulières  des  chants  folkloriques  pour  en  faire  des  miniatures.  Ces  huit  pièces,  de  quelques  minutes  à  peine  chacune,  sont  autant  de  pages  colorées  allant  de  la  danse  endiablée  à  la  berceuse  alanguie,  ou  de  la  mélopée  langoureuse  aux  pépiements  joyeux    dans  une  écriture  pleine  de  raffinement.  

L’Ensemble   “Musiques-en-Vercors“   au   grand   complet   se   fera   un  plaisir   de   partager   avec   le   public   du  Festival  sa  vision  novatrice  de  ses  œuvres  incontournables.  

- Anatoly Konstandinovitch Liadov (1855 - 1914) : Huits chants russes (13’) - Alexandre Borodine (1833 - 1887) : Quatuor à cordes n°2 en Ré Majeur (20’)  - Modeste Petrovitch Moussorgski (1839 - 1881) : Les Tableaux d’une exposition (orchestration Jacques Desloges) (35’)  

Mardi 13 Août 2013, Eglise de St-Julien-en-Vercors, 21h00 Carte blanche Philippe Cornus, percussions avec des invités surprises

Philippe   Cornus,   nous   propose   un   concert   énergisant,  autour  de  différents  morceaux  de  son  “cru“.  

Percussionniste   charismatique   et   investi,   nous   invite   à  un  concert   découverte   des   percussions,   offrant   un   voyage   dans   le  monde   des   innovations   sonores   instantanées,   inscrites   dans  notre  mémoire   collective.   Il   nous   enveloppera   de   ses   sonorités  dynamiques  et  envoûtantes.  

Un  mélange  coloré,  savoureux  et  chaleureux  qui  donnera  à  ce  moment  intense  un  parfum  estival  et  festif.  

Philippe Cornus (percussions) : Philippe   Cornus   découvre   la   musique   et   les  

percussions   dans   un   cadre   familial,   dans   lequel   il   se  produit  lors  de  concerts  festifs  en  jazz.  Lien  entre  oralité  et  l'écrit,   improvisation,   expériences   pluridisciplinaires   et  théâtralité  du  musicien,  vont  désormais  être  les  mots  clés  de  sa  démarche  et  de  son  parcours  artistique.  

Tout   en   se   formant   au   Conservatoire   National   de  Région   d'Avignon   (84),   notamment   avec  André   Jaume   en  Jazz,  et  au  Conservatoire  National  de  Région  de  Versailles  (78)  avec  Sylvio  Gualda,  il  multiplie  les  collaborations  avec  des   structures   prestigieuses   (Orchestre   National   de  l'Opéra   de   Paris,   Orchestre   Symphonique   Lyrique  d'Avignon,  Chorégies  d'Orange)  et  obtient  des  distinctions  dans   différents   concours   (Grand   Prix   Tremplin   Jazz  d'Avignon,   lauréat   du   Concours   International   T.I.M   de  Rome).  

Défricheur   de   nouveaux   champs   d'expression,   intégrant   la   dimension   théâtrale   dans   son   jeu,  passionné  par  les  aventures  interdisciplinaires,  il  participe  à  de  nombreuses  performances  dans  le  cadre  de  collectifs   d'artistes   (Théâtre   de  Gagny,  Marathon   artistique  de   l'Isle   sur   la   Sorgue,   Théâtre  de   l'Etoile   du  Nord   à   Tunis,   Musée   d'arts   américain   de   Giverny,   Maison   des   Métallos   à   Paris   ...),   notamment   avec   les  metteurs   en   scène   Nicolas   Slawny   de   la   Compagnie   Brouill'arts   et   Richard   Dubelski,   la   chorégraphe  italienne   Giovana   Velardi,   les   musiciens   Alexandre   Tharaud,   Eric   Lesage,   Christophe   Monniot,   Philippe  Deschepper,  Wilfried  Wedling,  Jean-‐François  Ziegel  ...  

Philippe  Cornus  a   été  membre  de   l'ensemble  Laborintus  de  2003  à  2011  et   est  percussionniste  du  Trio  Suo  Tempore.   IL   se  produit   également  au   sein  des  ensembles  de  musique  d'aujourd'hui   comme  Ars  Nova,  TM+  ou  Court  Circuit,  et  est  percussionniste  de  l’Orchestre  de  Besançon-‐Franche-‐Comté.  

Titulaire   du   Certificat   d'Aptitude,   il   développe   une   réflexion   pédagogique   sur   l'enseignement   de   la  percussion   contemporaine   :   une  pratique  ouverte   sur   les  musiques   savantes   et   populaires   liant   l'écrit   et  l'oralité,   le   geste   musical   et   le   travail   scénique.   Il   est   actuellement   Professeur   de   percussions   au  Conservatoire  à  Rayonnement  Régional  de  Besançon  (25).  

Mercredi 14 Août 2013, Bibliothèque de Lans-en-Vercors, 17h00 Passion flûte

Cédric Imbert, piccolo, flûte, flûte alto, traverso

L’artiste   Cédric   Imbert,   nous   propose   un   récital   commenté,  spécialement   concocté   pour   le   Festival,   autour   de   la   famille   des  flûtes   traversières,   du   piccolo   à   la   flûte   alto,   en   passant   par   le  traverso  baroque.    

“La   flûte   est   par   excellence   l'instrument   de   la   Musique,   cela  parce  qu'animée  par  le  souffle,  émanation  profonde  de  l'homme,  la  flûte   charge   ses   sons   de   ce   qui   est   en   nous   d'à   la   fois   viscéral   et  cosmique.“  André  Jolivet  

C'est  en  France  et  au  XVIIème  siècle  que   les   premiers   perfectionnements   sur   la  flûte   traversière   furent   réalisés.   On   jouait  de   la   flûte   jusque   dans   la   campagne.   C'est  Lully  qui,  le  premier,  écrivit  spécifiquement  pour   flûte   traversière,   l'introduisant   à  l'Opéra.    

Au   XVIIIème   siècle,   de   nombreux   flûtistes   français   consacrent   à   cet  instrument  compositions  et  traités.  Si  Scarlatti  se  défie  des  instruments  à  vent,  et  ne  consent  qu'avec  peu  d'empressement  à  recevoir  le  fameux  Johann  Joachim  Quantz,   célèbre   flûtiste   et   professeur   de   Frédéric   II,   Jean-‐Sébastien   Bach,   au  

contraire,  emploie  impartialement  la  flûte  traversière  et  la  flûte  à  bec.    

Elles   évoquent,   des   pensées   tour   à   tour   aimables,   élégantes   ou   attendries.  Dans  l’orchestre,  les  caractères  dominants  de  ces  instruments  sont  la  légèreté,  une  certaine  froideur  éthérée,  quelque  chose  d'ailé  et  de  flottant,  où  se  décolore  le  reflet  des  sentiments  humains,  transposés  dans  le  domaine  du  surnaturel.  La  musique  en  est  liquide,  aérienne,  impondérable.  

Au   XX°   siècle,   de   nombreux   compositeurs   écrivent   pour   cet   instrument  :  Debussy,   Dutilleux,   Enesco,   Hindemith,   Ibert,   Jolivet,   Martinu,   Messian,   Poulenc,  Prokofiev,  Ravel,  Roussel,  Varèse  …  

Cédric Imbert (flûtes) : Cédric   Imbert   a   étudié   la   flûte   traversière  dans   les  Conservatoires  Nationaux  de  Région  de  Marseille   (13)   et  

Rueil-‐Malmaison  (13)  auprès  de  Jean-‐Louis  Beaumadier  et  Philippe  Pierlot.  Après  avoir  obtenu  des  médailles  d’or  à  l’unanimité  en  flûte  et  musique  de  chambre  et  un  prix  de  virtuosité,  il  se  forme  pour  l’enseignement  au  Cefedem-‐Sud  et  se  perfectionne  auprès  de  Michel  Bellavance  et  Sarah  Rumer  à  Genève.  Titulaire  du  Diplôme  d’Etat  de  professeur,  il  obtient  son  diplôme  de  virtuosité  S.S.P.M.  en  2011  à  Saint-‐Légier  (Suisse).  

Actuellement,  piccolo  solo  de   l’Orchestre  de  Besançon-‐Montbéliard-‐Franche-‐Comté,   il  enseigne  la  pratique  de  son   instrument   dans   le   département   du   Jura.   Cette   activité   d’enseignant   lui   a   permis   de   prendre   des   postes   à  responsabilités  de  directeur  d’école  de  musique  associative  et  de  directeur  d’orchestre  d’harmonie.  

Régulièrement   invité   par   l’Orchestre   Lyrique   de   Région   Avignon-‐Provence   et   l’Ensemble   Télémaque   (son  premier  disque  (réf.  Lyrinx  2209)  a  été  récompensé  par  les  critiques  musicaux),  il  est  membre  de  l’Ensemble  Ariolica  et   de   l’Ensemble   Orchestral   de   Champagnole.   Egalement   membre   fondateur   de   plusieurs   groupes   de   musique   de  chambre  (duo   flûte  et  piano  Au  salon  musical,  duo   flûte  et  guitare  Con  Fuoco,  quintette  à  vents  Quint’etsens  et   trio  flûte-‐chant-‐piano),  il  a  joué  en  soliste  le  concerto  en  Ré  mineur  de  C.P.  E.  Bach,  le  concerto  en  Ré  mineur  pour  flûte  et  violon   d’A.   Vivaldi,   la   suite   en   Si   mineur   de   J.S.   Bach   et   le   concerto   de   M.   Thiriet.   Il   a   participé   à   un   deuxième  enregistrement  “Pastoral,  Jean-‐Louis  Beaumadier  &  friends”  paru  en  2011  chez  Skarbo  

Au programme : - Jean-Sébastien Bach (1685 - 1750) : Partita en la mineur pour traverso - Johann Stamitz (1717 - 1757) : Sonate en La Majeur (extrait) - Pierre-Octave Ferroud (1900 - 1936) : 3 pièces pour flûte seule - Pierre-Agricole Genin (1832 - 1903) : Fantaisie sur Il pleut bergère, pour piccolo - Toru Takemitsu (1930 - 1996) : Voice, pour flûte seule

Mercredi 14 Août 2013, Eglise de Corrençon-en-Vercors, 18h30 Bossa Dorado Les Tontons Swingueurs Jérémy Turpin, saxophones, Julien Andela, guitare soliste Sébastien Bluriot, guitare rythmique Arnaud Gauby, contrebasse

Basés  à    Lyon,  la  formation  des  Tontons  Swingueurs  a  vu   le   jour   autour   d  ‘une   passion   commune   de   quatre  musiciens  autour  du  jazz  manouche.  

Cette  musique  unique  née  de   la  rencontre  de   la  culture  du   jazz   américain   et   des   tziganes,   à   la   fois   fougueuse   et  virtuose,  mais  si  sensible  et  pleine  de  poésie.  

Initiée   par  Django  Reinhardt,   considéré   comme  un   des  plus   grands   musiciens   de   jazz   du   XX°   Siècle,   sa   musique   a  laissé  un  vaste  héritage,  dont  on  ne  cesse  de  s’inspirer.  

Entre   arrangements   personnels   des   standards   et  reprises   de   morceaux   traditionnels   gitans,   la   formation  pérennise  à  sa  manière  cette  flamme  du  swing  manouche.  

   La   formation   se   compose  

de  Sébastien  Bluriot  à  la  guitare  rythmique  qui   nous   délivre   cette   fameuse   “pompe  manouche“   énergique   et  sans  failles  et  de  Arnaud  Gauby  à  la  contrebasse  pour  qui  le  walking  bass  n’a  plus  de  secrets.  

 Viennent   s’ajouter   les   mélodies   cuivrées   de  

Jérémy   Turpin   aux   saxophones,   tout   en   nuance   entre   riffs   fougueux   et   douces  mélopées,  secondé  par  Julien  Candela  à  la  guitare  soliste,  dont  les  doigts  tricotent  les  arpèges  virtuoses  avec  cette  attaque  si  particulière  propre  au  style.  

 Le   Quartet   offre   une   musique  

énergique   et   passionnée   autour   d’un  répertoire   varié.   Compositions   du   maître  Django   Reinhardt,   standards   jazz   et   bossa  nova   à   la   sauce   ton,   valses   manouches.  Equipés   de   guitares,   contrebasse   et  saxophone,   leur   travail   est   impressionnant  de  maîtrise  …  

 Au programme :

- Dorado Schmitt : Bossa Dorado - Saul Chaplin / Al Jolson : Anniversary Song - Django Reinhardt : Dinette - Duke Ellington : In a sentimental mood - David (traditionnel) - Joseph Colombo / Tony Murena : Indifférence - Angelo Debarre : Blues for Raangy - Vente anos (Buena Vista Social Club) - Benny Davies / Con Conrad : Margie - Django Reinhardt : Anouman - Django Reinhardt : Django’s Tiger - Stochelo Rosenberg : For Sephora - Philippe Braham/Douglas Furber : Limehouse blues - Lulu Reinhardt : Lulu Swing) - Angelo Debarre : Manège - Joseph Joseph (Traditionnel)

Jeudi 15 Août 2013,  Eglise d’Autrans, 21h00 La force du destin Ensemble “Musiques-en-Vercors” Thierry Boiteux et Cédric Imbert, flûtes -  Bernard Quilot, hautbois Eric Belleudy, clarinette - Serge Fustin, basson - Joël Jody, cor Marie-Christine Belleudy, Anoulay Valentin et Andréa Garnier, violons Véronique Desloges, alto - Romain Hugon et Isabelle Vuarnesson violoncelles Sylvain Courteix, contrebasse - Philippe Cornus, percussions Franck Masquelier, direction

Dans   le   cadre   du   200ème   anniversaire   de   la   naissance   de  Giuseppe  Verdi  et  Richard  Wagner,  le  Festival  rendra  un  hommage  à  ces  deux  compositeurs  majeurs  de  l’histoire  de  la  musique.  

Richard  Wagner  (1813-‐  1883)  occupe  une  place  importante  dans  l'histoire   de   la  musique   occidentale   par   l'intermédiaire   de   ses   opéras,  dont  il  compose  en  général  lui-‐même  à  la  fois  la  musique  et  le  livret,  en  particulier  Tristan  und   Isolde,   considéré   comme   le   point   de  départ   des  principales  avancées  que  connaîtra  la  musique  au  xxe  siècle  et  L'Anneau  du  Nibelung,   festival   scénique  en  un  prologue  et   trois   journées,  dont   la  conception  bouscule  délibérément  les  habitudes  de  l'époque  pour  aller,  selon  ses  propres  termes,  vers  un  “art  total“  :  spectacle  complet,  mélodie  continue  et  emploi  du  leitmotiv.  

Sa  vie  bohème  et  fantasque  lui  fait  endosser  de  multiples  habits  :  révolutionnaire  sans  le  sou,  fugitif  traqué  par  la  police,  homme  à   femmes,   confident   intime  du  roi  Louis   II  de  Bavière,   critique  et  analyste  musical,   intellectuel  en  proie  aux  errements  idéologiques  de  son  époque  qui  sera  récupéré,  après  sa  mort  et  dans  un  contexte  différent,  par  les  nazis  ;  son  comportement  et  ses  œuvres  laissent  peu  de  gens  indifférents.  Aussi  doué  pour  nouer  des  amitiés  dans  les  cercles   artistiques   et   intellectuels   que   pour   les   transformer   en   inimitiés,   sachant   créer   le   scandale   comme  l'enthousiasme,   il   suscite  des  avis  partagés  et   souvent  enflammés  de   la  part  de   ses   contemporains.   Ses   conceptions  artistiques  avant-‐gardistes  ont  eu  une  influence  déterminante  dans  l'évolution  de  la  musique  dès  le  milieu  de  sa  vie.  

À   l'égal  de  Giuseppe  Verdi,  mais  au  style   radicalement  différent,   il   est   considéré  comme   l'un  des  plus  grands  compositeurs  d'opéras  du  xixe  siècle.  

 L’œuvre   de   Giuseppe   Verdi   (1813   -‐1901),   composée  

essentiellement   d’opéras,   unissant   le   pouvoir  mélodique   à   la   profondeur  psychologique   et   légendaire,   est   une   des   plus   importantes   de   toute  l'histoire  du  théâtre  musical.  

Verdi   est   l’un   des   compositeurs   d’opéra   italien   les   plus   influents   du  xixe  siècle,  influence  comparable  à  celle  de  Bellini,  Donizetti  et  Rossini  mais  dans  la  deuxième  moitié  du  siècle.  Ses  œuvres  sont  fréquemment  jouées  dans  les  maisons  d’opéra   du   monde   entier   et,   dépassant   les   frontières   du   genre,   certains   de   ses  thèmes  sont  depuis  longtemps  inscrits  dans  la  culture  populaire  comme  “La  donna  è   mobile“   de   Rigoletto,   le   “Brindisi“   de   La   Traviata,   le   chœur   “Va,   pensiero“   de  Nabucco,   le   “Coro  di   zingari  d'   Il   trovatore   ou   la   “Marche   triomphale“  d'Aida.   Les  opéras  de  Verdi   dominent   encore   le   répertoire  de   l'art   lyrique  un   siècle   et   demi  après  leur  création.  

Visionnaire   et   engagé   politiquement,   il   demeure,   aux   côtés   de   Garibaldi   et   Cavour,   une   figure  emblématique  du  processus  de  réunification  de  la  péninsule  italienne,  le  Risorgimento.  

  Au programme : - Richard Strauss (1864 - 1949) : Till l’Espiègle, opus 28 - Richard Strauss (1864 - 1949) : Romance pour violoncelle et ensemble instrumental - Richard Wagner (1813 - 1883) : Siegfried Idyll, pour ensemble instrumental - Giuseppe Verdi (1813 -1901) : Ouverture de “La force du destin“, pour ensemble instrumental (transcription Franck Masquelier) - Giuseppe Verdi (1813 -1901) : airs extraits de La Traviata, Rigoletto, Un bal masqué (transcriptions : Franck Masquelier)

Vendredi 16 Août 2013, Place de la Mairie - Corrençon-en-Vercors, 18h30 Le cor dans tous ses états

Joël Jody, cor avec la participation des stagiaires de la classe de cor de la 23ème Académie Musicale

Le   cor   d'harmonie   (French   horn   en   anglais)   est   un  instrument  à  vent  de  la  famille  des  cuivres.  Il  est  caractérisé  par   son   embouchure   et   sa   perce   conique   qui   lui   confère   un  son  doux  et  riche  en  harmoniques.  

Le   cor   est   un   instrument   qui   a   beaucoup   évolué   au  cours  des  siècles.  Les  dénominations  de  cor  de  chasse,  cor  à  pistons,   cor   d'harmonie,   cor   naturel,   cor   simple   (parfois  improprement   utilisées)   désignent   un   même   instrument,   le  cor,  à  divers  degrés  d'élaboration,  à  divers   lieux  et  époques,  où  son  emploi  pouvait  différer  de  celui  que  nous  connaissons  aujourd'hui.  

Le   cor   moderne   ou   cor   d'harmonie   est   présent   dans   les   orchestres   symphoniques,   de   nombreux  ensembles  de  musique  de  chambre  et  dans   les  orchestres  d'harmonie  ;   il  est  par  ailleurs  souvent  sollicité  dans   les  musiques   de   films   de   toutes   sortes,   pour   les   dessins   animés   et   les   bruitages.   Il   est   utilisé   plus  rarement  dans  le  jazz.  

L'embouchure  du  cor  est  de  petite  taille  et  de  forme  intérieure  conique,  différente  de  celles  de  la  trompette  et  du  trombone  qui  sont  hémisphériques  et  plus   larges.  Cette   forme  conique  se  retrouve  tout   le   long  du  tube   jusqu'au  niveau  du  pavillon,   tout  comme   le   sont   le   cornet  à  piston  ou   les  saxhorns.  Cette  perce  donne  de   la  douceur  au  son,  contrairement   à   la   perce   cylindrique   des   cuivres   comme   la   trompette,   qui   produit   un   son   plus   brillant.   Le   cor   est  souvent  perçu  pour  son  timbre.  

Joêl   Jody,   avec   les   stagiaires   cornistes  de   la  23ème  Académie  Musicale   d’été   de   Villard-‐de-‐Lans   proposera  un   programme   festif,   afin   de   découvrir   la   famille   et   le  répertoire   de   cet   instrument   finalement   méconnu,   en  solo  ou  en  ensemble.  

Joël Jody (cors) :  

Né  à  Nantes  en  1964,  Joël  Jody  commence  l'étude  du  piano  à  l'âge  de  7  ans.  Après  quelques   années,   tout   en   continuant   cet   instrument,   il   débute   le   Cor   avec   Jacky  Magnardi  au  Conservatoire  du  IXe  Arrondissement  de  Paris,  où  il  obtient  en  1985  un  Premier  Prix  de  Cor.  Il  entre  l'année  suivante  au  Conservatoire  National  de  Région  de  Boulogne   Billancourt   dans   la   classe   de   Jacques   Adnet.   Il   obtiendra   également   un  Premier  Prix  de  Cor  en  1986.  

Élève   au   Conservatoire   Supérieur   de   Musique   de   Paris   de   1986   à   1990,   il  poursuit   ses   études   supérieures   à   la   Hochschule   de   Karlsruhe   (Allemagne)   et   au  Conservatoire   Supérieur   de   Musique   de   Genève   (Suisse)   où   il   obtient   le   Prix   de  Virtuosité  en  1994  dans  la  classe  de  Bruno  Schneider.  

Après  avoir  été  corniste  supplémentaire  à  l'Orchestre  Symphonique  de  la  Suisse  Romande,  il  participe  à  de  nombreux  concerts  d'orchestres  (Ensemble  Orchestral  de  Paris,  Orchestre  Jean  François  Paillard,  Orchestre  Paul  Kuentz,  Orchestre  de  Chambre  

de   Chantilly,...)   fait   parti   de   nombreuses   formations   de  musique   de   chambre   telles   que   le   Quintette   à   Vent   d'Île   de  France  (tournées  en  France  et  à  l'Étranger),  et  se  produit  en  soliste.  

Titulaire   du   Certificat   d'Aptitude,   il   est   actuellement   professeur   de   Cor   au   Conservatoire   à   Rayonnement  Départemental  de  Ville-‐d’Avray  (92)  et  dans   les  Conservatoires  à  Rayonnement  Communal  de  Vanves   (92)  et  Rungis  (94).  Il  enseigne  également  la  technique  de  respiration  et  d'embouchure  à  l'école  de  trompe  de  chasse  Périnet.    

Vendredi 16 Août 2013, Eglise de Lans-en-Vercors, 21h00 Le théâtre du monde Ensemble baroque Chiome d’Oro Capucine Keller, soprano Gustavo Gargiulo, cornet à bouquin et flûtes� Cecilia Knudtsen , viole de gambe Pierre-Louis Rétat, clavecin

"Quand  Monteverdi  fut  porté  en  sa  tombe,  on  raconte  que  le  catafalque  de  l’église  dei  Frari  à  Venise  fut  tant  rempli  de   bougies   que   l’on   eût   dit   le   ciel   étoilé".   Ce   témoignage  pourrait   nous   suggérer   une   poésie   exacerbée   et   surtout  vivante,  mouvante,  jamais  identique.  

Au  tournant  du  XVIIème  siècle,  certains  compositeurs  ont  cherché  divers  moyens  de  mettre  en  scène  les  émotions  humaines,   et   non   plus   seulement   les   émotions   des   dieux.  Même   si   les   dieux   ont   leurs   histoires,   largement  représentées  en  musique,  celles  des  hommes  sont  bien  plus  violentes  et  profondes.  L'amour,  la  haine  et  le  désespoir  sont  réunis  sur  la  même  scène  :  la  scène  des  vivants,  le  théâtre  du  monde.   Dès   la   fin   de   la   Renaissance,   la   musique   s’efforce  

d’exprimer   ce   contenu   affectif   des   textes   en   utilisant   une   symbolique   sonore,   basée   sur   le   jeu   des   extrêmes,   qui  rappelle  fortement  la  technique  du  “clair-‐obscur“,   initialement  utilisée  en  peinture  depuis  le  XVIe  siècle,  notamment  par  Le  Caravage,  pour  créer  des  effets  saisissants.  

Ce  côtoiement  de  couleurs  claires  avec  d’autres  très  sombres  sert  à  augmenter  la  tension  dramatique  de  l’action  en  baignant  les  personnages  principaux  dans  la  lumière,  alors  qu’autour  d’eux  tout  est  figé  dans  l’obscurité,  ce  qui  crée  un  fort  effet  de  relief.  

On   retrouve   ce   procédé   de   contraste   dans   les   éléments   qui  caractérisent   la  musique  baroque:   oppositions   entre  notes   courtes   et  notes   tenues,   différenciation   des   registres   graves   et   aigus,   et  symbolisation  des  modes  majeurs   et  mineurs.   Ces   contrastes,   parfois  violents,   créent   des   effets   de   «   clair-‐obscur   ».   Le   but   de   ces   jeux   de  “lumières“  même   en  musique   est   de   faire   ressortir   un   sentiment,   un  affect.   Grâce   à   l'art   de   la   rhétorique,   qui   n'est   autre   que   des  correspondances   entre   la   Nature   et   des   codes   artistiques  conventionnés,  l'art  peut  exprimer  ces  affects  et  toucher  les  hommes.  

La  musique  est  alors  un  véritable  miroir  de  la  vie  des  hommes,  un  théâtre  du  monde.  Dans  ce   programme,   les   pièces   choisies   expriment   toutes   un   sentiment   fort,   un   parti   pris   affectif   qui  peut  varier  au  fil  de  l’œuvre,  mais  qui  en  fait  sa  force.  

 Dans   ce   programme,   L’Ensemble   baroque   Chiome   d’Oro,   propose   de   faire   entendre   un  mélange  

d’airs  d’opéra,  de  madrigaux  à  une  voix  et  d'œuvres  instrumentales.  Ceci  a  pour  but  de  montrer  que  dans  cette   Italie   du   XVIIe   siècle,   la   théorie   des   passions   atteint   toutes   les   formes   d’expressions   musicales  profanes.  Nous  vous  y  présentons,  entre  autres,  des  œuvres  de  Claudio  Monteverdi,  le  compositeur  italien  le  plus  connu  de  la  première  moitié  du  XVIIe  siècle,  de  Francesco  Cavalli,  disciple  de  Monteverdi  et  véritable  spécialiste  du  genre  de  l'opéra  à  son  époque  et  de  Sigismondo  d'India,  qui  est  sans  doute,  avec  Monteverdi,  l’un  des  plus  importants  compositeurs  de  madrigaux  et  de  monodies  de  sa  génération  et  qui  a  su  atteindre  des  sommets  dans  la  dramaturgie  musicale"  

- Claudio Monteverdi (1567 - 1643) : "Si dolce e tormento" - Claudio Monteverdi (1567 - 1643) : "Zefiro torna" - Claudio Monteverdi (1567 - 1643) : "Venite, venite - "Quando Voglio" (Cleopatra) - Claudio Monteverdi (1567 - 1643) : "Ohime, ch'io cado" - Giovanni-Battista Bassani (1647 - 1716) : “Stillate dolorosi miei lumi “ - Claudio Monteverdi (1567 - 1643) : “Lamento della Ninfa“ - Claudio Monteverdi (1567 - 1643) : “Quel sguardo sdegnosetto“ - Francesco Cavalli (1602 - 1676) : Aria “Volgi, deh volgi il piede“, extrait de Gli amori di Apollo - Alessandro Scarlatti (1660 - 1725) : Aria “Strali soavi“, extrait de Il martirio di Santa Orsola

Fondé   en   2009   à   Genève   par   le   claveciniste   Pierre-‐Louis   Rétat,     l'Ensemble   baroque   Chiome   d'Oro   a  choisi  d'explorer   le  monde  de   la  musique  baroque  par  le  biais  de  la  relation  entre  le  texte  et  la  musique.  

Partant  du  rythme  naturel  de  la  prosodie  du  texte,  l’ensemble  cherche  à  retrouver  un  certain  naturel  ainsi  qu'une   simplicité   dans   son   approche   musicale.     Cette  liberté   dans   la   déclamation   vocale     permet   de  développer   une   liberté   de   jeu   également   chez   les  instrumentistes  et  de  s’abandonner  à  

l’improvisation   d’une   tout   autre   manière.   L'influence   de   la  vocalité  sur  l'esthétique  instrumentale  est  saisissante.  

Par   ailleurs,   l'Ensemble  Chiome   d'Oro,   parallèlement   à  la  prosodie,  cherche  à  exploiter  les  facettes  du  fameux  clair-‐obscur,   des   fluets   rayons  de   lumière  déchirant   l'obscurité   à  l'atmosphère  chaude  et  lumineuse  de  l'été  italien.    

Grâce   à   l'apport   d'une   trentaine   d'années   de   ‘’re-‐découvertes’’  et  d'approfondissements,   la  musique  ancienne  recommence  à  devenir  une  musique  vivante  et  fraîche.  

 Ensemble   ayant   bénéficié   du   soutien   du   Centre   culturel   de  

rencontres   d'Ambronay   dans   le   cadre   des   résidences   Jeunes  Ensembles  2010.  

Nos   jeunes  musiciens,  de  divers  horizons   (Argentine,  Brésil,  Espagne,  France  et  Suisse)  se  produisant  déjà  au  sein  d'ensembles  prestigieux,  jouent  sur   des   instruments   "historiques"   et   ont   pu   approfondir   divers   traités   sur  l'ornementation  ou  sur  les  théories  musicales  de  l'époque.  

Ils   ont   donc     souhaité   se   réunir   pour   explorer   les   chemins   de   la  rhétorique  italienne  du  XVIIème  siècle  -‐  si  chère  aux  comédiens,  aux  poètes  et   aux   peintres   -‐   qui   bien   sûr   transparaît   dans   la  musique   plus   tardive   du  XVIIIème  siècle  (Montéclair,  Bach,  Haendel,  Corelli,  Telemann,  ...).    

   Pierre-Louis   Rétat   (clavecin   et   direction)   commence   sa   formation   de  

claveciniste  auprès  de  David  Morand,  puis  de  Georges  Kiss  au  Conservatoire  d'Annecy,  avant  d'étudier  au  CNR  de  Boulogne  Billancourt,  cursus  Musique  Ancienne,  avec  Laure  Morabito.   Il   complète   ensuite   sa   formation   en   intégrant   le   Master   de   Maestro   al  Cembalo  de  la  Haute  Ecole  de  Musique  de  Genève  dans  la  classe  de  Leonardo  Garcia-‐Alarcon,  et  obtient  son  prix  en  2009.  

Depuis  2007,  Pierre-‐Louis  Rétat  est  l’organiste  titulaire  des  orgues  d’Anières  et  Vésenaz  (canton  de  Genève)  où  il  a  l’occasion  d’organiser  régulièrement  des  concerts.  Il   est   également   souvent   sollicité   comme   accompagnateur   notamment   pour   le  concours  international  de  Genève  2010  (Hautbois).    

Depuis   2011,   il   organise   des   stages   de   découverte   de   la   musique   baroque,  fondés   sur   l'expérimentation,   l'appropriation   et   la   pratique,   destinés   aux   enfants   et  aux   futurs   professionnels.   Pierre-‐Louis   Rétat   a   participé   à   l'academie   baroque  d'Ambronay,  sous  la  direction  de  Jean  Tubéry,  et  se  produit  en  tant  que  claveciniste-‐continuiste  au  sein  d’ensembles  tels  qu'  Elyma,  Les  Agrémens  ou  la  Nouvelle  Ménestrandie,  ainsi  que  sous  la  direction  du   chef   argentin   Leonardo   Garcia-‐Alarcon.   Il   participe   aussi   à   plusieurs   enregistrements   pour   les   labels   K617   et  Ambronay  Edition.  

En  2009,  Pierre-‐Louis  Rétat   fonde   l'ensemble  Chiome  d'Oro  qu'il   dirige  depuis   le   clavecin   et   l'orgue,   puis   en  août/septembre   2011,   il   est   invité   à   diriger   un   projet   d'opéra   (musique,   scène   et  multimédia)   autour   de   Purcell,   à  Mexico  DF,  en  coproduction  avec  le  Theater  Transparent  (Belgique).  

En  2013,  il  est  l'assistant  de  Leonardo  Garcia-‐Alarcon,  pour  l'Orfeo  de  Monteverdi,  lors  de  la  20ème  Académie  Européenne  d'Ambronay.  

Samedi 17 Août 2013,  La Coupole à Villard-de-Lans, 21h00 Conquest of paradise (musique de films) Ensemble “Musiques-en-Vercors” Thierry Boiteux et Cédric Imbert, flûtes -  Bernard Quilot, hautbois Eric Belleudy, clarinette - Serge Fustin, basson - Joël Jody, cor Marie-Christine Belleudy, Anoulay Valentin et Andréa Garnier, violons Véronique Desloges, alto – Romain Hugon, violoncelle Isabelle Vuarnesson, violoncelle - Sylvain Courteix, contrebasse Pascal Pacaly et Benjamin Thiériot, guitares - Philippe Cornus, percussions Franck Masquelier, direction

La   musique   de   film   a   fait   sa   première   apparition   le  17  novembre  1908,   jour   de   sortie   du   film  L'Assassinat   du   duc   de   Guise,  d'André   Calmettes   et   Charles   Le   Bargy.   La   musique   de   ce   film   fut  composée   par   Camille   Saint-‐Saëns,   qui   devint   ainsi   le   premier  compositeur  de   renom  à   composer  une  musique   spécialement  pour  un  film.   Du   simple   pianiste   dans   la   salle   obscure   aux   bandes   originales  spécialement   composées,   la   musique   est   très   vite   devenue   une  composante  essentielle  de  la  dramaturgie  cinématographique.  

Les   premières   partitions   écrites   spécifiquement   pour   le   cinéma  jouent   généralement   le   même   rôle   que   les   morceaux   du   répertoire  classique   qu'elles   remplacent  :   elles   ne   font   que   soutenir   le   discours  cinématographique,   souvent   avec   emphase   et   redondance.   Cette  réduction   de   la   musique   à   une   fonction   de   doublage   amènera   le  compositeur  Igor  Stravinski  à  la  comparer  à  du  “papier  peint“.  

Petit   à   petit,   la   musique   brise   le   cocon   de   simple  accompagnement   sonore.   Elle   dépasse   son   rôle   d'illustration  pour  apporter  une  dimension   supplémentaire   chargée  de   sens.  Au-‐delà  de  son  apport  esthétique,  elle  devient  utile  et  participe  au  récit.  

La   partition   de   John   Williams   en   est   un   exemple  révélateur  ;  elle   transforme   l'attente  du  spectateur  en  véritable  angoisse  dans  le  film  Les  Dents  de  la  mer  de  Steven  Spielberg.  Le  thème  musical   devient   un   leitmotiv   induisant   l'appréhension   à  lui  seul,  à  plusieurs  reprises  dans  le  film.  

En   1969,   le   rock   fait   son   apparition   dans   la  musique   de  film.   La   bande   originale   enchaîne   les   tubes.   La  commercialisation  des  musiques  de   film  devient  populaire.  Les  ventes   de   bandes   originales   explosent   en   proposant   une  compilation  de  morceaux  connus.  

La   musique   devient   indissociable   de   l'image   et   les   réalisateurs   y  accordent   une   place   croissante.   Les   thèmes   musicaux   de   certains   films  deviennent   de   véritables   succès   populaires.   Des   collaborations   durables  s'installent   entre   metteur   en   scène   et   compositeur   qui   partagent   le   même  univers,   la   même   sensibilité  :   Alfred   Hitchcock   et   Bernard   Herrmann,   Sergio  Leone   et   Ennio   Morricone,   Steven   Spielberg   et   John   Williams,   David  Cronenberg  et  Howard  Shore,  David  Lynch  et  Angelo  Badalamenti,  Tim  Burton  et   Danny   Elfman,   Robert   Zemeckis   et   Alan   Silvestri,   James   Cameron   et   James  Horner  ou  en  France  Georges  Delerue  et  François  Truffaut,  Luc  Besson  et  Éric  Serra,  Claude  Sautet  et  Philippe  Sarde.  

Les   réalisateurs   et   les   producteurs   sont   conscients   de   son   importance,  notamment   de   l'émotion   qu'elle   peut   susciter   chez   le   spectateur,   des   pleurs  associés  aux  violons  à  l'excitation  d'une  musique  saccadée  avec  un  son  saturé,  en  passant  par  l'inquiétude,  l'angoisse  ou  l'inconfort  d'une  musique  dissonante.  

 

Ce   concert   “hommage“,   dans   lequel   tous   les  musiciens   de   l’Ensemble   “Musiques-‐en-‐Vercors“   vont  mettre   leur   talent   à   contribution,   promet   d’être   un  moment   intense   de   partage   musical,   de   souvenirs  d’inconscient   collectif,   un   mélange   chaleureux,   coloré,  savoureux  qui  donnera  à  cette  soirée  un  parfum  estival  et  festif.  

Une  invitation  à  un  feu  d'artifice  musical.  

Au programme : - Sarabande en Ré - G.F Haendel - Barry Lyndon (Stanley Kubrick - 1975) - Marche pour la cérémonie des turcs - Tous les matins du monde (A. Corneau - 1991) - Romance - Wolfgang-Amadeus Mozart - Amadeus (Milos Forman - 1984) - The Entertainer, Ragtime - Scott Joplin - l’Arnaque (Georges Roy Hill - 1972) - Les Demoiselles de Rochefort - Michel Legrand - Les Demoiselles de Rochefort (J Demy - 1962) - Somewhere, Mambo - Leonard Bernstein - West-Side Story (Jerome Robbins 1961) - Thème de Borsalino - Claude Bolling - Borsalino (Jacques Deray - 1970) - La Valse d’Amélie - Yann Tiersen - Le fabuleux destin d’Amélie Poulain (J.P Jeunet - 2001) - Vois sur ton chemin - Caresse sur l’océan - Bruno Coulais - Les Choristes (C. Barratier - 2004) - Thème de La Panthère Rose - Henri Mancini - La Panthère Rose (Blake Edwards - 1963) - Can you feel the love tonight - Elton John - Le Roi Lion (Roger Allers - 1994) - La Liste de Schindler - John Williams - La Liste de Schindler (Steven Spielbierg - 2005) - King Kong Theme - James Newton Howard - King Kong (Peter Jackson 2005) - Thème du Parrain - Nino Rota - Le Parrain (Francis Ford Coppola 1973/1990) - New-York, New-York thème - John Kander - New-York, New-York ! (Martin Scorcese 1977) - Conquest of Paradise - Vangelis - 1492, Christoph Colomb (Ridley Scott - 1992) - Raider’s March - John Williams - Les aventuriers de l’Arche perdue (S. Spielberg - 1981/2000) - James Bond thèmes (medley) - John Barry (né en 1933)/P. Mac Cartney - James Bond 007 - Mamma Mia ! (medley) - Abba - Mamma Mia ! - (Phillyda Lloyd 2008)

Dimanche 18 Août 2013, Maison du Patrimoine de Villard-de-Lans, 10h30 et 11h15 Concert apéritif Stagiaires de la 23ème Académie Musicale d’Eté de Villard de Lans

C’est   désormais   une   tradition   dans   le   Festival   “Musiques-‐en-‐Vercors“  :  deux   concerts  de  40  mn  sont  proposés  par   les   stagiaires  de   la  23ème  Académie  Musicale  d’Eté  de  Villard-‐de-‐Lans.  

Ils   interpréteront   en   formations   de   musique   de   chambre,   un  programme  d’œuvres  diverses  classiques,  romantiques,  et  de  musiques  de  films,    dans  ce  cadre  intimiste  et  convivial  qu’est  la  Maison  du  Patrimoine  de  Villard-‐de-‐Lans.  

 Précipitez-‐vous  !  Nombre  de  places  limité  …  

   

Lundi 19 Août 2013, Eglise de Villard-de-Lans, 21h00 Passion musique Ensemble de guitares de l’Académie Musicale d’Eté Pascal Pacaly, réalisation et direction Ensemble de percussions de l’Académie Musicale d’Eté Philippe Cornus réalisation et direction Orchestre de Chambre de l’Académie Musicale d’Eté Véronique Desloges, direction

Art  du   son  et  du   temps,   la  musique  occidentale   se  distingue  des  musiques   ethniques   par   son   incessante   évolution   liée   à   son  système  de  notation,  de  ses  influences  historiques,  géographiques,  culturelles,  idéologiques.  

Ce   concert   débutera   donc   par   deux   ensembles   désormais  emblématiques   de   l’Académie   Musicale   d’Eté,   l’ensemble   de  percussions   coordonné   cette   année   par   Philippe   Cornus,   puis  l’ensemble   de   guitares   de   l’Académie   Musicale   d’Eté,   dans   un  programme  de  musique  hispanisante  et  latine.  

Puis,   l’Orchestre   de   l’Académie   Musicale   d’Eté   de  Villard-‐de-‐Lans  dirigé  par  Véronique  Desloges  proposera  pour  le  plaisir  des  petits  et  des  grands,  un  programme  d'œuvres  des  époques  classique  et  romantique.  

Enfin,   plusieurs   autres   grands   ensembles   de   l’Académie  (vents,  cordes,  anches)  auront  l’occasion  de  présenter  le  travail  accompli  durant  une  dizaine  de  jours  

Un  grand  voyage  musical  plein  d’émotion.  

Mercredi 21 Août 2013, Place du Village d’Autrans, 18h30 Concert Apéritif Stagiaires de la 23ème Académie Musicale d’Eté de Villard de Lans

Les  stagiaires  de  l’Académie  interpréteront  des  musiques  festives  (ensemble  de  percussions,  ensemble  de  vents,  ensemble  de  guitares  ...)  

                       

Jeudi 22 Août 2013, Villard-de-Lans Une journée en musique

Concerts   de   clôture   du   Festival   avec   la   participation   des   stagiaires   de   la   23ème   Académie  Musicale  d’Eté  de  Villard  de  Lans  

15H30,  Place  de  la  mairie  de  Villard  -‐  Ensembles  et  Orchestre  18H30  et  21H00,  Eglise  de  Villard-‐de-‐Lans,  Concerts  de  clôture  du  Festival  

                   

Vendredi 23 Août 2013, Villard-de-Lans, maison du patrimoine, 18h30 Livres en scène Emmanuel Merle, récitant Franck Masquelier, flûtes Philippe Cornus, percussions

 A  l’occasion  de  l’inauguration  du  Festival  

Livres  en  scène  qui  se  déroulera  les  23,  24  et  25   Août   à   Méaudre,   une   collaboration   nait  entre  les  deux  Festivals.  Le  Festival  Livres  en  Scène   a   été   créée   en  2011  par  un   groupe  de  passionnés   de   lecture   se   proposant   de   faire  découvrir,   sur   le   plateau   du   Vercors,   des  auteurs   anciens   ou   contemporains   et   de  partager  le  plaisir  de  lire.  

Philippe   Cornus   aux   percussions   et  Franck   Masquelier   aux   flûtes,   deux  musiciens   emblématiques   du   Festival  

“Musiques-‐en-‐Vercors“  accompagneront   les   lectures  de   textes  d’Albert  Camus,  du  récitant  Emmanuel  Merle.  

Festival off En marge du Festival “Musiques-en-Vercors“, 2 moments de partage musical, avec la participation des

musiciens de l’Ensemble “Musiques-en-Vercors, se dérouleront dans des restaurants de Villard-de-Lans - Thierry Boiteux et Franck Masquelier, flûtes

La Flûte enchantée - Isabelle Vuarnesson, violoncelle

Suites de J.S Bach

(Programmation sous réserve de modifications)

Informations  pratiques

Renseignements - réservations: A  partir  du  1er  Août  2013  auprès  des  offices  du  tourisme  :  -‐    Autrans  :  04.76.95.30.70  -‐    Corrençon-‐en-‐Vercors  :  04.76.95.81.75    -‐    Lans-‐en-‐Vercors  :  04.76.95.42.62  -‐    La  Chapelle-‐en-‐Vercors  /  St-‐Julien-‐en-‐Vercors  :  04.75.48.22.54  -‐    Villard-‐de-‐Lans  :  A  La  librairie  "Au  temps  retrouvé"  :  04.76.95.16.36  

Prix des places : Plein  tarif  :  12  €uros  Tarif  réduit  :  8  €uros    étudiants,  chômeurs,  handicapés,  moins  de  18  ans.  Gratuit  :  enfants  moins  de  12  ans  

Abonnements : Plein  tarif  :    3  concerts  :  24  €uros      -‐    4  concerts  :  32  €uros  Tarif  réduit  :    3  concerts  :  16  €uros      -‐      4  concerts  :  24  €uros  étudiants,  chômeurs,  handicapés,  moins  de  18  ans.  

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Organisation : Association  “Musiques-‐en-‐Vercors“  :  Présidente  :  Nathalie  Meyer  Directeur  artistique  :  Franck  Masquelier    Siège  Social  :  “Les  Mélèzes“  456,  Avenue  Albert  Piétri  -‐  38250  Villard-‐de-‐Lans  Adresse  administrative  :  2,  Rue  des  Capucins  -‐  Bat.  C  -‐  92190  Meudon  Port : 06.70.29.52.93 E-mail : franck.masquelier@cegetel.net Web : www.musiques-en-vercors.fr  M.  Patrice  Vaneufville,  Vice-‐Président  M.  Benoit  Aguettant,  Trésorier  

Graphisme,  réalisation  communication  :  Too-‐Yoo  -‐  Mme  Valérie  Fleck  e-‐mail  :  valerie@tooyoo.com    Conception  et  gestion  du  site  internet  :  Médiaforyk  -‐  M.  Vincent  De  Bergh  e-‐mail  :  vincent@mediaforyk.com   Presse,  communication,  relations  Vercors  :  ADT  Vercors  Tourisme  -‐  Mme  Valériane  Jannet  e-‐mail  :  direction@vercors.fr    Comptable  :  M.  Benoit  Roussel  e-‐mail  :  benroussel@aol.com

Musiques-en-Vercors    remercie  chaleureusement  ses  partenaires  :