gabriel yared - philharmonie de paris · voluptés façon sucré-salé, comme un étrange mariage...

GRANDE SALLE PIERRE BOULEZ – PHILHARMONIE

Gabriel YaredSamedi 9 décembre 2017 – 20h30

Samedi 9 décembre

20H30 CONCERT AVEC IMAGES

GABRIEL YARED LONDON SYMPHONY ORCHESTRA

DIRK BROSSÉ, DIRECTION

GABRIEL YARED, PIANO ET DIRECTION

CATHERINE RINGER, CHANT

YAEL NAIM, CHANT

JUANJO MOSALINI, BANDONÉON

LEWIS MORISON, SAXOPHONE

Ce concert est précédé d’une Rencontre avec Gabriel Yared animée par Stéphane Lerouge à 11h dans la Salle de conférence - Philharmonie. Entrée libre.

Dimanche 10 décembre

16H30 CONCERT AVEC IMAGES

HOMMAGE À STEVEN SPIELBERGLONDON SYMPHONY ORCHESTRA

FRANK STROBEL, DIRECTION

Ce concert est précédé d’une Rencontre avec les musiciens du London Symphony Orchestra animée par Stéphane Lerouge à 15h15 dans la Salle de conférence - Philharmonie. Entrée libre.

Une Récréation musicale est proposée à 16h aux enfants de 3 à 10 ans dont les parents assistent au concert. 8€ par enfant, réservation conseillée.

WEEK-END MUSIQUES À L’IMAGE

ACTIVITÉS CE WEEK-END

SAMEDI Visite-atelier du Musée à 14h30 LES MUSIQUES DE FILM

Ciné-conférence de 14h30 à 16h30RÉVÉLATIONS

Projection à 16h30 GABRIEL YARED

Rencontre à 17h30 ÉVOQUER GABRIEL YARED

Spectacle en images à 19h INFINITE, A SPACE ODYSSEY

DIMANCHE Concert-performance à 15hMUSIQUES DE FILM REVISITÉES

ET AUSSI

Enfants et famillesConcerts, ateliers, activités au Musée…AdultesAteliers, conférences, visites guidées du Musée…

PROGRAMME

Gabriel Yared

London Symphony OrchestraDirk Brossé, direction (sauf Camille Claudel )

Gabriel Yared, piano, directionCatherine Ringer, chantYael Naim, chantJuanjo Mosalini, bandonéonLewis Morison, saxophone

FIN DU CONCERT VERS 22H45.

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Suite 37°2 le matin

I. C’est le vent, Betty

II. Des orages pour la nuit

III. Betty et Zorg

Lewis Morison, saxophone solo

Réalisation : Jean-Jacques Beineix, d’après le roman éponyme

de Philippe Djian (1985).

Production/distribution : Cargo Films.

Sortie : 1986.

Durée de la Suite : environ 8 minutes.

Suite La Lune dans le caniveau

I. La Folie des docks

II. Fugue de la cathédrale

III. Valse de Loretta

IV. Tango de l’impasse

Juanjo Mosalini, bandonéon solo

Réalisation : Jean-Jacques Beineix, d’après le roman éponyme de David Goodis.

Production/distribution : Cargo Films.

Sortie : 1983.


LES ŒUVRES

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L’Amant

Promenade en limousine

Réalisation : Jean-Jacques Annaud, d’après le roman éponyme

de Marguerite Duras (1984).

Production/distribution : Pathé Films, France 2 Cinéma, Burrill Prod.

Sortie : 1992.

Durée : environ 4 minutes.

Suite The English Patient [Le Patient anglais]

I. Szerelem

II. The English Patient

III. Rupert Bear

IV. Convento di Sant’Anna

V. I’ll Always Go Back to That Church

Catherine Ringer, chant

Réalisation : Anthony Minghella, inspiré du roman L’Homme flambé

de Michael Ondaadje.

Production/distribution : The Saul Zaentz Company.

Sortie : 1996.


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Suite Cold Mountain [Retour à Cold Mountain]

I. Ada Plays

II. I Hardly Know Her

Réalisation : Anthony Minghella, d’après le roman de Charles Frazier (1997).


Sortie : 2003.


Suite The Talented Mr. Ripley [Le Talentueux M. Ripley]

I. Lullaby for Cain

II. Crazy Tom

Yael Naim, chant

Anthony Minghella, paroles

Réalisation : Anthony Minghella, d’après le roman The Talented Mr. Ripley

de Patricia Hinghsmith (1955).


Sortie : 1999.


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Suite Camille Claudel

I. Sextuor

II. Camille

III. Camille et Rodin

IV. La Valse

Gabriel Yared, direction

Réalisation : Bruno Nuytten.

Production/distribution : Studio Canal.

Sortie : 1988.


ENTRACTE

Tatie Danielle

La Complainte de la vieille salope

Catherine Ringer, paroles et chant

Lewis Morison, saxophone solo

Réalisation : Étienne Chatiliez.

Sortie : 1990.


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Suite Juste la fin du monde

I. Valse de fin

II. Bach à Glass

Réalisation : Xavier Dolan, d’après la pièce de théâtre éponyme

de Jean-Luc Lagarce (1990).

Production/distribution : MK2 / Diaphana.

Sortie : 2016.


Suite For an Unreleased Film

I. Moderato

II. Adagio


Suite Wings of Courage [Les Ailes du courage]

I. Acceptance

II. Alley Tango

III. Waltz

IV. Finale

Juanjo Mosalini, bandonéon solo

Réalisation : Jean-Jacques Annaud.

Sortie : 1995.


Les partitions ont été préparées par Jeff Atmajian.

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Les innombrables territoires musicaux de Gabriel Yared

« Quand j’écris pour un film, je veux avoir le temps de chercher dans tous les sens, de creuser toutes les directions possibles, au risque de me tromper. Et, en définitive, les morceaux conservés au mixage sont aussi importants que les morceaux non conservés : cela fait partie intégrante du processus de création. On ne peut pas donner à la musique de film la même importance que la musique symphonique si on ne la pratique pas avec la même rigueur et discipline. D’ailleurs, je suis étonné par les compositeurs qui cloisonnent, ceux qui disent écrire d’un côté de la musique pour l’image et, de l’autre, de la musique pour le concert (sous-entendu pour un public plus mélomane et évolué). Au contraire, c’est bien pour le cinéma qu’il faut composer avec la plus grande exi-gence, dans l’intention d’élever un très large public. » Voilà les mots avec lesquels Gabriel Yared évoque sa conception de l’écriture pour l’image, reflet d’un parcours unique, au contact de cinéastes français, britanniques, italiens, libanais, grecs, égyptiens, américains. Il y a dans sa position une intégrité, une rectitude qui amènent au constat suivant : Yared n’écrit pas par fonction mais par conviction. Pour apporter son éclairage musical, sa lumière à un film, il lui faut un minimum d’affinités avec le metteur en scène, avec le sujet et son traitement. D’où plusieurs partitions fracassantes, fruits d’une vraie chimie humaine et esthétique (avec Beineix, Minghella, Annaud, Dembo, Rappeneau, Ocelot, Leconte, Dolan…). D’où aussi, parfois, des déceptions quand le film ne se révèle pas à la hauteur de ses ambitions. « Lorsqu’il m’est arrivé d’accepter un projet pour de mauvaises raisons, confesse-t-il, la qualité de mon travail s’en est ressentie, fatalement. »

À sa manière, Gabriel Yared ressemble à certains dieux hindous, multi-formes. On pourrait presque dire qu’il y a autant de Yared que de films mis en musique par Yared. Cela tient aussi à sa trajectoire personnelle : né à Beyrouth en 1949, il abandonne rapidement ses études de droit pour suivre en auditeur libre les cours d’Henri Dutilleux et de Maurice Ohana à l’École Normale de Paris. C’est à Rio qu’il va ensuite séjourner pendant un an et demi, collaborant notamment avec Ivan Lins, ambassadeur de la bossa moderne. La musique brésilienne l’entraîne dans un torrent de voluptés façon sucré-salé, comme un étrange mariage de soleil et de

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larmes, rejoignant l’une de ses préoccupations : une ligne de chant claire, qui parle au cœur, aux sentiments, mais troublée par une harmonisation et un contrepoint savants.

À son retour à Paris, en 1973, la chanson le happe : il devient l’un des couturiers vedettes de la variété de l’époque, écrivant les arrangements et dirigeant les séances de Michel Jonasz, Johnny Hallyday, Charles Aznavour, Françoise Hardy et même Francis Lai, pour l’unique incursion de Claude Lelouch dans le western (Un autre homme, une autre chance). Pour Gabriel Yared, l’homme providentiel va s’appeler Jacques Dutronc : le chanteur de « J’aime les filles » le recommande aux metteurs en scène de deux films dans lesquels il fait l’acteur, Jean-Luc Godard pour Sauve qui peut (la vie) et Christian de Chalonge pour Malevil, d’après le roman de Robert Merle. Si l’aventure Malevil s’achève avec désillusion (musique tronquée, escamotée), le face-à-face avec Godard produit de belles fulgurances. « Il ne m’a montré aucune image, ne m’a pas donné de script, à l’exception d’un court synopsis, se souvient Gabriel Yared. On a d’abord longuement parlé, dans un bistrot de Saint-Cloud. Puis, au cours de l’enregistrement, Godard est resté silencieux, réagissant très rarement aux morceaux qu’il découvrait. Il a ensuite monté ses images sur ma musique, non sans pratiquer les coupes drastiques et brutales qui reflètent son point de vue, passionnant, sur la bande sonore. Cette expérience a eu une influence considérable sur mon travail : elle a fait naître en moi l’envie de composer de la musique avant toute chose, en restant au plus près du projet artistique, mais sans chercher à coller à une image précise. La composition hors image, nourrie par la lecture du scénario, par mes discussions avec le metteur en scène, a longtemps été ma méthode préférée. Au fil des années, j’ai mis de l’eau dans mon vin : désormais, dans un deuxième temps, j’affine, je cisèle ma musique en fonction de l’image, de la lumière, du jeu des comédiens, du montage. En fait, j’aime accompagner un projet du début à la fin. »

Sauve qui peut (la vie) va sceller un étrange paradoxe : premier long métrage de Gabriel Yared, dernier de Godard avec musique originale. Voilà la carrière cinématographique de Yared lancée. Mais, à vrai dire, c’est comme s’il avait déjà vécu plusieurs vies. À travers le cinéma, il va simplement trouver le moyen de réaliser la synthèse entre ses différentes

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cultures. Car tel est le paradoxe de Gabriel Yared : citez Alban Berg, il vous parlera de Marvin Gaye ; évoquez Bobby McFerrin, il vous répondra sur L’Enfant et les Sortilèges.

Le 26 février 1981, Dutronc invite son protégé à diriger en direct deux suites symphoniques, l’une de Sauve qui peut (la vie), l’autre de Malevil, dans Le Grand Échiquier que lui consacre Jacques Chancel. Devant son écran de télévision, le jeune cinéaste Jean-Jacques Beineix, dont le pre-mier long métrage Diva va sortir trois mois plus tard, tombe amoureux de l’écriture de Yared. Ils se rencontrent courant 1982, en amont du tournage à Cinecittà de La Lune dans le caniveau. « J’ai le sentiment d’avoir trouvé l’équivalent avec des notes de mon univers », déclare alors Beineix. Impression confortée par le fait de bénéficier de la partition sur le plateau, du Tango de l’impasse à La Folie des docks, vertigineux ostinato dont Yared déclinera le principe dans Le Talentueux Mr Ripley (Crazy Tom) et Bon voyage (Crazy Fred). Sans parler de la délicate et pudique Valse de Loretta, née de sa rencontre avec Nastassja Kinski. « Écrire la musique d’un film, c’est aussi faire un portrait, souligne-t-il. Ce qui m’est arrivé avec Nastassja mais aussi avec Isabelle Adjani, Juliette Binoche et Angelina Jolie. » Le binôme Yared-Beineix poursuivra sa route avec deux autres opus, dont 37°2 le matin, premier succès discographique à grande échelle du compositeur.

C’est aussi l’époque où Yared renoue avec ses racines, presque à son insu. « Enfant, avoue-t-il, la musique arabe ne m’attirait pas. Au contraire, elle me plongeait dans une infinie tristesse. Je la rejetais, je ne cherchais ni à la comprendre ni à l’assimiler. C’est par et grâce au cinéma que j’ai pris conscience de sa richesse, sur le tard. En réveillant des réminis-cences musicales de mon adolescence : le son de la radio qui s’échappe des cafés, l’appel à la prière des muezzins… D’une certaine façon, j’ai replongé dans cette culture en exorcisant mon passé. » À Beyrouth, le jeune Gabriel rêvait de musique occidentale ; à Paris, il fait éclater sa redécouverte de la musique orientale au gré des images d’Hanna K., Les Petites Guerres, Adieu Bonaparte et Azur et Asmar.

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En l’espace de quelques années, Gabriel Yared impose sa signature à l’échelle mondiale en multipliant les collaborations avec Bruno Nuytten (Camille Claudel), Robert Altman (Beyond Therapy, Vincent & Theo), Étienne Chatiliez (Tatie Danielle), Jean-Jacques Annaud (L’Amant) et même le tumultueux Jean-Pierre Mocky, le temps de plusieurs bouf-fonneries hallucinogènes (Les Saisons du plaisir, Une nuit à l’Assemblée nationale) et d’un thriller très maîtrisé (Agent trouble). Inconditionnel de la partition de 37°2, le Britannique Anthony Minghella contacte Gabriel Yared en 1996 pour Le Patient anglais, fresque d’influence leanienne, qui vaudra un Oscar à son compositeur. À l’instar de Maurice Jarre, c’est via l’Angleterre que Gabriel Yared va conquérir les États-Unis. Le tsunami du Patient anglais conditionne son image auprès du public anglo-saxon, celle d’un compositeur d’inspiration romantique ou néoromantique. Étiquette flatteuse (qu’Hollywood va largement exploiter) mais réductrice, ne correspondant pas à la réelle palette de ses capacités. D’autant que ses trois autres longs métrages avec Minghella ne copieront jamais la formule magique du Patient anglais. Ils la contrediront presque, en particulier Par effraction (co-composé avec le groupe pop Underworld) et Le Talentueux Mr Ripley, dont la troublante Lullaby for Cain, au lyrisme ambivalent, s’impose comme l’un des Everest de Yared. « Les paroles écrites par Anthony délivrent un message extrêmement subversif, explique-t-il. “La haine t’a fait tuer ton frère mais dors, mon fils, dors”. C’est une façon de mettre le spectateur sur les rails du sujet mais sans rien en dévoiler. Tout cela a été possible grâce à la confiance de Minghella. Pendant dix ans, il a été le cinéaste qui a su le mieux me pousser vers des chemins inexplorés, puiser au fond de moi des ressources nouvelles. Aucune de nos aventures partagées ne souffre du syndrome de répétition. C’est une leçon que je garde de lui : briser les habitudes, les automatismes, car se répéter, c’est mourir. »

Depuis plusieurs années, Gabriel Yared se fait plus rare, plus sélectif et semble se régénérer auprès d’une nouvelle génération d’auteurs : Cédric Kahn (pourtant réfractaire à la musique originale), Florian Henckel von Donnersmarck (La Vie des autres, co-composé avec Stéphane Moucha), Maïwenn (Le Bal des actrices), Jan Kounen (Coco Chanel et Igor Stravinsky), Roschdy Zem (Chocolat), Rupert Everett (The Happy Prince) et Xavier Dolan (Tom à la ferme, Juste la fin du monde, The Death and

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Life of John F. Donovan), auprès duquel il retrouve une complicité équi-valente à celle qui le liait à Anthony Minghella. « Sur notre premier film, souligne le jeune cinéaste québécois, je n’ai jamais rencontré Gabriel. Je n’ai entendu sa voix qu’au téléphone. Mais j’ai rencontré sa musique, son travail et la vaste étendue de son imaginaire. Pour moi, dans le rapport à la musique, cette collaboration a remis les choses en perspective. »

Aujourd’hui, les rêves de Gabriel Yared semblent toujours le porter vers la musique de ballet (où il s’est illustré avec Carolyn Carlson, Roland Petit, Wayne McGregor et le Royal Ballet de Londres), l’opéra et les concerts de ses compositions pour l’image, réunissant des solistes du Nouveau Monde. Récemment, son confrère Alexandre Desplat lui a rendu hom-mage avec une singulière relecture de Camille Claudel pour le Traffic Quintet, retour symbolique au premier traitement de l’ouvrage, pour qua-tuor à cordes. Après trente-sept ans de mariage avec le cinéma, Gabriel Yared est plus que jamais un compositeur voyageur, un créateur d’une sensibilité à fleur de peau, dont plusieurs bandes très originales font déjà partie de la mémoire collective. Cet hommage à la Philharmonie de Paris est l’occasion d’évoquer librement son rapport à l’image, avec sa part d’interrogations mais aussi son lot de réussites, de convictions. Une pos-sibilité unique d’explorer les innombrables territoires du continent Yared.

Stéphane Lerouge

Double page suivante : Partition de Camille Claudel, Gabriel Yared.

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Le LSO et l’industrie du rêve

Très tôt, des relations privilégiées se sont établies entre le London Symphony Orchestra et l’industrie du cinéma. En 1935, le LSO enre-gistre, sous la direction de Muir Mathieson, la musique composée par Sir Arthur Bliss du chef-d’œuvre de William Cameron Menzies La Vie future. Les rencontres avec le septième art se poursuivent avec des com-positeurs britanniques tels que Ralph Vaughan Williams (L’Aventure sans retour, Le 49e Parallèle) et William Walton (Hamlet, Henry V ) ou encore le Hongrois Miklós Rózsa (Les Quatre Plumes blanches).

Point culminant de ces échanges, dans L’Homme qui en savait trop, Alfred Hitchcock met en scène le LSO sur l’une des séquences les plus célèbres de l’histoire du cinéma : une tentative d’assassinat au Royal Albert Hall lors d’un concert où est interprétée la cantate Storm Clouds d’Arthur Benjamin, sous la direction, en 1934, de H. Wynn Reeves puis, en 1956, de Bernard Herrmann.

Mais c’est sous l’influence d’André Previn, l’audacieux et turbulent chef nommé à la direction du LSO en 1968, que se concrétise la relation de l’orchestre avec « l’industrie du rêve ». En 1970, Previn enregistre avec le LSO Music Lovers de Ken Russell, libre évocation de la vie tourmentée de Tchaïkovski. Il est mandaté pour adapter et diriger à l’image certaines œuvres du maître russe. Rollerball, en 1974, lui donne l’occasion de retrouver Norman Jewison (Jesus Christ Superstar). Previn s’acquitte de la mission en adaptant judicieusement un programme constitué d’œuvres de Bach, Chostakovitch, Tchaïkovski et Albinoni, qu’interprète le LSO sous sa direction.

Une grande partie de la production de Star Wars (1977) étant localisée en Angleterre, George Lucas suggère à John Williams d’enregistrer la partition à Londres. Williams et Previn se connaissent déjà, Williams ayant arrangé et dirigé des chansons originales de Previn pour La Vallée des poupées en 1967, et le choix du LSO s’impose naturellement.

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La musique de John Williams entre dans la légende. L’adhésion est uni-verselle, et le double album de la bande originale atteint des records de vente. Les récompenses pour la musique se succèdent : Golden Globes, BAFTA et, bien sûr, Oscar.

Le LSO, l’orchestre le plus populaire au monde, devient la caution prestigieuse pour les producteurs et les musiciens de film. Outre les projets de Williams (Furie, Superman, Dracula, la saga des Star Wars de 1977 à 2005, Les Aventuriers de l’arche perdue, Monsignor, Harry Potter et la chambre des secrets), le LSO enchaîne sans relâche les musiques de film avec James Horner (Aliens, Braveheart), Alan Silvestri (Qui veut la peau de Roger Rabbit ?, Red 2), Basil Poledouris (La Chair et le sang), Philippe Sarde (Tess, La Guerre du feu), Michel Legrand (Un amour en Allemagne), Henry Mancini (Lifeforce), David Shire (Oz, un monde mer-veilleux), Bill Conti (F.I.S.T., L’Étoffe des héros), George Fenton (Mary Reilly, Les Ombres du cœur), Trevor Jones (Dark Crystal, Coup de foudre à Notting Hill), Patrick Doyle (Harry Potter et la coupe de feu, Le Limier), Thomas Newman (Les Quatre Filles du docteur March), Pino Donaggio (Le Fils de Chucky), Alexandre Desplat (The Queen, Harry Potter et les reliques de la mort), Roy Budd (Les Oies sauvages II) et Philippe Rombi (Joyeux Noël).

Édouard Dubois

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LE COMPOSITEUR ET INTERPRÈTE

Gabriel YaredRécompensé d’un Oscar, Gabriel Yared compte parmi les compositeurs les plus reconnus et respectés aujourd’hui. Il a remporté l’Academy Award pour la musique du film Le Patient anglais d’Anthony Minghella, lequel lui a éga-lement valu le BAFTA, le Golden Globe et le Grammy Award. Né à Beyrouth, Gabriel Yared s’est d’abord fait connaître pour son travail dans le cinéma français, commençant avec Jean-Luc Godard puis composant la bande originale de 37°2 le matin réalisé par Jean-Jacques Beineix. On lui doit également la musique de ballet de Clavigo donné à l’Opéra de Paris ou de Raven Girl de Wayne McGregor

donné par le Royal Opera Ballet de Londres. Plus récemment, il a com-posé la musique du sixième film de Xavier Dolan, Juste la fin du monde, qui a remporté le Grand Prix du Festival de Cannes en 2016. Gabriel Yared était membre officiel du jury du Festival de Cannes en 2017. Il a composé la musique du prochain film de Xavier Dolan, The Death and Life of John F. Donovan, avec Jessica Chastain et Natalie Portman, de The Happy Prince (Oscar Wilde) réalisé par Rupert Everett, et travaille actuellement sur la bande originale du dernier film d’animation de Michel Ocelot, Dilili à Paris.

LES INTERPRÈTES

Catherine RingerMannequin enfant, Catherine Ringer devient, à 17 ans, chanteuse dans divers spectacles musicaux. En 1979, à 21 ans, elle rencontre Fred Chichin, 24 ans, guitariste, fou de synthétiseurs, com-positeur et ingénieur du son, et fonde avec lui ce qui deviendra en 1982 Les Rita Mitsouko. En 1985 sort leur single « Marcia Bailla », succès à la fois rock, dance et chanson française. Suivront

« Andy », « C’est comme ça »… Catherine Ringer et Fred Chichin travaillent avec Tony Visconti, Iggy Pop, les Sparks, Jesse Johnson, William Orbit, Serj Tankian… Ils sont également connus pour leurs vidéoclips dans le style « petit music-hall ». Catherine Ringer et Fred Chichin travaillent ensemble mais aussi séparément : musiques de film, comé-dies musicales, productions hip-hop… Leur collaboration durera vingt-huit ans

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et donnera naissance à huit albums. En 2007, un cancer fulgurant fauche Fred Chichin en pleine tournée de leur album Variéty. La tournée reprend quelques mois plus tard puis se termine, fin 2008, sur l’album Catherine Ringer chante Les Rita Mitsouko and more enregistré en live. En 2011 paraît Ring n’ Roll, son premier album solo. En 2014 sort Plaza Francia, A New Tango Song Book, où elle interprète le tango nuevo d’Edouardo Makaroff et Christoph H. Müller (de Gotan Project). Son der-nier album, Chroniques et Fantaisies, a tout juste paru le 3 novembre 2017.

Yael NaimNée à Paris, Yael Naim passe son enfance en Israël, où elle se découvre une passion pour la musique classique – dix ans de cours de musique et de piano au conservatoire – puis pour les musiques pop, jazz et folk. Durant son service militaire, elle fonde le groupe The Anti Collision, au sein duquel elle se produit sur les scènes des clubs israé-liens. En 2000, elle revient en France et est repérée par le label EMI. En 2001, elle sort, sous le pseudonyme de Yael et de façon assez confidentielle, l’al-bum In a Man’s Womb. À la même époque, elle participe successive-ment à trois projets initiés par Élie Chouraqui : deux comédies musicales (Les Dix Commandements et Spartacus le gladiateur) et une bande originale de film, Harrison’s Flowers. En 2004, Yael Naim collabore avec le musicien et producteur Readymade FC pour

l’enregistrement de deux chansons qui figureront sur l’album Babilonia. La même année, elle rencontre David Donatien et commence à travailler avec lui sur un nouvel album. Leur travail commun aboutit au bout de trois ans à une signature sur le label Tôt ou tard et à l’album Yael Naim (2007). Il atteint la sixième place du Top Albums et sortira dans dix-huit pays. L’année sui-vante, la chanson « New Soul » de ce premier album, utilisée par Apple dans l’une de ses publicités, fait son appari-tion dans la plupart des autres charts internationaux, dont le Billboard Hot 100 (Top 10). En France, la chanson se classe en deuxième place des ventes.

La même année, Yael Naim remporte la Victoire de la musique du meilleur album musiques du monde. Yael Naim et David Donatien entament alors une tournée de deux ans et de plus de deux cents concerts à travers le monde. En parallèle, Yael Naim est conviée à par-ticiper à quelques projets extérieurs – un album autour de Robert Wyatt avec l’Orchestre National de Jazz de Daniel Yvinec, un projet hommage au groupe de musique industrielle Coil sur l’album The Dark Age of Love, le mor-ceau « Love is Bird » en duo avec Variety Lab. Au printemps 2010, Yael Naim est choisie comme invitée d’un épisode de la série télévisée d’animation Les Simpson (La Plus Grande Histoire jamais ratée). L’album She Was a Boy (2010), de nouveau coproduit avec David Donatien, comporte treize chansons ori-ginales. L’album est salué par la presse

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et confirme les talents d’écriture de Yael Naim ; il sera certifié platine en France. Une tournée internationale de deux ans suit la sortie de l’album, traversant l’Europe, les États-Unis, le Japon et l’Amérique du Sud. En 2011, Yael Naim est consacrée Artiste féminine de l’an-née par les Victoires de la musique. Elle est marraine de l’association Solidarité Sida ; elle a également offert la chanson « If You See » à Amnesty International. En 2013, elle a été nommée chevalier dans l’ordre des Arts et des Lettres. En 2014, elle chante en duo le single « Cover me Over » avec Slow Joe & the Ginger Accident, premier extrait de l’album Lost for Love de ce dernier. En 2015 sort un nouvel album, coproduit et co-composé avec David Donatien, Older. En 2016, Yael Naim est à nouveau Artiste féminine de l’année des Victoires de la musique.

Juanjo MosaliniHéritier de la tradition du bandonéon, Juanjo Mosalini développe aujourd’hui toutes les facettes de l’instrument au sein d’ensembles qui perpétuent la grande expression musicale de l’Argentine. Mais il est avant tout l’inter-prète passionné des compositeurs phares de ce début du xxie siècle. Dans les formations de chambre ou les plus prestigieux orchestres du monde dont il est le soliste, Juanjo Mosalini fait parler le fueye avec tout le vocabulaire musical classique, moderne et contem-porain. En duo avec le guitariste Vicente Bögeholz, il explore l’univers des

rythmes argentins dans la musique de chambre actuelle. Plus encore, il plonge dans les improvisations et dans la com-position de musique électronique avec la complicité du contrebassiste de jazz Olivier Sens. C’est aussi pour lui une évidence de laisser libre cours à sa création personnelle dans une har-monie parfaite avec la voix humaine, comme celle de Silvana Deluigi. Sur les scènes du monde entier, il est présent au sein du quatuor de Luis Bacalov, de l’ensemble de Gerardo Jerez Le Cam ou avec Tomás Gubitsch. Enfin, Juanjo Mosalini est l’un des rares bandonéo-nistes internationaux à jouer réguliè-rement comme soliste avec de grands orchestres classiques. Né en 1972 à Buenos Aires, il est le fils de Juan José Mosalini, grande figure du tango argen-tin. Passant toute son enfance au sein de la communauté des musiciens argen-tins, ayant comme professeurs Gustavo Beytelmann et Enzo Giecco, il ressent très tôt le désir d’ouvrir de nouveaux chemins à cette forme musicale. Il com-mence ses études de bandonéon avec son père à l’âge de 16 ans. En 1989, Juanjo Mosalini est l’invité de Marcel Azzola à Radio France. Cette même année est créée la classe de bandonéon du Conservatoire de Gennevilliers. Il en obtient le premier prix en 1993 et y enseigne dès lors durant cinq années parallèlement aux cours qu’il donne au Conservatoire d’Alfortville. Juanjo Mosalini est aujourd’hui professeur du Conservatoire de Gennevilliers. Sa carrière prend un essor notoire de

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1992 à 1997 comme bandonéoniste de l’Orchestre Mosalini et du Trio Gomina dirigé par Leonardo Sánchez. Il paro-tage également la scène avec Toots Thielemans, Mino Cinelu, Gotan Project, Le Cirque du soleil, Catherine Lara, Julien Clerc, Elli Medeiros, Juliette, I Muvrini, Julia Migenes. Il travaille aussi avec Gabriel Yared pour le film Wings of Courage de Jean-Jacques Annaud, ou avec Éric Serra pour Léon de Luc Besson et en tant qu’interprète et compositeur pour Jeanne et le gar-çon formidable d’Olivier Ducastel et Jacques Martineau, avec le compositeur Philippe Miller.

Lewis MorisonLewis Morison a étudié la musique et la prise de son à l’Université du Surrey en Grande-Bretagne, où il a remporté le prix de composition Joyce Dixey en 2004. Très présent sur la scène de jazz londonienne, il s’est formé auprès de Tim Whitehead, Iain Ballamy, Tony Woods et Terry Evans avant de se rendre à Paris pour travailler avec Gabriel Yared. Il continue d’écrire et de se produire avec son groupe de jazz ou d’autres ensembles à Paris, à Londres et dans le monde entier. Très actif dans les domaines de la composition et du cinéma, il a participé à la production de plus de quatre-vingts bandes originales de films et de téléfilms, parmi lesquels Jackie, Le Hobbit, Skyfall et Argo.

Dirk BrosséNé à Gand, Dirk Brossé mène une brillante carrière internationale de chef d’orchestre et de compositeur. Il est aujourd’hui directeur musical du Chamber Orchestra of Philadelphia et du Film Fest Gent, également profes-seur de composition et de direction au Conservatoire royal de musique de Gand. John Williams l’a choisi comme chef titulaire de la tournée internationale Star Wars en concert. On lui doit près de quatre cents com-positions – touchant à des genres aussi variés que le concerto, l’orato-rio, le lied, la musique de chambre, la musique de film, la comédie musicale ou la symphonie. En 2015, il a enre-gistré son concerto pour violoncelle Cello Concerto for Isabelle avec Marie Hallynck et le London Symphony Orchestra. Il a éga lement beaucoup composé pour le cinéma, la télévision et la scène, pour des films tels que Boerenpsalm, Koko Flanel, Daens, The Lovers et Knielen, ou pour la série télévisée Parade’s End de la BBC/HBO, ce qui lui a valu une nomination aux Emmy Awards. Dirk Brossé a réalisé plus de quatre-vingts enregistrements et collaboré avec des artistes de renom international tels que José Van Dam, Barbara Hendricks, Julia Migenes, Claron McFadden, John Williams, Toots Thielemans, Hans Zimmer, Elmer Bernstein, Emma Thompson, Kenneth Branagh, Sinead O’ Connor, Maurice Jarre, Michel Legrand, Youssou N’Dour… Il a travaillé notamment avec

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les metteurs en scène Stijn Coninx, Frank Van Laecke, Susanna White et Roland Joffé, ainsi qu’avec les écrivains Gabriel García Márquez, Seth Gaaikema et Didier Van Cauwelaert. Sa carrière de chef d’orchestre l’a amené à diriger de grandes formations, en Belgique ou dans le reste du monde, parmi les-quelles le London Symphony Orchestra, le London Philharmonic Orchestra, le Royal Philharmonic, l’Opéra de Vancouver, l’Orchestre de l’Opéra de Lyon, le Hong Kong Chinese Orchestra, l’Orchestre de la Suisse Romande… En 2008, il a fait ses débuts au Royal Albert Hall de Londres à la tête du London Symphony Orchestra dans un pro-gramme consacré à la musique de film, « A Night of Music from the Movies ». Il a débuté au Carnegie Hall de New York en 2016. Il s’est vu remettre le titre d’ambassadeur culturel des Flandres, la médaille d’or du Mérite du Parlement des Flandres, le prix Achille Van Acker, le prix honoraire Joseph Plateau et le prix d’excellence en créativité cultu-relle du Global Thinkers Forum. Dirk Brossé a été fait citoyen honoraire de Destelbergen en 2010 et chevalier de Belgique en 2013. Il est membre de l’Académie royale flamande des sciences et des arts de Belgique.

London Symphony OrchestraLe London Symphony Orchestra (LSO) a toujours à cœur d’offrir une musique d’une grande qualité au plus grand nombre de spectateurs. C’est la pierre angulaire de ses activités. Cet

engagement s’est développé et conso-lidé depuis plus de cent ans. Fondé en 1904 par de grands musiciens londo-niens, le London Symphony Orchestra est un collectif musical autonome basé sur la propriété artistique et le partena-riat. L’orchestre est encore aujourd’hui la propriété de ses membres, et sa signature sonore est la combinaison de l’implication et de la virtuosité de ses quatre-vingt-quinze musiciens, qui viennent du monde entier. Le LSO est en résidence au Barbican de Londres, où il donne soixante-dix concerts sym-phoniques par an. Il donne par ailleurs soixante-dix autres concerts chaque saison à travers le monde. L’orchestre collabore avec de nombreux artistes dont les plus grands chefs d’orchestre – Sir Simon Rattle, son nouveau direc-teur musical, Gianandrea Noseda et François-Xavier Roth, ses chefs invités principaux, Michael Tilson Thomas, son chef lauréat, et André Previn, son chef émérite. LSO Discovery, le pro-gramme communautaire et éducatif de l’orchestre, basé à LSO St Luke’s, par-tage le travail du LSO avec l’ensemble de la société et touche soixante mille personnes chaque année. Le LSO va plus loin avec son propre label d’en-registrement, LSO Live – le premier du genre lancé en 1999 –, qui diffuse sa musique partout dans le monde et touche des millions d’auditeurs.

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Directeur musicalSir Simon Rattle

Principaux chefs invitésGianandrea Noseda François-Xavier Roth

Chef lauréatMichael Tilson Thomas

Chef émériteAndré Previn

Chef de chœurSimon Halsey

Violons ICarmine Lauri Clare Duckworth Ginette Decuyper Gerald Gregory Maxine Kwok-Adams Claire Parfitt Laurent Quenelle Harriet Rayfield Rhys Watkins Laura Dixon Takane FunatsuAlix Lagasse Daniel Meszoly Helen Paterson

Violons II Thomas Norris Miya Vaisanen Matthew Gardner Naoko Keatley Belinda McFarlane Iwona Muszynska Paul Robson Laura BalboaIngrid ButtonCaroline Frenkel Dmitry Khakhamov Csilla Pogany

Altos Edward Vanderspar Malcolm Johnston Anna Bastow Julia O’Riordan Robert Turner Jonathan Welch May Dolan Steve DomanStephanie Edmundson Alistair Scahill

Violoncelles Rebecca Gilliver Alastair Blayden Jennifer Brown Noel Bradshaw Eve-Marie Caravassilis Daniel Gardner Hilary Jones Deborah Tolksdorf

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ContrebassesColin Paris Patrick Laurence Matthew Gibson Joe Melvin Jani Pensola Jeremy Watt Flûtes Gareth DaviesPatricia Moynihan

PiccoloSharon Williams

Hautbois Gabriel PidouxRosie Jenkins

Cor anglais Christine Pendrill

ClarinettesChris Richards Chi-Yu Mo

Clarinette basseArthur Stockel

Bassons Dan JemisonJoost Bosdijk

ContrebassonDominic Morgan

CorsLaurence Davies Angela Barnes Alexander Edmundson Kathryn SaundersStephen Craigen

Trompettes Niall Keatley Gerald Ruddock Paul Mayes Trombones Peter Moore James Maynard

Trombone bassePaul Milner

Tuba Jean Xhonneux

Timbales Nigel Thomas

PercussionsNeil Percy David Jackson Sam Walton

HarpeBryn Lewis

PianoJohn Alley

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Administration du London Symphony Orchestra

Directrice généraleKathryn McDowell

Directrice de la programmationSue Mallet

Responsable des tournées et des projetsTim Davy

Directrice du personnel adjointeAlice Gray

Régisseurs plateauNathan BuddenNeil Morris

Remerciements particuliers à Tim Davy, Oliver Howlett, Jeff Atmajian, Chantal Cicé, Alain Français.

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